Dass «MAYU» in der Region hergestellt wird, war dir von Anfang an sehr wichtig. Wie schwierig war es, dies schliesslich auch umzusetzen?

Im Gespräch mit nachhaltigen Schweizer Kleiderlabels wurde ich schnell auf das Nähwerk IDM aufmerksam. Ich hatte das Glück, rechtzeitig ein Produktionszeitfenster zu bekommen, welches die Herstellung der ersten Serie von 10 Stück zeitnah möglich machte.

Die regionale Herstellung ist mir wichtig, um die Transparenz im Herstellungsprozess zu gewährleisten. Zudem schätze ich es sehr, im kreativen Prozess den Austausch bei physischem Zusammenkommen zu haben. In dieser haptischen Welt der Materialien ist mir der echte direkte Kontakt mit Menschen sehr Wichtig.

Mit dem Anspruch, natürliche Materialien im Aussenbereich einzusetzen, ergab sich nach langer Recherche eine eher bescheidene Auswahl, die den Anforderungen im Outdooreinsatz gut standhalten kann. Die Materialisierung von MAYU mit der Kombination des Baumwollstoffs (PFC frei imprägniert) und dem Wollvlies ist hochwertig, pflegeleicht und wird den hohen Ansprüchen gerecht.

Praktische Aspekte sind bei diesem Produkt von Bedeutung. Inwiefern musstest du beim Design Kompromisse eingehen?

MAYU ist sowohl auf den Stuhl als auch auf den Nutzer angepasst. Mit meinem beruflichen Hintergrund als Raumausstatterin (mit Schwerpunkt im Polsterhandwerk) war die Versuchung gross, das Produkt so exakt wie nur möglich auf das Möbelstück anpassen zu wollen.

Ein spannender Teil im Gestaltungsprozess war, die Ansprüche beider Bereiche (Möbel und Bekleidung) auszureizen und dazwischen die Balance zu finden, um ein eigenständiges Produkt entstehen zu lassen. Dabei bin ich auch den einen oder anderen Kompromiss in der Gestaltung der Form eingegangen.

Das Cape wird bereits in diversen Restaurants und Bars getestet, damit du allfällige Anpassungen vornehmen kannst. Wie geht es konkret weiter mit dem Projekt?

Der nächste Schritt wird die Vermarktung des Produkts sein. Mein Wunsch ist es, dass dieser Bereich möglichst direkt abläuft. Die Farbgestaltung sowie kleinere Elemente können persönlich auf Kund:innen und Einsatzort abgestimmt werden. Nun bin ich gespannt, welche Personalisierungen gewünscht sind und mit welchen Lösungen ich darauf eingehen kann.

AUSSTELLUNG BESTFORM

ƒ 22. März bis 28. April ’24
¢Di-Fr: 11 bis 17 Uhr, Sa/So: 11 bis 16 Uhr

Karin Lehmann, Janis Marti, Eva Vogelsang, Sarina Pfluger und Maurizio Ferrari, zusammen mit Schüler:innen der Keramikdesign Fachklasse der SfGB-B habt ihr den Holzofen neu gebaut. Wieso war dieses Vorhaben so wichtig?

Wir sind alle Feuerbegeisterte Keramiker:innen und lernen selber viel beim gemeinsamen Bauen. Wir erachten es als elementar, dass dieses handwerkliche Wissen und das kollektive Erleben des Holzofenbrandes über Generationen weiter bestehen.

Was zeichnet die Arbeit mit dem Holzofen aus – sowohl technisch als auch in Bezug auf das Design der Objekte? 

Wir brennen bis ca. 1300 Grad. Das heisst, die keramischen Massen und Glasuren müssen in dieser Hitze Bestand haben. Besonders faszinierend sind die unplanbaren Feuerspuren und Ascheanflüge auf den Objekten. Der Prozess des Brennens wird sozusagen abgebildet.

In der BESTFORM tritt euer Projekt mit Objekten aus der kantonalen Sammlung angewandte Kunst in einen Dialog. Dabei handelt es sich um die Kugelvasen von Vreni Meier (2000) sowie die Arbeit «Hasu» von Margareta Daepp (2006). Was ist die Verbindung zwischen dem Holzofen und den Werken dieser Keramikerinnen?

Der Ofen steht bei Vreni Meier im Garten. Die Kugelvasen wurden damals in diesem Ofen gebrannt, den wir nun neu aufgebaut haben. Vreni steht uns schon lange grosszügig mit ihrer langjährigen Erfahrung zur Seite. Das Objekt «Hasu» von Margareta Daepp wurde in Japan gebrannt, wo der Holzofenbrand seit Jahrhunderten genützt und geschätzt wird. Bei allen in der Ausstellung gezeigten Objekten kommen die Feuerspuren gut zur Geltung.

AUSSTELLUNG BESTFORM

ƒ 22. März bis 28. April ’24
¢Di-Fr: 11 bis 17 Uhr, Sa/So: 11 bis 16 Uhr

In der BESTFORM Ausstellung, die aktuell im Kornhausforum zu sehen ist, zieht dein Objekt «Safe Space» besonders viele Blicke auf sich. Wie kam es zur Idee für das Projekt?

Inspiration für das Objekt «Safe Space» war mein Werk «DU SOLLST LIEBEN» (2011). Es handelt sich dabei um Boxhandschuhe, in die ich innen und aussen Reissnägel eingearbeitet habe. In der Arbeit beschäftigte ich mich mit Themen wie Beziehungen, Anziehung, Liebe und Wut. Als ich mit Freunden über dieses Objekt sprach, kam mir der Einfall, einen Ganzkörperanzug mit Nadeln zu besetzen. Mich sprach die Idee visuell an, zudem konfrontierte es mich mit meiner eigenen Verletzlichkeit, meiner Suche nach Schutz und meiner Abgrenzung zur Aussenwelt. Ausserdem beschäftigte ich mich in dieser Zeit intensiv mit Performance und hatte Lust, ein Objekt performativ zu nutzen.

Die Idee war somit schnell geboren, die Umsetzung ging dann etwas länger.

Was waren die grössten Herausforderungen bei der Umsetzung?

Die Herstellung: Das stundenlange Biegen der Nadeln, diese in gleichmässigem Abstand durchzustechen und mit Quetschperlen zu befestigen, brachte mich immer wieder an meine Grenzen. Da ich keine Finanzierung hatte, arbeitete ich in meiner Freizeit und Randzeiten über mehrere Jahre daran. Die Arbeit erinnerte mich an einen meditativen Akt. Die finanzielle Unterstützung und die Ausstellung BESTFORM der Berner Design Stiftung ermöglichten es mir, das Werk fertigzustellen. Die Arbeit wurde durch die geregelten Arbeitszeiten und die klare Deadline mehr und mehr zur Fleissarbeit, wie es in Fabriken der Fall ist.

Beim Ausstellen des Objekts war ich mit einer weiteren Herausforderung konfrontiert. Da ich es so lebendig wie möglich präsentieren wollte, wählte ich eine 40kg schwere, voll bewegliche Puppe. Diese Puppe mit dem Nadelkleid in die gewünschte Form zu bringen, kostete mich einige Nerven.

Die Arbeit am Objekt war wichtig, um meinen künstlerischen Fragen nachzugehen, sie zeigte mir aber auch meine Grenzen auf. Da ich die Arbeit mit Nadeln weiterführen möchte, suche ich Wege, wie ich weiterhin frei denken kann, ohne mich von der Fleissarbeit einschränken zu lassen.

Inwiefern war dir ein Beitrag zum aktuellen Diskurs rund um das Thema «Safe Space» bei diesem Projekt wichtig?

Zu Beginn ging es mir nicht um den Diskurs. Ich erforschte in dieser Arbeit meine eigenen Schutzräume und kam erst später auf den gesellschaftlichen Begriff.

Mir ist wichtig, dass alle Menschen Platz und Schutz in unserer Gesellschaft haben. Dass Menschen, die Diskriminierung erfahren, Räume haben, um sich auszutauschen, zu organisieren und sich gegenseitig zu stärken. Ich finde es nachvollziehbar, dass in diesen Räumen keine Menschen Platz haben, die dies nicht unterstützen.

Als Künstlerin nehme ich mir die Freiheit heraus, meine eigenen Räume zu untersuchen, mich frei auszudrücken und kontroverse Themen anzusprechen, dabei will ich zur Reflektion anregen, nehme aber auch in Kauf, zu provozieren.

Grundsätzlich finde ich es wichtig, dass wir wohlwollend, respektvoll und achtsam miteinander umgehen. Ich bin nicht daran interessiert, Menschen vorzuschreiben, wie sie ihre Safe Spaces zu gestalten haben.

> www.myriamdewurstemberger.com

AUSSTELLUNG BESTFORM

ƒ 22. März bis 28. April ’24

VERANSTALTUNG

Safe Space: Wer findet (k)eine Sicherheit in unserer Gesellschaft?

Der Ausdruck «Safe Space» hat in den letzten Jahren zunehmend an Bedeutung gewonnen. Wer fordert wo einen «Safe Space» für wen? Die Veranstaltung nähert sich dem Thema aus behördlicher, wissenschaftlicher, interkultureller, künstlerischer und queerer Perspektive. Als Publikum definieren Sie, was für Sie selbst «Safe Space» ist, und was fehlt, wenn Sie sich nicht mehr sicher fühlen.

Die Kooperationsveranstaltung BFH-Kornhausforum findet im Rahmen der Ausstellung «BESTFORM» der Berner Design Stiftung statt.

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ƒ Mittwoch, 24. April 2024
¢ 18 bis 19.30 Uhr

Für die Recherche an deiner Graphic Novel hast du mit Menschen aus deinem Umfeld gesprochen. So etwa mit deiner Mutter und Grossmutter oder Freundinnen, die selber Mütter sind. Wie hat sich die Idee von «MA» durch diese Gespräche verändert?

Sicherlich haben diese Gespräche meine Vorstellung vom Muttersein erweitert. Da ich mit Personen aus diversen Generationen und Lebensrealitäten gesprochen habe, wurden mir verschiedene Standpunkte zu diesem Thema verdeutlicht, von denen mir einige völlig neu waren. Durch diese Diskussionen habe ich mich dazu entschieden, in meiner Arbeit auch intergenerationelle Themen aufzugreifen, insbesondere die Veränderungen des Mutterseins im Laufe der Zeit. Welche Erkenntnisse können wir aus früheren Generationen ziehen, und welche Vorstellungen müssen wir überdenken oder hinterfragen?

Wieso hast du dich als Medium für eine Graphic Novel entschieden?

Das Zeichnen begleitet mich schon lange. In diesem Medium kann ich mich am präzisesten ausdrücken. Linien, Formen und Farben sind universelle Mittel, um Botschaften und Emotionen zu vermitteln. Sie überwinden Sprachbarrieren. In Graphic Novels ergänzen sich Bild und Text gegenseitig. Durch diese Kombination werden die Absicht und der Kontext einer Geschichte noch stärker betont. Deshalb halte ich die Graphic Novel für ein äusserst ausdrucksstarkes Medium. Besonders wenn es um politische Themen geht, habe ich das Gefühl, dass Autor:innen sich nicht nur durch Text, sondern auch durch eine persönliche Bildsprache positionieren können. Deshalb habe ich mich entschieden mit diesem Medium zu arbeiten.

Was sind die Herausforderungen bei diesem Projekt?

Um ein solches Projekt zu realisieren, braucht es viel Ausdauer und Fokus. Ich finde es herausfordernd, mich immer wieder neu zu sammeln und mich auf die Arbeit zu konzentrieren. Da es sich um eine Teilzeitbeschäftigung handelt, geraten gelegentlich meine anderen Verpflichtungen und Tätigkeiten in den Vordergrund, was die Fortschritte am Projekt erschwert.

Da es sich um ein mehrjähriges Projekt handelt, finde ich es zudem herausfordernd, mich auf eine bestimmte Bildsprache und Zeichnungstechnik festzulegen, damit die gesamte Geschichte kohärent ist. Ich suche noch nach einer Möglichkeit, wie ich mir während der Arbeit dennoch die Freiheit herausnehmen kann, mit verschiedenen Stilen zu arbeiten.

> noemiefatio.ch

AUSSTELLUNG BESTFORM

ƒ 22. März bis 28. April ’24

RAHMENPROGRAMM

Wir bieten zu jedem Designbereich eine Mittagsführung an, bei der geförderte Designer:innen selber anwesend sind.

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GRAFIKDESIGN:
ƒDienstag, 23. April 2024
¢12.15 Uhr

Dass Dir für dieses Projekt Desserts als Vorbild dienten, ist unverkennbar. Wie kam es dazu?

Als Kind konnte ich mich in der Badi selten für eine Softice-Sorte entscheiden, deshalb habe ich oft die beiden Geschmacksrichtungen Erdbeere und Vanille gewählt. Ich war nicht nur vom Geschmackserlebnis, sondern auch vom Farbenspiel angetan. Wie diese beiden Farben gleichzeitig herausgepresst wurden und sich ineinander verwoben und auftürmten, faszinierte mich. Als ich angefangen habe, mich mit dem Keramikdruck zu befassen, waren mir bisher nur Beispiele bekannt, bei denen innerhalb des Objekts selbst die Farbe graduelle Verläufe erzeugte. Da habe ich das Potenzial gesehen, den extrudierten Materialstrang farblich zu unterteilen. Dazu musste ich dann den Materialbehälter und die Spitzen des herkömmlichen Keramikdruckers anpassen.

Du hast spezielle Adapter für den Keramikdruck entwickelt, um «Digitalised Pastry 2.0» zu realisieren. Wie muss man sich die Herstellung der Objekte vorstellen?

Die Vor- und Nachbereitung sind beim Keramik-3D-Druck der aufwendigste Teil. Bei meiner Arbeitsweise sind diese Schritte nochmals viel aufwendiger und heikler. Es beginnt zum Beispiel dabei, dass ich mehrere Farben mische, die ich in unterschiedliche Farbkartuschen einzeln einfüllen und schliesslich wieder reinigen muss. Dadurch, dass ich mit mehreren Farben gleichzeitig drucke, habe ich kleinere Materialbehälter. Somit ändern sich auch die Ansprüche an die Viskosität, also die Zähigkeit des Porzellans und vieles mehr. Jede kleine Anpassung bringt eine Serie von Änderungen mit sich, die ich durch Ausprobieren erkennen und schliesslich umsetzen muss. Während des Druckes stehe ich jeweils daneben und greife teilweise manuell ein. Es ist also viel Übung, Handwerk, Reaktion und zum Schluss Nachbearbeitung gefordert. An einer Maschine einen Knopf zu drücken, reicht nicht.

Von der Berner Design Stiftung wurdest du zum ersten Mal unterstützt. Was hat dir die Förderung ermöglicht?

Mein Ziel war es, mein Bachelor-Projekt, welches im Prototyp-Stadium war, weiterzuentwickeln. So kann ich nun eine Basis schaffen, um die selbstständige Produktion und später den Vertrieb anzugehen. Ich konnte viele Anpassungen machen wie das Druckvolumen des Druckers vergrössern, was unbedingt nötig war, um Vasen in einer adäquaten Grösse herzustellen. Ich habe mich technisch weiterentwickelt, habe experimentiert und konnte somit das Design konkretisieren. Die nächsten Schritte werden viel Organisatorisches sein, wie die Produkte zu fotografieren oder eine Website zu erstellen. Parallel dazu werde ich nochmals Anpassungen an den Werkzeugen und den Arbeitsschritten vornehmen, um produktiver zu sein. Das ist mein Plan, dessen Grundlage ich erst durch die Unterstützung schaffen konnte.

AUSSTELLUNG BESTFORM

ƒ 22. März bis 28. April ’24

¢Di-Fr: 11 bis 17 Uhr, Sa/So: 11 bis 16 Uhr

Für dieses Projekt hast du einen Algorithmus entwickelt, der inhaltlichen, kuratorischen, sowie gestalterischen Arbeitsschritte übernehmen kann. Wie viel menschliche und wie viel künstliche Intelligenz steckt im Projekt?

Der entwickelte Algorithmus setzt nur klar definierte Parameter um und bietet lediglich eine endliche Anzahl von Möglichkeiten. Eine KI wäre sicher viel effizienter und hätte einen grenzenlosen Output, aber sie wäre auch viel unkontrollierbarer. Da ich den Output nach dem Zufälligkeitsprinzip generieren wollte, brauchte ich für den Input sehr klare Regeln. Zum einen, damit die Syntax stimmt, zum anderen, damit ich keine diskriminierenden Zitate generiere. Also künstliche Intelligenz steckt keine in dem Projekt. Wie viel Intelligenz in den generierten Zitaten steckt, sollen betrachtende Personen selbst entscheiden.

Mit deinem Projekt wolltest du deine eigene Selbstoptimierung erreichen. Ist dir das gelungen?

Die Idee war, als Designer all meine Arbeitsschritte für die Erstellung eines klassischen Printprodukts so zu optimieren, dass diese durch einen einzigen Befehl ausgeführt werden können und dies jedes Mal zu einem anderen Resultat führt. Schlussendlich dauert der Prozess zur Generierung eines einzelnen Buches 40-60 Sekunden, was nach einer erfolgreichen Prozessoptimierung klingt.

Dies kann ich bei meiner eigenen Zeit-Optimierung nicht behaupten. Die Erstellung von weiteren Variablen hätte ich endlos weiterführen können. Denn je mehr Variablen ich generiere, desto klarer kann die Sprache der Optimierungs-Industrie wiedergegeben werden. Anfangs war das Ziel, eine Million Möglichkeiten zu erstellen, final sind es dann über 4 Millionen geworden.

Was ist deine grösste Erkenntnis aus dem Projekt in Bezug auf das Thema Design?

Generativer Gestaltung sieht man es oft an, dass sie generiert wurde. Der Reiz dieser Art zu gestalten, liegt meiner Meinung nach auch darin, dass dadurch neue Resultate entstehen, die ohne das Generative nicht denkbar wären. Am Anfang wollte ich dies voll ausreizen und jede einzelne Seite so unterschiedlich generieren. Die ersten Entwürfe sahen dadurch sehr gestaltet aus und das Buch wurde eher zum Designobjekt und es ging mehr um die Visualität als um den Inhalt. Schritt für Schritt habe ich die Gestaltung reduziert, damit der Inhalt so klar wie möglich kommuniziert wird und nichts von ihm ablenkt. Dies war sicher die grösste Erkenntnis, aber auch das schwierigste Eingeständnis.

> thepursuitofhappiness.xyz/

AUSSTELLUNG BESTFORM

ƒ 22. März bis 28. April ’24

RAHMENPROGRAMM

Wir bieten zu jedem Designbereich eine Mittagsführung an, bei der geförderte Designer:innen selber anwesend sind.

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MODE- UND TEXTILDESIGN:
ƒDonnerstag, 4. April 2024
¢12.15 Uhr

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GRAFIKDESIGN:
ƒDienstag, 23. April 2024
¢12.15 Uhr

Normalerweise arbeitet ihr mit Reststoffen, die euch Marken wie etwa Adidas oder Nike zur Verfügung stellen. Inwiefern war die Arbeit an dieser Kollektion anders als an bisherigen?

Der Unterschied beim Projekt «In Balance – The high wears off» und der daraus entstehenden Kollektion ist, dass wir unsere «eigenen» Restposten verwenden, welche von verschiedenen Unternehmen einst für Kollaborations-Projekte zur Verfügung gestellt wurden.

Da wir somit finanziell und vertraglich unabhängig arbeiten können, bedeutet dies, dass wir das Material und dessen visuelle Referenzen (z. B. Logos) frei verarbeiten können. Dies eröffnet uns und den Betrachter:innen einen neuen Zugang  zur Thematik des Brandings. Ebenso führt es zur Diskussion, wie wir ein zirkuläres Design und eine zirkuläre Wirtschaft lokal in Bern und global realistisch umsetzbar machen.

Im Unterschied zu unseren Kollaborations-Projekten mit Release-Daten und Deadlines ist «In Balance – The high wears off» ein nachhaltiges Projekt, das wir stetig weiterentwickeln möchten.

Ihr habt ein Kernteam aus beispielsweise Mode-, Grafik und Textildesigner:innen sowie Fotograf:innen und bezeichnet euch selbst als Netzwerk. Wie muss man sich euren Designprozess vorstellen?

In unserem Netzwerk aus Designer:innen und Handwerker:innen hat jede Person ihre Expertise im jeweiligen Bereich. Unser Designprozess ist mittlerweile gut eingespielt, somit ist er natürlich und vertraut zwischen den unterschiedlichen Bereichen. Grundlegendes besprechen wir alle gemeinsam. Unsere Arbeitsplätze befinden sich an unterschiedlichen Orten, deshalb tauschen wir uns vor allem digital aus und kommen zusammen, wenn es um das physische Material geht.

Mit unserem Netzwerk möchten wir zeigen, dass es für die Herstellung eines Produktes, mehr als nur eine Person braucht und die einzelnen Schritte auch nicht klar trennbar sind.

Was ist das nächste Projekt von NCCFN?

Wie gesagt, soll «In Balance – The high wears off» weiterentwickelt werden. Wir möchten damit auf mehrere Themen aufmerksam machen: Unser Konsumverhalten und das Tragen von Logos als Statussymbol. Wir möchten aufzeigen, dass wir als Konsument:innen nicht radikal verzichten können, jedoch eine gesunde Balance finden können, um zur Veränderung beizutragen.

Ein weiteres Projekt ist, unsere letztjährige Ausstellung «Applied Utopia» an weiteren Orten zu zeigen. Mehr dürfen wir dazu leider aber noch nicht verraten.

> nccfn.group

AUSSTELLUNG BESTFORM

ƒ 22. März bis 28. April ’24

RAHMENPROGRAMM

Wir bieten zu jedem Designbereich eine Mittagsführung an, bei der geförderte Designer:innen selber anwesend sind.

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MODE- UND TEXTILDESIGN:
ƒDonnerstag, 4. April 2024
¢12.15 Uhr

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GRAFIKDESIGN:
ƒDienstag, 23. April 2024
¢12.15 Uhr

2020 hast Du bei Hans-Jörg Moser, dem Besitzer der Minnotex GmbH in Herzogenbuchsee, von A bis Z gelernt, wie Seide gewoben wird. Wie kam es zur Faszination für diesen edlen Stoff?

Schon während des Studiums an der Hochschule für Gestaltung und Kunst Basel hat mich die Frage, wie technische Bedingungen Design formen, beschäftigt. Meine Zeit bei Jakob Schlaepfer in St. Gallen, wo die enge Verzahnung mit der Produktion meine Entwürfe prägte und neue Möglichkeiten eröffnete, war richtungsweisend. Ich experimentierte früh mit Designs für Hans-Jörg Moser, erkundete seine Fabrik und erhielt die Chance, meine Abschlussarbeit mit einer speziellen Jacquard-Technik zu bereichern. Der Wunsch, noch tiefer in die Produktionsprozesse einzutauchen, führte mich weg aus der Ostschweiz, direkt zum Webereihandwerk. Unter Hans-Jörg Mosers Obhut und mit wertvollen Ratschlägen der Textildesignerin Brigitt Mariotto wuchs mein Respekt für das Weben. Bald bediente ich die Maschinen selbst, was mir unendliche Experimentierfreiheit bot. Diese Reise kulminierte in der Entstehung meiner Kollektion «Pascal Heimann in Herzogenbuchsee» – ein Zeugnis meiner Faszination und meines Engagements für das Webhandwerk.

Inwiefern hat der handwerkliche Aspekt der Seidenverarbeitung Deine Designarbeit beeinflusst?

Die handwerkliche Verarbeitung der Seide beeinflusst meine Designarbeit in einer tiefgreifenden, aber nicht unmittelbar sichtbaren Weise. Es entsteht ein fortwährender Dialog zwischen der analogen und digitalen Welt, wobei der Webstuhl eine Brücke bildet, die beide Sphären übersetzt. Mein Entwurfsprozess ist stark digitalisiert, was mir die Freiheit gibt, immer wieder zurückzukehren, ohne endgültige Entscheidungen treffen zu müssen. Im Gegensatz dazu erfordert das Handwerk eine intensive Konzentration auf jedes Detail, da jeder Fehler die Maschine zum Stillstand bringen oder die sogenannte Kette unbrauchbar machen und somit zu erheblichen finanziellen Verlusten führen kann. Diese Dualität, Teil beider Welten zu sein, fasziniert mich und prägt meine Designs.

Durch die Unterstützung der Berner Design Stiftung konntest Du neue Foulards entwerfen und produzieren. Wie geht das Projekt «Pascal Heimann in Herzogenbuchsee» nun weiter?

Durch die Unterstützung der Berner Design Stiftung konnte ich in dieses spannende Projekt tiefer eintauchen. Meine langjährige Zusammenarbeit mit Hans-Jörg Moser, geprägt von Neugier und der Freude an der Entwicklung neuer Gewebe, hat eine solide Basis geschaffen. Mit der Förderung war es möglich, auf dem Wissen aus meiner TaDA-Residenz und der Zusammenarbeit mit Tisca Tischhauser AG aufzubauen und Seide als kostbares Material in meine neuen Designs zu integrieren.

Zusammen mit der Schneiderin und Prozessgestalterin Anna Cordasco strebe ich danach, die linearen Prozesse zwischen Textildesign und Textilproduktion zu durchbrechen und ein ganzheitliches Konzept zu entwickeln, das vom Gewebe über das Kleidungsstück bis hin zum Schnittmuster reicht.

Auf technischer Ebene arbeite ich mit Juan Angel am Prototyp unseres Gewebeprogramms weiter, das auch für den digitalen Entwurfsprozess zentral wurde. Mit Hans-Jörg Moser plane ich die konkrete Umsetzung dieser Entwürfe auf dem Webstuhl.

>pascalheimann.ch

>minnotex.swiss

VERNISSAGE BESTFORM

ƒ Donnerstag, 21. März ’24
¢ 19 Uhr
¤ Stadtsaal, Kornhausforum Bern, 1. Stock, Kornhausplatz 18, 3011 Bern

AUSSTELLUNG

ƒ 22. März bis 28. April ’24

RAHMENPROGRAMM

Wir bieten zu jedem Designbereich eine Mittagsführung an, bei der geförderte Designer:innen selber anwesend sind.

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KERAMIKDESIGN:
ƒDienstag, 26. März 2024
¢12.15 Uhr

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MODE- UND TEXTILDESIGN:
ƒDonnerstag, 4. April 2024
¢12.15 Uhr

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GRAFIKDESIGN:
ƒDienstag, 23. April 2024
¢12.15 Uhr

Ein Abfallprodukt aus deiner Werkstatt wiederzuverwerten ist die Idee hinter deinem Projekt. Was waren die Hürden beim Recyceln der Ton-Späne?

Eine Glasur zu entwickeln ist eine komplexe Arbeit, die viel Fachwissen und Zeit benötigt. Eine der Schwierigkeiten war, mit den recycelten Ton-Spänen eine konstante und verlässliche Glasur zu erreichen. Eine weitere Herausforderung war, die idealen Verhältnisse der verschiedene Rohrstoffe zu finden, um schliesslich das Rezept für die Glasur zu bestimmen.

Die Glasur hast du schliesslich für eine Tellerserie namens «Encore» verwendet. Wieso gerade eine Tellerserie?

Das Wiederverwerten von Abfällen sollte meiner Meinung nach etwas Alltägliches sein. Deshalb passt ein Tellerset, das man täglich nutzt, für mich am besten zu meiner Recycling-Glasur.

Du wurdest zum ersten Mal von der Berner Design Stiftung unterstützt und kannst dein Projekt in der BESTFORM zeigen. Was erhoffst du dir von der Ausstellung?

Ich freue mich, das Tellerset «Encore» einem breiten Publikum zu zeigen und hoffe auf verschiedene Rückmeldungen zum Projekt. Wenn sich der eine oder andere Auftrag ergeben würde, wäre dies grossartig.

>www.lokeramik.ch

VERNISSAGE BESTFORM

ƒ Donnerstag, 21. März ’24
¢ 19 Uhr
¤ Stadtsaal, Kornhausforum Bern, 1. Stock, Kornhausplatz 18, 3011 Bern

AUSSTELLUNG

ƒ 22. März bis 28. April ’24

RAHMENPROGRAMM

Wir bieten zu jedem Designbereich eine Mittagsführung an, bei der geförderte Designer:innen selber anwesend sind.

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KERAMIKDESIGN:
ƒDienstag, 26. März 2024
¢12.15 Uhr

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MODE- UND TEXTILDESIGN:
ƒDonnerstag, 4. April 2024
¢12.15 Uhr

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GRAFIKDESIGN:
ƒDienstag, 23. April 2024
¢12.15 Uhr

Im Zentrum der Geschichte «Aber schwul bin ich immer noch» des Berner Illustrators Dimitri Grünig steht ein junger Mann, der in einem religiösen, konservativen Milieu im Kanton Bern aufwächst. Seine Homosexualität, die in seiner Familie als Schande und als Strafe Gottes angesehen wird, versucht er zu verdrängen und zu «therapieren». Anhand ausdrucksstarker Zeichnungen nähert sich Dimitri Grünig diesem mit Tabus behafteten Thema.

«Aber schwul bin ich immer noch» ist dein erstes Buchprojekt und die Arbeit daran dauerte eine Weile. Wie fühlt es sich an, nun das fertige Buch in den Händen zu halten?

Das physische Objekt ist da, natürlich ist das ein toller Moment. Ich sehe es aber eher als Zwischenetappe auf einer Reise, das Projekt ist damit ja noch nicht abgeschlossen. Ich freue mich sehr auf das, was jetzt noch kommt: Ausstellungen, Lesungen, Gespräche mit Menschen über die Thematik des Buches.

Die illustrierte Erzählung zeigt ausschliesslich schwarzweisse Bleistiftzeichnungen. Hast du dich bei diesem Projekt bewusst dafür entschieden oder zeichnet dieser Stil allgemein deine Arbeit aus?

Das hat sich eher aus dem Prozess ergeben und ist auch rein praktischen Gründen geschuldet. Ein Grossteil der Zeichnungen ist vor Ort, also «im Feld» entstanden. Bleistift ist ein sehr vielfältig anwendbares Werkzeug. Es braucht nicht das ganze Atelier, um auf das jeweilige Motiv einzugehen, ein einziger Stift reicht. Dabei entstanden Zeichnungen, die mich an illustrierte Schweizer Literatur wie etwa «Momou das git’s» von Karl Walther Dähler und Jörg Ewald Dähler erinnerten. Dabei fand ich die Bilder paradox – sehr passend und doch irritierend.

Neben deinen Zeichnungen finden sich in deiner Erzählung auch Textzitate. Sie stammen aus Gesprächen, die du mit betroffenen Personen geführt hast. Was waren die Schwierigkeiten bei der Recherche zu diesem Thema?

Eine besondere Herausforderung war die Frage, wie ich die Lebensrealitäten und Biografien der Gesprächspartner:innen würdevoll festhalten kann. Der von mir gewählte Ansatz ermöglichte es mir, schnell mit verschiedenen Menschen in Kontakt zu treten und Einblicke in unterschiedliche, teilweise sehr aufwühlende Geschichten zu erhalten. Dabei ging es mir von Anfang an darum, den Betroffenen eine Stimme zu geben. Um die verschiedenen Perspektiven zu vereinen sowie zum Schutz der einzelnen Personen, habe ich hierfür eine fiktionalisierte Erzählfigur geschaffen.

Ab dem 22. März wird «Aber schwul bin ich immer noch» zusammen mit anderen von uns geförderten Projekten in der BESTFORM gezeigt. Worauf freust du dich am meisten?

Auf die anderen ausgestellten Projekte, den Austausch mit den Designer:innen und den Besuchenden.

> dimitrigruenig.com

VERNISSAGE BESTFORM

ƒ Donnerstag, 21. März ’24
¢ 19 Uhr
¤ Stadtsaal, Kornhausforum Bern, 1. Stock, Kornhausplatz 18, 3011 Bern

AUSSTELLUNG

ƒ 22. März bis 28. April ’24

RAHMENPROGRAMM

Wir bieten zu jedem Designbereich eine Mittagsführung an, bei der geförderte Designer:innen selber anwesend sind.

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KERAMIKDESIGN:
ƒDienstag, 26. März 2024
¢12.15 Uhr

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MODE- UND TEXTILDESIGN:
ƒDonnerstag, 4. April 2024
¢12.15 Uhr

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GRAFIKDESIGN:
ƒDienstag, 23. April 2024
¢12.15 Uhr

Geometrisch, reduziert und oft in Weiss gehalten: Den Namen «Linck» verbinden heute viele Keramikliebhaber:innen mit den minimalistischen Gefässen, die typisch für das Berner Traditionsunternehmen sind. In ihrem langjährigen Schaffen hat Margrit Linck aber immer wieder auch surreale Objekte kreiert. In der kantonalen Sammlung angewandte Kunst, welche 150-jährig ist und seit 1995 von der Berner Design Stiftung betreut wird, befinden sich insgesamt 34 Werke von Margrit Linck. Sie lagern – zusammen mit vielen der etwa 10’000 Sammlungsobjekte – im Depot des Archäologischen Dienstes des Kantons Bern.

Für die Ausstellung «Margrit Linck, Pionierin der Keramik» durften nun einige Stücke das Sammlungsdepot verlassen. Die Ausstellung im Museum für Gestaltung in Zürich zeigt, wie Margrit Linck, die als erste Frau in der Schweiz eine Töpferei eröffnete, sich mit ihrem Schaffen zwischen angewandter und freier Kunst bewegte.

Immer wieder formte Margrit Linck Krüge und Vasen in phantasievolle Frauen- und Tiergestalten, dies vor allem in ihrem zweiten Atelier, im burgundischen Dorf Saint-Romain. Verschiedenartige Einflüsse prägten ihren Stil: Einerseits die Heimberger Keramik, andererseits die zeitgenössischen Kunstströmungen der 1930er-Jahre, aber auch besonders die Plastik Afrikas und der Südsee. Ab 1942 entstanden eigentliche keramische Skulpturen. Eines dieser Werke ist die Vase «En souvenir de Christian» (1951/1952), die sie später ihrem 1974 verstorbenen Sohn Christian widmete. 1987 wurde die Vase für die kantonale Sammlung angewandte Kunst angekauft. Derzeit ist das Werk in der Ausstellung in Zürich zu sehen.

Margrit Lincks Arbeiten wurde zu ihren Lebzeiten kaum öffentlich gezeigt. Eine Ausnahme stellte die Präsentation von 30 Skulpturen in der Kunsthalle Bern 1949 dar. Es handelte sich dabei um eine Gruppenausstellung zusammen mit dem spanischen Künstler Joan Mirò und dem Schweizer Maler Oskar Dalvit. Das Plakat zur Ausstellung von 1949 ist ebenfalls Teil der Ausstellung «Margrit Linck, Pionierin der Keramik» und eine Leihgabe der Berner Design Stiftung.

Auch in der Ausstellung zu sehen ist die «blaue Figur». Auf einem stark gestauchten und verdrehten Körper sitzt ein Kopf mit verformter grosser Nase und eingefallenem Mund. Das einzige angedeutete Auge wirkt etwas irritierend. In einem Videointerview gibt Meret Mangold, Geschäftsleiterin der Berner Design Stiftung, einen Einblick in das Sammlungsdepot und erzählt mehr über diese Figur, die Margrit Linck 1983 in ihrem Todesjahr fertigte.

HIER geht es zum Video.

AUSSTELLUNG

ƒ bis 14. April 2024

¤ Museum für Gestaltung, Toni-Areal, Pfingst­weid­strasse 96, Zürich

> museum-gestaltung.ch

Obwohl die Seidenindustrie hierzulande einst sehr wichtig war, droht das Handwerk der Seidenweberei zu verschwinden. Die Minnotex GmbH, die in Herzogenbuchsee von Hans-Jörg Moser in der 10. Generation geführt wird, ist die letzte Seidenweberei der Schweiz. Der Textildesigner Pascal Heimann hat in Zusammenarbeit mit der Firma eine Foulard-Kollektion produziert. Das Projekt «Pascal Heimann in Herzogenbuchsee» wurde von der Berner Design Stiftung unterstützt und ist in der kommenden BESTFORM (22. März bis 28. April 2024) im Kornhausforum zu sehen.

Bevor es soweit ist, laden wir Sie herzlich zu einem Besuch der Minnotex GmbH ein. Pascal Heimann wird uns sein Projekt, die Produktion sowie seine Faszination für die Seidenweberei während eines Rundgangs näherbringen.

Wir freuen uns auf Ihre Teilnahme!

ƒ Donnerstag, 22. Februar 2024
¢ 17.30 bis ca. 18.30 Uhr
¤ Minnotex GmbH, Wangenstrasse 87, 3360 Herzogenbuchsee

Die Platzzahl ist limitiert. Bitte melden Sie sich bis zum 20. Februar 2024 via E-Mail (longo@bernerdesignstiftung.ch) an.

Vor Ort gibt es Parkplätze, die Anreise ist aber auch mit öffentlichen Verkehrsmitteln möglich.

Auf das Wesentliche reduziert und mit einer Prise Witz und Poesie gespickt: Während mehr als vier Jahrzehnten hat Claude Kuhn mit seinen Plakaten das Berner Stadt- und Strassenbild geprägt. Unvergessen bleiben die Affichen mit Tiermotiven, die er zum Beispiel für das Naturhistorische Museum Bern oder den Bären- und Tierpark kreiert hat. Seinen unverkennbaren Stil zeigen auch die Plakate für die Museumsnacht oder das Weltcupturnier der Degenfechter.

Anlässlich des 75. Geburtstags von Claude Kuhn wird sein Schaffen nun mit der Ausstellung «QN75» im Aussen- und Innenraum der Stadt Bern sowie einer Publikation gewürdigt. Zu den Unterstützer:innen der Ausstellung gehört auch die Berner Design Stiftung, die selber in ihrer Sammlung Plakate von Claude Kuhn dokumentiert hat.

DIE PLAKATAUSSTELLUNG

Auf fünf prominenten Berner Plätzen – Helvetia-, Casino-, Kornhaus-, Waisenhaus- und Bahnhofplatz – werden vom 28. Oktober bis zum 24. November 2023 insgesamt 90 Plakate von Claude Kuhn zu sehen sein.

DAS KABINETT

Auf der Galerie des Kornhausforums sind vom 28. Oktober bis zum 3. Dezember 2023 Zeugnisse aus Claude Kuhns kreativer Arbeit ausgestellt. Sie zeigen erstmals in diesem Umfang das grosse Spektrum seines Schaffens und den Prozess von der Idee bis hin zum Plakat im Weltformat.

DAS BUCH

Die Publikation «Die grüne Mosaikjungfer. Ideen auf dem Laufsteg 1980 – 2023» versammelt alle 230 Plakate, die Claude Kuhn kreiert hat. Ergänzt wird das Buch mit einem Vorwort der Kulturjournalistin Gisela Feuz und einem Essay von Konrad Tobler (Till Schaap Edition, erhältlich ab dem 28. Oktober 2023).

DAS GESPRÄCH: CLAUDE IM GLÜCK

Ein Gespräch zwischen Claude Kuhn und Isabelle Kirgus, Leiterin der Graphischen Sammlung der Schweizerischen Nationalbibliothek, über die Entstehungsgeschichte einiger prägender und einprägsamer Claude-Kuhn-Plakate sowie das Glück, am richtigen Ort und zur richtigen Zeit ein beeindruckendes Plakatœuvre geschaffen zu haben.

ƒ Mittwoch, 15. November 2023
¢ 18 Uhr
¤ Saal Dürrenmatt in der Schweizerische Nationalbibliothek, Hallwylstrasse 15, Bern;
Anmeldung: Graphische-Sammlung@nb.admin.ch

VERNISSAGE

ƒ Freitag, 27. Oktober 2023
¢ 18 Uhr
¤ Unter den Lauben des Kornhauses

Kreativität allein reicht nicht aus, um in der unternehmerischen Realität zu bestehen. Grundlegend ist für Designer:innen auch das Thema des geistigen Eigentums.

Die Swiss Design Association und die Berner Design Stiftung veranstalten deshalb gemeinsam eine Informationsveranstaltung zu den verschiedenen Aspekten des Designschutzes.

Robert M. Stutz, Rechtsanwalt und Partner bei BKS Rechtsanwälte AG, Rechtsberater der Swiss Design Association sowie Präsident der Berner Design Stiftung vermittelt Dir dazu das nötige Wissen.

Du lernst, wie und unter welchen Voraussetzungen Dein Design rechtlich geschützt ist. Konkrete Formulierungsvorschläge für Verträge helfen Dir, Deine Rechte als Designer:in besser wahrnehmen zu können.

ƒ Mittwoch, 25. Oktober 2023

¢ von 8.30 bis 12.30 Uhr

¤ Schule für Gestaltung Bern und Biel, Schänzlihalde 31, 3013 Bern, Raum c9

Sprache: Deutsch

Workshop-Kosten (inkl. Kaffee & Gipfeli):

• 10 CHF für SDA-Mitglieder

• 15 CHF für von der Berner Design Stiftung geförderte Designer:innen

• 30 CHF für Personen, die nicht SDA-Mitglieder sind oder noch nie von der Berner Design Stiftung gefördert wurden

Anmeldung > www.eventbrite.ch

Die Teilnehmer:innenzahl ist limitiert. Die Anmeldung läuft bis zum 19.10.23. Nach der Anmeldung bekommst Du eine Rechnung.

Wir freuen uns auf Deine Teilnahme!

Das Musée cantonal des Beaux-Arts Lausanne (MCBA) und die Fondation Toms Pauli präsentieren bis zum 24. September 2023 eine einzigartige Ausstellung über Magdalena Abakanowicz (1930 – 2017), Pionierin der Textilkunst sowie bedeutende Plastikerin des 20. Jahrhunderts. «Textile Territorien» feiert Abakanowicz’ fesselndes Werk aus der Zeit zwischen 1960 und 1985 und beleuchtet die Entstehung einer neuen Kunstform. Die in Zusammenarbeit mit der Tate Modern realisierte Ausstellung bietet einen faszinierenden Einblick in die aussergewöhnliche kreative Welt der polnischen Künstlerin.

Parallel zur Welt von Abakanowicz werden in einem Elsi Giauque (1900 – 1989) gewidmeten Raum die poetischen und farbenfrohen Kreationen der Schweizer Künstlerin vorgestellt. Darunter ist auch ein Werk, das zur kantonalen Sammlung angewandte Kunst gehört, welche die Berner Design Stiftung betreut. Bis zum Ende der Ausstellung weilt das Werk «Orchidée von 1983» als Leihgabe in Lausanne. Elsi Giaque und Käthi Wenger haben es aus Wolle, Seide und synthetischen Fäden gestaltet. Es ist eines der fünf in unserer Sammlung vorhandenen Meisterwerke.

Elsi Klein­pe­ter ab­sol­vierte ihre kunst­ge­werb­li­che Aus­bil­dung in der Tex­til­klasse bei So­phie Täu­ber-Arp in Zü­rich. 1942 zog sie mit ih­rem Mann, dem Ma­ler Fer­nand Gi­au­que auf die «Festi» ober­halb von Li­g­erz, wel­che zu ei­nem Treff­punkt für ver­schie­dene Künst­ler wurde. Be­reits früh ex­pe­ri­men­tierte sie mit Fa­den und wurde von der Tex­til­ent­wer­fe­rin zur Tex­til­künst­le­rin. Sie machte als eine der ers­ten die Ta­pis­se­rie zur Tex­til­skulp­tur.

Elsi Giauque schuf mit ihren innovativen Arbeiten ein durch Leichtigkeit und Transparenz geprägtes geometrisches Universum. Nach einer erfolgreichen Karriere als Textildesignerin und Dozentin in Zürich erkundete sie ab 1965 in ihren Kompositionen das Spiel mit Farben, Materialien und Licht. Magdalena Abakanowicz und Elsi Giauque waren gleichzeitig an den Biennalen in Lausanne vertreten und brachten einander grosse Wertschätzung entgegen. Der Ausstellungsrundgang bietet den Besuchenden spannende Einblicke in die künstlerische Welt dieser beiden grossen Persönlichkeiten.

ƒ bis zum 24. September 2023

¤ Musée cantonal des Beaux-Arts, Place de la Gare 16, Lausanne

> www.mcba.ch

Wenn ein Wildschwein aus Holz, das 1905 von Albert Trauffer geschnitzt wurde, auf ein Sommerkleid von 2015 des Berner Modedesigners Javier Reyes trifft, dann kommen herausragende Designobjekte aus dem Kanton Bern zusammen.

Vom 21. Juni bis 9. Juli 2023 zeigt die Berner Design Stiftung in der LOEB Schaufensterbox eine Auswahl an Objekten aus der kantonalen Sammlung angewandte Kunst, welche sie betreut und laufend erweitert. Zusammen mit über 10‘000 weiteren Stücken gehören sie zu dieser einzigartigen Sammlung, die das Berner Designschaffen seit über 150 Jahren dokumentiert. Diese besonderen Objekte sind normalerweise in einem Depot verborgen, fernab von der Öffentlichkeit.

Werfen Sie einen Blick ins Schaufenster: Die Werke präsentieren sich gleich selber auf bunten Laufstegen!

ƒ 21. Juni bis 9. Juli 2023

¤ LOEB Schaufensterbox

Spielt Stimme bei der Erstellung eines Schrifttyps eine Rolle? Nein, würde man im ersten Moment sagen. Das Projekt «G2 Ciao» des Grafikdesigners Massimiliano Audretsch beweist das Gegenteil. Für die Schriftfamilie bestehend aus 18 Schnitten, die für über 240 Sprachen ausgelegt sind, hat sich Massimiliano Audretsch intensiv mit dem Verhältnis von Schrift und Wortklang auseinandergesetzt.

Interviews mit Schauspieler:innen, Rhetoriker:innen und Hörbuchleser:innen waren Teil der Recherche, um mehr über deren Verständnis von Betonung, aber auch ihre Lese-Techniken für Rollen-Texte, zu verstehen. So zeichnet sich «G2 Ciao» nun durch diese drei Intonationsparameter aus: Geschwindigkeit, Lautstärke und Tonhöhe. So werden beispielsweise tiefe Töne so dargestellt, dass die obere Buchstabenhälfte dick ist und eine schnelle Redegeschwindigkeit manifestiert sich in einem schrägen Winkel der Schrift.

«Formal basiert ‹G2 Ciao› auf einer undatierten Skizze vierer ungewöhnlich gestalteter Buchstaben des US-amerikanischen Grafikdesigners William Addison Dwiggins (1880 – 1956)», erzählt Massimiliano Audretsch. Um sein Projekt auszuarbeiten war der Designer in Kontakt mit Dwiggins Nachlassverwalter Bruce Kennett. «Er half mir den Schriftentwurf historisch zu kontextualisieren, erläuterte Dwiggins Methodiken und gestalterische Intentionen. Diese geschichtliche Verortung war eine enorme Hilfe. Es war mir nämlich wichtig, sicher zu gehen, dass ‹G2 Ciao›, die mit heutigen, technologischen Mitteln gezeichnet und gestaltet wurde, ihrem Ursprung sowohl formal als auch konzeptionell gerecht wird», so Massimiliano Audretsch.

Mittlerweile werden einzelne Schnitte der «G2 Ciao» bereits über die Landesgrenze hinaus genutzt: So etwa in einem Bistrot in L.A., in einer Boutique in Südkorea, auf den Taschen eines argentinischen Modelabels oder den Flakons eines US-amerikanischen Öko-Parfümherstellers.

Möchten Sie noch mehr über das von der Berner Design Stiftung unterstützte Projekt «G2 Ciao» erfahren? Zusammen mit weiteren Designer:innen wird Massimiliano Audretsch am 27. April, um 17.30 Uhr, bei einem Rundgang durch die Ausstellung einen Einblick in sein Projekt geben.

«Type Talks» – Rundgang durch die Ausstellung und anschliessendes Podium zum Thema Typografie:

ƒ Donnerstag, 27. April 2023

¤ Stadtsaal, Kornhausforum Bern, 1. Stock, Kornhausplatz 18, 3011 Bern

¢ 17.30 bis 18.30 Uhr: Rundgang mit Binnenland, Luzi Gantenbein, Massimiliano Audretsch, Automatico Studio, Emphase Graphic Design Lab. und Marc Zenhäusern

¢ 18.30 bis 19.30 Uhr: Podium mit Binnenland, Fabienne Kilchör (Emphase Graphic Design Lab.), Patrizia Bürkli und Olivia Hubli

Moderiert von Miriam Koban und Sara Zeller.

Keine Anmeldung erforderlich.

Ausstellung BESTFORM:

ƒ 24. März 2023 bis 30. April 2023

¤ Stadtsaal, Kornhausforum Bern, 1. Stock, Kornhausplatz 18, 3011 Bern

¢ Öffnungszeiten

Montag geschlossen

Dienstag bis Freitag: 12.00 – 18.00

Samstag, Sonntag: 12.00 – 16.00

Der Ausstellungseintritt ist kostenlos.

Auch dieses Jahr wird die BESTFORM mit Objekten aus der kantonalen Sammlung angewandte Kunst, welche die Berner Design Stiftung betreut, ergänzt. Zu sehen sind dieses Jahr historische Objekte des Jugendstils aus dem Zeitraum zwischen 1898 und 1912. Unter dem Thema «Tinte, Tee und Rauch» zeigen wir Schreibwerkzeuge, Teeservice und Aschenbecher. Viele Objekte stammen aus der bekannten Galerie «L’Art Nouveau» von Siegfried Bing in Paris und beweisen die hohe kunsthandwerkliche Fertigkeit der damaligen Gestalter:innen.

Nach der Umwandlung der Modell- und Mustersammlung 1890 in das Gewerbemuseum Bern begann eine eigentliche Blütezeit, die sich in einer regen Ankaufstätigkeit niederschlug. Glücklicherweise ist die Qualität der damals erworbenen Werke hoch. Prägend dabei war der über 30 Jahre lang tätige Direktor des Gewerbemuseums, Oskar Blom.

Vor allem aus der Zeit des Jugendstils besitzen wir erstaunliche Werke, von denen etliche jeweils noch in ihrem Entstehungsjahr beim Kunsthändler Siegfried Bing in Paris gekauft wurden. Seine bekannte, 1895 gegründete Galerie «Maison de L’Art Nouveau», wurde sogar namengebend für diese Kunstrichtung. Bing förderte auch verschiedene Künstler und Kunsthandwerker in seinen eigenen Werkstätten.

Weitere Objekte stammen aus Deutschland, u.a. aus der bekannten «Darmstädter Künstlerkolonie». Der kunstliebende Grossherzog von Hessen hatte 1899 ausgewählten Künstlern Geld und Ateliers zur Verfügung gestellt, um ihnen gemeinschaftliches Schaffen zu ermöglichen. Neben Wohnhäusern und speziellen Bauten entstanden zahlreiche kunsthandwerkliche Objekte.

Entdecken Sie jetzt in der BESTFORM Design von gestern und heute!

Ausstellung BESTFORM:

ƒ 24. März 2023 bis 30. April 2023

¤ Stadtsaal, Kornhausforum Bern, 1. Stock, Kornhausplatz 18, 3011 Bern

¢ Öffnungszeiten

Montag/Ostersonntag/Ostermontag geschlossen

Dienstag bis Freitag: 12.00 – 18.00

Samstag, Sonntag: 12.00 – 16.00

Der Ausstellungseintritt ist kostenlos.

Mittels Design Selbständigkeit zu schaffen, das haben sich Noëmi Burkhalter und Benjamin Schalk, die beiden Gründer:innen der Firma dversa GmbH, zum Ziel gesetzt. So haben sie mit ihrem Projekt «kwer», das von der Berner Design Stiftung mit einem Förderbeitrag unterstützt wurde, ein Tellerset entwickelt, das Menschen mit körperlichen oder geistigen Einschränkungen ermöglicht, unabhängig von fremder Hilfe essen zu können. Prototypen des Sets sind ab Freitag in der BESTFORM zu sehen.

Wie kam es zur Idee für das Tellerset «kwer»?

Noëmi: Während dem Industriedesign Studium arbeitete ich als Assistenz bei jemandem mit einer körperlichen Beeinträchtigung. Es ist sehr inspirierend, wie in dieser Wohngemeinschaft mit Herausforderungen im Alltag umgegangen wird. Krankheitsbedingt entstehen immer wieder neue Hindernisse, welche es zu überwinden gilt. Entsprechend wird an neuen Hilfsmitteln gearbeitet, welche den Alltag erleichtern und die Selbständigkeit bestmöglich erhalten sollen. Selbständig essen zu können wurde immer wieder zum Thema. In Gesprächen mit anderen Betroffenen merkten wir schnell, dass das Thema Essen bei vielen Menschen mit Beeinträchtigungen ein wunder Punkt ist. Es gibt unterschiedlichste Esshilfen, doch diese scheinen sich auf die Funktionalität zu beschränken und lassen das Bedürfnis nach Ästhetik und der damit verbundenen Inklusion aussen vor. Und so setzten wir uns das Ziel, diese Lücke zu schliessen.

Was zeichnet das Design der Teller aus?

Noëmi und Benjamin: Das Tellerset hat verschiedene Eigenschaften, welche das Essen erleichtern können. So beispielsweise die Schräge, welche die Handbewegung unterstützt und die Sauce im Teller sammelt. Oder auch die Randerhöhung, welche das Besteck führt und das Schöpfen vereinfacht. Ein wichtiger Bestandteil ist der Silikonring, der für die Rutschfestigkeit der Teller sorgt. Doch was es unserer Meinung nach wirklich auszeichnet ist, dass es ein Set ist. Es eignet sich sowohl für Menschen mit als auch ohne Einschränkungen.

Wie habt ihr für euer Projekt recherchiert?

Noëmi und Benjamin: Wir haben Gespräche geführt. Dabei war uns wichtig, möglichst viele verschiedene Bedürfnisse von unterschiedlichsten Menschen abzuholen. Dazu gehören Betroffene, Angehörige, Assistent:innen, aber auch die Ansprüche, welche in Grossküchen und von Institutionen gestellt werden. Wir tauschten uns mit Fachpersonen im Bereich Pflege, Ergotherapie und Rehabilitation aus. Aufgrund der Rückmeldungen fertigten wir schnellstmöglich einfache Prototypen an. Diese konnten wir mit verschiedenen Menschen testen und die Formen laufend an die Bedürfnisse anpassen.

Was waren die Herausforderungen bei der Entwicklung?

Noëmi und Benjamin: Die grösste Herausforderung war und ist noch immer der Übergang vom Modell hin zur Produktion in grosser Stückzahl. Da wir uns aufgrund der Rückmeldungen dazu entschieden haben, das Set sowohl in Kunststoff als auch in Keramik anzubieten, war diese Herausforderung gleich doppelt so gross. Aufgrund der Herstellungsverfahren mussten wir einige Formanpassungen machen. Diese so anzupassen, dass sie weder die Funktion noch das Erscheinungsbild verändern, war in manchen Fällen nicht einfach. Doch dies führten zu neuen Ideen, welche das Tellerset ausmachen.

Wie geht es weiter mit dem Projekt?

Noëmi und Benjamin: Derzeit wird eine Kleinserie sowohl in Keramik als auch in Kunststoff hergestellt. Mit dieser Serie haben wir die Möglichkeit, das Endprodukt noch einmal am Markt zu testen, bevor wir dann in die Werkzeuge für eine grössere Stückzahl investieren. Zudem werden wir auf Investor:innen zugehen, damit dieses Tellerset schon bald den Menschen zugänglich wird, welche davon profitieren können.

Ausstellung BESTFORM:

ƒ 24. März 2023 bis 30. April 2023

¤ Stadtsaal, Kornhausforum Bern, 1. Stock, Kornhausplatz 18, 3011 Bern

¢ Öffnungszeiten

Montag/Ostersonntag/Ostermontag geschlossen

Dienstag bis Freitag: 12.00 – 18.00

Samstag, Sonntag: 12.00 – 16.00

Der Ausstellungseintritt ist kostenlos.

Seit 2007 verleiht die Berner Design Stiftung alle zwei Jahre den Berner Design Preis. Mit dem mit 15’000 Fr. dotierten Preis würdigt die Stiftung arrivierte Designer:innen, die mit ihrer eigenständigen Formgebung, ihrer ästhetischen Haltung oder ihrem hervorragenden technischen Wissen die Designszene wesentlich bereichern. Dieses Jahr geht der Preis an die beiden Berner Grafiker Michael Mischler (*1973) und Nik Thoenen (*1963), die mit ihrem 2007 gegründeten Label Binnenland exklusive Schriften und typografische Erzeugnisse entwickeln. Während Michael Mischler in Bern arbeitet, lebt und Arbeitet Nik Thoenen in Wien. Binnenland haben verschiedene Schriften entworfen, welche eine breite Anwendbarkeit finden. Ob freie Kreationen oder Auftragsarbeiten: Die klare Haltung und Lesbarkeit sind prägende Merkmale für den Stil von Binnenland. Ihr Engagement in der Lehre an der Hochschule der Künste in Bern oder Kunstuniversität in Linz, lässt jüngere Generationen an ihrer Herangehensweise teilhaben und beeinflusst dadurch auch deren eigenes Schaffen.

«Binnenland bringen nicht nur neue Schriften auf den Markt, sondern rücken mit ihrem Gespür Architektur und Grafik näher zusammen. Sie prägen damit in der Signaletik massgeblich auch den öffentlichen Raum. Mit ihrer kontinuierlichen Tätigkeit in Arbeit und Lehre beeinflussen sie das gegenwärtige und zukünftige Berner Designschaffen nachhaltig und facettenreich», sagt Meret Mangold, Geschäftsleiterin der Berner Design Stiftung zur Wahl von Binnenland. Bisherige Preisträger:innen des Berner Design Preises waren Hans Eichenberger, Adrian Frutiger, büro destruct, Othmar Zschaler, atelier oï, Viento, Ueli + Susi Berger, Uli Huber und Margareta Daepp.

Nach dem Prinzip der Patenschaft geben Michael Mischler und Nik Thoenen CHF 5’000 an einen förderungswürdigen Gestalter weiter. Sie haben den Typedesigner Luzi Gantenbein gewählt, der seit 2013 sein Studio Luzi Type in Bern führt und damit einzigartige Schriften vertreibt. «Uns beeindruckt enorm, was Luzi Gantenbein stets akkurat, konzentriert und mit viel Frische in seinen neu geschaffenen Schriften hervorbringt», begründen Binnenland ihre Wahl.

Im Rahmen der BESTFORM, die vom 24. März bis zum 30. April 2023 im Kornhausforum zu sehen ist, zeigt die Berner Design Stiftung ausgewählte Werke von Binnenland und Luzi Gantenbein. Sie sind herzlich zur öffentlichen Vernissage und Preisverleihung vom 23. März, um 19 Uhr, eingeladen. Die Laudatio auf Binnenland hält der Schriftsteller Francesco Micieli.

Vernissage BESTFORM und Preisverleihung Berner Design Preis:

ƒ Donnerstag, 23. März 2023

¢ 19 Uhr

¤ Stadtsaal, Kornhausforum Bern, 1. Stock, Kornhausplatz 18, 3011 Bern

¢ Öffnungszeiten

Montag/Ostersonntag/Ostermontag geschlossen

Dienstag bis Freitag: 12.00 – 18.00

Samstag, Sonntag: 12.00 – 16.00

Der Ausstellungseintritt ist kostenlos.

Vom 25. November 2022 bis zum 29. Januar 2023 ist im Kornhausforum Bern die Ausstellung «Hyperscapes – Virtuelle Landschaft als Sehnsuchtsort?» zu sehen. Das Ausstellungsprojekt des Kornhausforums wurde in Zusammenarbeit mit der Berner Design Stiftung realisiert.

Was suchen wir Menschen in virtuellen Landschaftsräumen? Und finden wir, was wir suchen? Die Ausstellung möchte zeigen, auf welch unterschiedliche Weise wir uns Landschaft im virtuellen Raum vorstellen, bauen und wie wir uns darin bewegen. «Hyperscapes – Virtuelle Landschaft als Sehnsuchtsort?» ermöglicht den Besuchenden, sich auf eine Entdeckungsreise durch virtuelle Landschaftsräume und Videogames zu begeben.

Sie sind herzlich zur öffentlichen Vernissage eingeladen:

ƒ Donnerstag, 24. November 2022
¢ 18.30 Uhr
¤ Kornhausforum Bern, Stadtsaal

Infos zur Ausstellung und zum Rahmenprogramm >  kornhausforum.ch

> Flyer

Am 5. und 6. November 2022 findet im Rahmen der Ausstellung «Isamu Noguchi» im Zentrum Paul Klee das «Design Weekend – Alles Skulptur?» statt. Neben einem öffentlichen Podium gibt es beim Anlass, den das Zentrum Paul Klee in Zusammenarbeit mit der Berner Design Stiftung veranstaltet, diverse Gespräche mit Designer:innen.

ƒ Samstag, 5. November 2022:

FORMEN MIT LICHT
Gespräch in der Ausstellung mit Patrick Reymond (Architekt/Designer/Mitbegründer atelier oï) und Myriam Dössegger (Kuratorische Assistentin) über Licht als räumliches und atmosphärisches Gestaltungselement.
13.30 Uhr, CHF 5 plus Ausstellungseintritt

«I AM NOT A DESIGNER» – WIE FREI IST GESTALTUNG?
Podiumsdiskussion mit Felicity Lunn (HKB), Claudia Müller (Künstlerin) und Laurin Schaub (Keramiker) über Sinn und Unsinn der Unterscheidung von Kunst und Design.
Moderation: Robert M. Stutz (Präsident Berner Design Stiftung)
15 Uhr, Teilnahme gratis, Ort: Forum

ƒ Sonntag, 6. November 2022:

LANDSCHAFT ALS SKULPTUR
Gespräch in der Ausstellung mit Robin Winogrond (Landschaftsarchitektin) und Fabienne Eggelhöfer (Kuratorin)
11 Uhr, CHF 5 plus Ausstellungseintritt

RADIKALE ÄSTHETIK
Gespräch in der Ausstellung mit Margareta Daepp (Keramikerin) und Fabienne Eggelhöfer (Kuratorin) über Keramik und die Verschränkung von Tradition und Innovation.
12.30 Uhr, CHF 5 plus Ausstellungseintritt

Infos zur Ausstellung sowie Tickets
> www.zpk.org

Wir freuen uns auf zahlreiche Besucher:innen!

Fotos:

Isamu Noguchi in seinem Atelier in Gentilly bei Paris, 1927, Foto: Atelier Stone, The Noguchi Museum Archives, 03716, © INFGM / 2021, ProLitteris, Zurich

Porträt von Isamu Noguchi, 1955, Foto: Louise Dahl-Wolfe, The Noguchi Museum Archives, 03705, © INFGM / 2021, ProLitteris, Zurich

Formen, die sich beinahe verselbstständigen verschmelzen bei der Keramikserie «Melting Pot» mit verzerrten Mustern. Das von der Berner Design Stiftung unterstützte Projekte der Grafikdesignerin Andrea Stebler und Keramikdesignerin Eva Vogelsang ist derzeit in der Ausstellung BESTFORM im Kornhausforum zu sehen. Es handelt sich dabei um eine Weiterentwicklung von «Each Other», einer Serie, die im Rahmen der Ausstellungsauschreibung von swissceramics entstanden ist und im September während des International Academy of Ceramics-Kongresses in Genf im Château de Nyon sowie im Musée d’art et d‘histoire de Neuchâtel zu sehen sein wird.

Während die Verzerrung von Formen und Mustern bereits beim vorherigen Projekt ein wichtiges Thema war, haben sich die beiden Designerinnen bei «Melting Pot» an eine neue Form gewagt. «Die Herstellung einer Platte mit kleinem Rand war eine grosse Herausforderung: Die Form sollte sich zwar deformieren und bewegt wirken, sich auch etwas ‹verselbstständigen›, aber nicht durch Risse zerstört werden», erklärt Eva Vogelsang. Das Carré-Muster, das die Objekte ziert, wird ausgedruckt und von Hand über einem Scanner bewegt, so dass Deformationen entstehen. Mittels keramischem Laserdruck stellen die Designerinnen eine Art Tapete her, welche zerschnitten und neu zusammengesetzt auf das Stück appliziert wird. Im Ofen werden die Oberfläche und das Objekt eins. Was entsteht, sind «geplante Zufälle», die eigenständige Keramikwerke hervorbringen.

Zentral für das Projekt war die interdisziplinäre Zusammenarbeit. «Da wir viele Entscheide zusammen gefällt haben, war es wichtig, dass wir Inputs offen gegenüberstehen, aber auch bewusst entscheiden, wo wir für eigene Ansichten einstehen», sagen die Designerinnen. Im Gegenzug haben sie nicht nur Einblick in einen jeweils anderen Arbeitsprozess erhalten, sondern auch voneinander gelernt, etwa wie man mit Hürden bei einer experimentellen Arbeit umgeht.

> evavogelsang.ch

> andreastebler.ch

ƒ 25. März bis 1. Mai 2022

¤ Stadt­saal, Korn­haus­fo­rum Bern, 1. Stock

¢ Öff­nungs­zei­ten:

Mon­tag ge­schlos­sen

Diens­tag, Mitt­woch, Frei­tag: 12.00 – 17.00

Don­ners­tag: 12.00 – 20.00

Sams­tag, Sonn­tag: 11.00 – 16.00

In ihrer Kollektion «The Certain Female» setzen sich die Modedesignerin Anna Fischer und der Künstler Marc M. Lauber mit dem weiblichen Körper auseinander. Fotografien nackter Frauenkörper treffen dabei auf Gemälde. Die mehrfach ausgezeichnete Kollektion gewann 2018 auch den Förderpreis des Kiwanis-Club Bern-Aare. Ein Teil der prämierten Objekte gelangt anschliessend als Schenkung in die kantonale Sammlung angewandte Kunst, wie das Porträt-Hemdkleid, das derzeit in der Ausstellung BESTFORM im Kornhausforum Bern zu sehen ist.

Die Entwürfe der Kollektion «The Certain Female» sind skulptural. Sie entwickeln sich um den Körper herum und dabei fliessen Bild und Form ineinander. Es sind Bildausschnitte von Porträts und nackten Körperpartien, die zwischen Textilien aufblitzen oder den Körperkonturen der Träger:innen folgen. Verzerrt und fragmentiert setzt sich das Gesamtbild zusammen. «The Certain Female» ist geprägt vom Blicken auf den Körper, der nicht bloss Form ist, sondern auch Zerrbild und Projektionsfläche.

> www.anna-fischer.ch

> www.marclauber.com

Ebenfalls Teil der kantonalen Sammlung angewandte Kunst und derzeit in der BESTFORM zu sehen, sind Kleidungsstücke der Modedesignerinnen Ruth Hofmann, Marianne Milani und Sabine Portenier.

ƒ 25. März bis 1. Mai 2022

¤ Stadt­saal, Korn­haus­fo­rum Bern, 1. Stock

¢ Öff­nungs­zei­ten:

Mon­tag ge­schlos­sen

Diens­tag, Mitt­woch, Frei­tag: 12.00 – 17.00

Don­ners­tag: 12.00 – 20.00

Sams­tag, Sonn­tag: 11.00 – 16.00

Bilder: Yasmina Haddad, Christof Eugster

Ein Versicherungsdetektiv mit zahlreichen Augen stösst auf einen Fracht-Container mit dubiosem Inhalt. Wie es weitergeht, verraten wir an dieser Stelle nicht, denn den digitalen Comic des Berner Grafikdesigners Michael Kühni können Sie jetzt in der BESTFORM selbst entdecken.

2019 wurde der digitale Comic «The Many-Eyed Detective» von der Berner Design Stiftung unterstützt. Danach kam die Corona-Pandemie und die Fertigstellung des Projekts verzögerte sich. Wie fühlst du dich, nun da der Comic realisiert ist?

Es waren zwei sehr ereignisreiche Jahre mit vielen Privilegien und einer grossen Herausforderung. Es ist toll, dass es wieder eine öffentliche Vernissage geben konnte, bis vor kurzem konnte man sich kaum vorstellen, dass es wieder so grosse Events geben kann. Wenn du mich fragst, wie es sich anfühlt, würde ich sagen surreal.

Comics stellen sich wohl viele Leute noch in Printform vor. Wieso hast du dich für eine digitale Version entschieden?

Es sind Medien, mit denen ich aufgewachsen bin. Auf der einen Seite Comics in Papierform und auf der einen Seite Websites. Seit ich lesen kann, habe ich eine Schwäche für Comics. Durch meine Ausbildung habe ich ausserdem früh mit dem Erstellen von Websites begonnen und immer eine Faszination dafür behalten. Für mich ist die Kombination der beiden Dinge also naheliegend. Ich finde es spannend, auszuprobieren, wie sich der Comic verändert, wenn er auf dem Bildschirm stattfindet und mit neuen Möglichkeiten konfrontiert ist. Diesen Ansatz habe ich auch schon mit meinem Projekt abwaesser.net verfolgt.

Wie muss man sich den Arbeitsprozess vorstellen: Geschieht gleich alles digital?

Der Arbeitsprozess fand zuerst auf dem Papier statt. Ich habe bei der Stoffentwicklung, beim Storyboard und auch bei der Umsetzung viel analog gezeichnet. Diese analoge Basis wurde dann immer wieder in digitale Formate übertragen, getestet und neu zusammengesetzt. Es war nicht immer so ein geradliniger Prozess, da ich selbst die finale Form immer wieder in Frage gestellt habe. Das Papier hat gewisse Dinge komplizierter gemacht, war aber auch hilfreich, um nicht die Übersicht zu verlieren.

Was waren die Herausforderung bei der Realisierung?

Die richtige Mischung aus Flexibilität und Kompromissbereitschaft zu finden. Flexibilität, um sich auf das Ziel, einen animierten Comic zu gestalten, einzulassen und ab einem gewissen Punkt Kompromissbereitschaft, um nicht noch zwei weitere Jahre am Projekt zu arbeiten.

Wie geht es weiter mit «The Many-Eyed Detective»?

Munter! Wer dazu Informationen erhalten möchte, kann sich auf many-eyed.net für den Newsletter anmelden.

ƒ 25. März bis 1. Mai 2022

¤ Stadt­saal, Korn­haus­fo­rum Bern, 1. Stock

¢ Öff­nungs­zei­ten:

Mon­tag ge­schlos­sen

Diens­tag, Mitt­woch, Frei­tag: 12.00 – 17.00

Don­ners­tag: 12.00 – 20.00

Sams­tag, Sonn­tag: 11.00 – 16.00

Um die 400 Schrifthersteller:innen in 50 Ländern produzieren heute Schriften für die Designbranche. Und auch in der Schweiz gibt es immer mehr kleine, unabhängige Schrifthersteller:innen, die qualitativ hochstehende Schriften anbieten. Für das Grafikbüro Studio Flux der richtige Zeitpunkt, eine Applikation zu entwickeln, die es ermöglicht, effizient und übersichtlich Schriften zu finden und diese zu vergleichen. Das Projekt «Font-Finder» wurde von der Berner Design Stiftung unterstützt und wird jetzt im Rahmen der BESTFORM der Öffentlichkeit präsentiert.

Der «Font-Finder» ermöglicht es, gezielt eine Schrift zu finden. Was kann das Tool sonst noch, das Grafikdesigner:innen den Arbeitsalltag erleichtert?

Unser Anspruch ist, dass nicht nur Grafikdesigner:innen im «Font-Finder» ein hilfreiches Arbeitswerkzeug sehen. Es soll allen zu einer einfacheren Auswahl von Schriften verhelfen. Egal ob für eine selbst gestaltete Einladungskarte, ein umfangreiches Buchlayout oder eine Ring-Gravur. Die initiale Schrift-Auswahl kann im Detail verfeinert werden und für verschiedene Anwendungen wie eine Website, ein Layout oder ein Plakat getestet werden. Für die ausgewählte Schrift können direkt beim Hersteller Test-Fonts bezogen oder Lizenzen gekauft werden. Die «Showcase»-Sektion des «Font-Finders» bietet ausserdem die Möglichkeit, auf dem Laufenden zu bleiben, was aktuelles Schrift-Schaffen angeht.

Auch eine Weiterentwicklung ist angedacht. Diese soll ermöglichen, die eigene, lokale Schriftsammlung, die sich über die Jahre bei Gestalter:innen ansammelt, mit dem System des «Font-Finders» zu kategorisieren, sortieren und intuitiv zu durchsuchen. Dank der auf Schriften ausgerichteten künstlichen Intelligenz, die wir in aufwendiger Detailarbeit entwickelt und trainiert haben, sollte das möglich sein.

Das Projekt ist aus den Bedürfnissen unseres Arbeitsalltags als Gestalter entstanden. Wir haben uns selbst seit längerem ein solches Tool gewünscht. Erstaunlicherweise gibt es keine vergleichbare Software, die in der Funktionalität, der Benutzerfreundlichkeit und der Qualität der angebotenen Schriften überzeugen kann.

Inwiefern fördert ihr mit dem Projekt lokale Schrifthersteller:innen?

Wir verstehen uns als Plattform, welche die Arbeit der Schrifthersteller:innen übersichtlich präsentiert. Die Schriften werden ohne unser Zutun direkt bei den Herstellern lizenziert. Für die nächste Version des «Font-Finders» hoffen wir auf einen regen Austausch mit den Schrifthersteller:innen, dieser ist uns enorm wichtig. Bisher war die Resonanz schon sehr positiv.

Auf welche Hürden seid ihr bei der Realisierung des «Font-Finders» gestossen?

Der ganze Umsetzungsprozess und die Feinarbeit mit all den zu beantwortenden Funktionalitäts- und Gestaltungsfragen war viel umfangreicher als erwartet. Die Aufbereitung der Unterlagen und das Zusammentragen der Informationen für den Künstliche-Intelligenz-Prozess allein war schon sehr aufwendig. Zusammen mit dem Entwickler Laurent Jakimow haben wir in vielen Besprechungen die Anforderungen und Funktionalitäten herausgearbeitet. Die Basis einer gut trainierten künstlichen Intelligenz liefert schlussendlich immer noch ein Mensch. Und das bedeutet viel Arbeit und schier endloses Sortieren von Schriften. Wir von Studio Flux haben neben der Konzeption und der Funktionalität auch die Gestaltung der Benutzeroberfläche des «Font-Finders» erarbeitet und die Webentwicklung bei uns intern umgesetzt. Es bestehen viele komplexe Verknüpfungen und Abhängigkeiten, die antizipiert und entsprechend gestaltet und umgesetzt werden mussten.

Was hat die Unterstützung der Berner Design Stiftung konkret ermöglicht?

In erster Linie den Mut, das Projekt überhaupt anzupacken. Hätten wir den Aufwand vorausgesehen, wären wir wahrscheinlich etwas vorsichtiger gewesen. Aber solche Starthilfen und der Initialschub sind wichtig. Konkret konnten wir dank der Unterstützung einen Partner für die technische Umsetzung der Datenbank und für die Entwicklung der künstlichen Intelligenz gewinnen.

ƒ 25. März bis 1. Mai 2022

¤ Stadt­saal, Korn­haus­fo­rum Bern, 1. Stock

¢ Öff­nungs­zei­ten:

Mon­tag ge­schlos­sen

Diens­tag, Mitt­woch, Frei­tag: 12.00 – 17.00

Don­ners­tag: 12.00 – 20.00

Sams­tag, Sonn­tag: 11.00 – 16.00

Die digitale Welt lässt uns vieles erleben, nicht selten vereinfacht sie uns den Alltag. Doch diese Welt ist nicht für alle Menschen zugänglich. Rund 20% der Bevölkerung in der Schweiz erleben aufgrund der begrenzten Barrierefreiheit im digitalen Raum keine gleichberechtigte Teilhabe. Mit dem Projekt «A11y. Blindspot Accessibility» will das Grafikstudio Atelier Pol mit dem Entwickler René Stalder die Menschen dafür sensibilisieren.

Euer Projekt basiert auf der Tatsache, dass die Barrierefreiheit im digitalen Raum nur begrenzt gegeben ist. Wie wird die Barrierefreiheit im digitalen Raum überhaupt gewährleistet?

Indem Produzent:innen von digitalen Inhalten ein breites Verständnis dafür entwickeln, wer die Menschen sind, die sich für ihre Inhalte interessieren und dass diese Zielgruppe mit verschiedenen Voraussetzungen darauf zugreifen will.

Menschen mit eingeschränktem Sehvermögen lassen sich eine Website durch den Screenreader «vorlesen». Dafür müssen gewisse technische Anforderungen gewährleistet sein. Für hörbehinderte Menschen müssen akustische Informationen als Text bereitgestellt werden und Videos untertitelt sein. Genügend grosse Flächen bei klickbaren Elementen helfen Menschen mit motorischen Behinderungen beim Bedienen einer Website und einfache Sprache erleichtert Menschen mit Lernschwächen oder fremdsprachigen Personen den Zugang zu digitalen Informationen.

Zur Barrierefreiheit zählt aber nicht nur der hindernisfreie Zugang trotz potenzieller physischer Einschränkungen der Nutzer:innen, sondern auch technischer Hürden wie schlechte bzw. langsame Internetverbindung, Tastatur als einziges Eingabegerät, kleine Displays, verschiedene Browser und Browserversionen oder deaktiviertes JavaScript.

Unser Projekt fokussiert dabei auf den barrierefreien Zugang für Personen mit eingeschränktem Sehvermögen.

Inwiefern gab es für das Projekt «A11y. Blindspot Accessibility» persönliche Beweggründe?

René Stalder beschäftigt sich schon seit Jahren ausgiebig mit diesem Thema und engagiert sich, sein Wissen breit zu streuen und besonders auch Leute aus dem Designsektor dafür zu interessieren. Pol ist es ein grosses Anliegen, Design nicht nur als Gestaltung zu sehen, sondern als Werkzeug für Inklusion und Nachhaltigkeit. Gemeinsame Gespräche mündeten dann in die Idee von A11y.

Euer Ziel ist es, anhand einer Website auf einfache und spielerische Art auf die Hürden im digitalen Raum für Menschen mit eingeschränktem Sehvermögen hinzuweisen. Wie geschieht das konkret?

Die Website soll in erster Linie wachrütteln. Sie zeigt in mehreren Teilen auf, wie es sich anfühlt, wenn die Sicht auf Inhalte durch störende Faktoren, Unzugänglichkeit und aufgelöste Hierarchie eingeschränkt oder schlichtweg nicht gewährleistet ist.

Was waren die Herausforderungen bei der Realisierung?

Die wohl grösste Herausforderung war es, ein Thema wie Barrierefreiheit vor allem auch für Designer:innen ansprechend zu gestalten, ohne es zu verharmlosen und aussehen zu lassen, als würde man das Thema oder betroffene Menschen nicht ernstnehmen.

«A11y. Blindspot Accessibility» wird im Rahmen der diesjährigen BESTFORM erstmals der Öffentlichkeit präsentiert. Wie geht es danach mit dem Projekt weiter?

Im besten Fall stösst das Projekt auf Interesse und findet Anklang. Wir haben etwas richtig gemacht, wenn Leute die Ausstellung verlassen und wissen, dass sich tagtäglich Menschen mit eingeschränktem Sehvermögen unter unmöglichen Bedingungen im Internet ihren Weg durch Informationen bahnen müssen. Wir lassen es offen, die Webseite mit weiteren Beispielen zu ergänzen, die auf eine grössere Anzahl von Einschränkungen, mit denen eine Vielzahl an Personen im Web unterwegs sind, eingehen.

ƒ 25. März bis 1. Mai 2022

¤ Stadt­saal, Korn­haus­fo­rum Bern, 1. Stock

¢ Öff­nungs­zei­ten:

Mon­tag ge­schlos­sen

Diens­tag, Mitt­woch, Frei­tag: 12.00 – 17.00

Don­ners­tag: 12.00 – 20.00

Sams­tag, Sonn­tag: 11.00 – 16.00

Möchten Sie Designer:innen persönlich kennen lernen und erfahren, welche Überlegungen hinter einem Produkt stecken oder welche Techniken bei einem Werk angewendet werden? Als Mitglied des Freundeskreises der Berner Design Stiftung haben Sie Gelegenheit, einen Blick hinter die Kulissen zu werfen.

Regelmässig finden exklusive Events statt, zu denen wir Sie als Unterstützer:in der Berner Design Stiftung gerne einladen. Ob eine persönliche BESTFORM-Führung durch den Berner Design Preisträger 2019 Uli Huber, oder ein Besuch des Moïtel von atelier oï mit dem Mitbegründer Aurel Aebi: Als Freund:in haben Sie nicht nur Zugang zu spannenden Events, Sie engagieren sich mit Ihrem Jahresbeitrag zudem für das Berner Designschaffen.

Neu kann man seinen Jahresbeitrag auch per Kreditkarte, Postfinance oder TWINT bezahlen.

÷ Hier geht es zur ANMELDUNG

Vielen Dank für Ihre Unterstützung!

Eine Hexe ohne Besen, die am liebsten Pizza isst und auf ihrem Widder reitet, trifft auf eine Prinzessin, die zuckersüsse Liebeslieder trällert. Mit ihrem Buch «Hilda und Prinzessin» wollte die Berner Illustratorin Eva Rust zeigen, dass weder Hexen noch Prinzessinnen nach starren Rollenbildern handeln müssen und nicht auf Prinzen angewiesen sind, die sie retten. 2019 ist die französischsprachige Version des Buches erschienen, ein Jahr später wurde die Geschichte auch auf Deutsch veröffentlicht. Nun geht die Geschichte um die beiden Mädchen Hilda und Melusina weiter. Die Berner Design Stiftung hat die Geschichte «Hilda, Melusina und das Drachenei» mit einem Beitrag an den Herstellungsprozess unterstützt. Im Interview erzählt Eva Rust, wie es zur Idee dieses Buches für Kinder ab 4 Jahren gekommen ist.

Du hast schon vor deinem eigenen Bilderbuch Geschichten illustriert. Wie kam es zum Wunsch, selbst eines zu publizieren?

Ich illustriere nach wie vor auch gerne Geschichten von anderen Autor*innen, aber es ist etwas anderes, eine eigene Geschichte erzählen zu können. Ich habe schon als Kind immer wieder Geschichten erfunden und währenddessen gezeichnet. Die Motivation war, ein Buch zu machen, das meine Schwester und ich selbst als Kinder gerne gelesen hätten. Der Impuls das neue Buch nicht nur selbst zu illustrieren und zu schreiben, sondern auch selbst zu publizieren kommt daher, dass es mich interessiert hat, was alles dahintersteckt. In anderen Bereichen ist es viel verbreiteter, Bücher im Eigenverlag herauszugeben. Im Kinderbuchbereich weiss ich nur von wenigen Leuten, die das so machen. Nachdem ich einige Bücher bei Verlagen publizieren konnte, wollte ich das einfach mal ausprobieren.

Im ersten Bilderbuch standen Geschlechterrollen und das Spiel mit antiquierten Genderklischees im Vordergrund. Nun thematisierst du in der Fortsetzung den Umweltschutz und unsere Wegwerf- und Konsumkultur. Wie schafft man es, solche aktuellen Themen für Kinder aufzubereiten?

Am wichtigsten ist mir, dass es nicht allzu moralisch daherkommt, sondern vor allem auch Spass macht. Wir Erwachsenen wollen ja auch nicht bei allen Filmen, Büchern oder Serien, die wir konsumieren, etwas über richtig oder falsch lernen, sondern vor allem gut unterhalten werden. Wenn es dann trotzdem eine Grundlage ist, um über ein wichtiges Thema nachzudenken oder darüber zu reden, umso besser. Ich denke, das ist auch bei Kindern nicht viel anders. Darum versuche ich zwar Themen aufzugreifen, die mir wichtig sind, dies aber mit einer gewissen Leichtigkeit und Humor zu tun.

Bunte Illustrationen zeichnen deine Bilderbücher aus. Kannst du uns mehr über den Herstellungsprozess erzählen?

Meine Arbeitsweise ist eine Mischtechnik aus analog und digital. Ich skizziere meist digital, um die Möglichkeit zu haben, einzelne Bildelemente beliebig grösser und kleiner zu machen sowie zu verschieben. Denn es ist mir sehr wichtig, eine stimmige Komposition zu haben. Wenn ich einigermassen zufrieden bin, wechsle ich ins Analoge, vor allem, weil mir das Zeichnen auf Papier immer noch mehr Spass macht. Ich zeichne das Bild mit schwarzem Farbstift, mache dann mit schwarzer Acrylfarbe eine Texturebene. Danach füge ich das Ganze digital zusammen und färbe es ein. Man sieht den Bildern zwar auf jeden Fall an, dass ein Teil digital ist, aber ich denke der «Umweg» übers Analoge lohnt sich, weil es den Bildern doch noch eine gewisse Spontaneität gibt, die ich sonst nicht hinkriegen würde.

Die Berner Design Stiftung hat dich bei diesem Projekt unterstützt. Was war durch diesen Support möglich?

Das Bilderbuch gehört zu den Sparten der Illustration, die sich finanziell kaum lohnen – jedenfalls nicht für die Illustrator*innen und Autor*innen. Durch eine solche Unterstützung ist es möglich, sich für die Arbeit an einem Buch die Zeit zu nehmen, die es auch wirklich verdient hat, ohne es durch andere Arbeiten quersubventionieren zu müssen. Ausserdem hat es mir ermöglich, das Experiment zu wagen, das Buch auf Deutsch selbst zu publizieren.

Das Buch «Hilda, Melusina und das Drachenei» ist im Onlineshop von Eva Rust erhältlich:

> www.evarust.ch

Was haben der geschnitzte Hund des Holzbildhauers Hans Huggler-Wyss von 1909 und der Zweiteiler mit Blumenprint der Modedesignerin Sabine Portenier aus dem Jahr 2021 gemeinsam? Nicht viel, könnte man auf den ersten Blick meinen. Doch das stimmt nicht ganz. Zusammen mit über 10‘000 weiteren Objekten gehören sie zur kantonalen Sammlung angewandte Kunst, die das Berner Designschaffen seit über 150 Jahren dokumentiert. Die Berner Design Stiftung betreut diese vielfältige Sammlung und erweitert sie jährlich mit Werken von Berner Designer:innen.

Normalerweise lagern die Schätze in einem Depot, das für die Öffentlichkeit nicht zugänglich ist. Nun verwandelt die Berner Design Stiftung die LOEB-Schaufensterbox in ein belebtes Museumsdepot, das Ihnen, liebes Publikum, diese Sammlung näherbringen soll.

ƒ 26. Januar bis 6. Februar 2022

¤ LOEB-Schaufensterbox, Schauplatzgasse 37, Bern

Lust auf einen weiteren Einblick ins Depot? Dann schauen Sie sich unsere Clips zu ausgewählten Objekten an:

> Der Fotorahmen aus Silberfiligran von Fritz Geissbühler von 1901

> Die blaue Figur von Margrit Linck von 1983

Mit freundlicher Unterstützung von Burgergemeinde Bern und USM.

Ob Designklassiker oder Neuheiten von jungen Talenten: Im Museumsshop des Zentrum Paul Klee präsentiert die Berner Design Stiftung im Rahmen der Schau «max bill global» ausgewähltes Berner Design.

Zu sehen sind Arbeiten wie etwa das Möbel «Etage», welches der Berner Produktdesigner Moritz Schmid entworfen und die Firma Röthlisberger 2012 produziert hat. Das raffinierte System einer Rundum-Holzhülle ermöglicht es, Dinge flexibel zu verbergen. Das Möbelstück wurde 2013 mit dem Design Preis Schweiz ausgezeichnet.

Nicht fehlen darf Keramik, denn diese hat im Kanton Bern eine lange Tradition. Erika Fankhauser Schürch stellt in ihrem Atelier in Wynigen sowohl Gebrauchskeramik als auch grossformatige Objekte her. Im Zentrum Paul Klee zeigen wir Stücke aus ihren Kollektionen «lino» und «Schwinger», die sich durch filigrane Muster und reduzierte Formen gekennzeichnet sind.

2002 entwickelt, 2003 beim Design Preis Schweiz nominiert und zurzeit im Museumsshop zu sehen: Die Garderobe DI.MI.TRI besteht aus massiver Esche, Aluminiumverbinder sowie Kunststoffstreben. Benny Mosimann, der Gestalter hinter diesem Produkt, entwickelt mit seinem Studio b2m3 designbureau unterschiedliche Produkte in diversen Bereichen – so etwa Möbelstücke.

Der aus Moutier stammende Gestalter Steve Léchot ist mitunter bekannt für seine minimalistischen Leuchten wie etwa das Modell ZEN, das in weisser Farbe im Zentrum Paul Klee zu sehen ist. Für diese Lampe gewann er den diesjährigen German Design Award Special.

Das Designstudio atelier oï kreiert immer wieder auch für grosse Modehäuser aussergewöhnliche Objekte. Für die «Objets Nomades Collection» von Louis Vuitton entwarf das Designteam aus La Neuveville beispielsweise den faltbaren Stuhl aus Leder «The Folding Stool».

In Zusammenarbeit mit südmarokkanischen Berber-Frauen stellt die Textildesignerin Salomé Bäumlin unter dem Label Ait Selma Teppiche her, die in limitierten Editionen erhältlich sind.

Auf dem Webstuhl im Atelier von Hanna Ast an der Junkerngasse in Bern entstehen ihre Schals aus Seidenchenille. Ein wiederkehrendes Motiv sind grafische Muster in Schwarz-Weiss, die auch mal von Farben durchbrochen werden.

Kurz nach seinem Abschluss an der HEAD in Genf gründete Luca Xavier Tanner 2020 sein eigenes Label. Der Bieler Modedesigner entwirft nicht nur Frauen- und Männermode, sondern auch Ledertaschen, die in Ungarn gefertigt und auf verschiedene Arten getragen werden können.

ƒ Bis zum Ende der Ausstellung «max bill global» am 9. Januar 2022 ist die «Design-Ecke» im Museumsshop zu sehen.

> www.zpk.org

Wir danken USM herzlich für die Unterstützung.

Maler, Bildhauer, Architekt, Designer, Grafiker, Typograf, aber auch Theoretiker, Sammler, Kurator, Publizist, Lehrer, Politiker und Aktivist: Max Bill war in vielen Bereichen tätig und weit über die Schweiz hinaus prägend. Bis am 9. Januar 2022 ist im Zentrum Paul Klee die Ausstellung «max bill global» zu sehen. Sie thematisiert erstmals Bills globales Netzwerk. Als Theoretiker und Mitbegründer der Konkreten Kunst suchte er den Austausch mit Künstlerinnen und Künstlern aus Europa, den USA und Lateinamerika. Darunter Sophie Taeuber-Arp, Wassily Kandinsky, Georges Vantongerloo, Josef Albers, Tomas Maldonado, Maria Vieira und vielen anderen.

Bill ist einer der prominentesten Vertreter der Konkreten Kunst. Noch vor seinem 30. Geburtstag avancierte er zu einem ihrer massgeblichen Theoretiker, und blieb für Jahrzehnte ihr unermüdlicher Verfechter und Förderer. Er organisierte Ausstellungen, verfasste zahlreiche Texte zur konkreten Kunst und tauschte sich mit Gleichgesinnten auf der ganzen Welt aus. Gleichzeitig setzte er Massstäbe für gestalterische Prinzipien in der Grafik, dem Produktdesign oder der Architektur.

In Zusammenarbeit mit dem Zentrum Paul Klee organisiert die Berner Design Stiftung das «Design Weekend – Reden wir über Design gestern, heute und morgen!»: Am Wochenende Anfang November finden diverse Gespräche bzw. Podien mit Designer*innen und Expert*innen zu den Themen Möbeldesign, Typografie und Kommunikationsdesign statt.

ƒ Samstag, 6. und Sonntag. 7. November

¤ Zentrum Paul Klee

¢ Diverse Zeiten

> Detailliertes Programm zum «Design Weekend» sowie Tickets: zpk.org

Bildercredits:

Foto 1: Max Bill
Kern aus Doppelungen, 1968
Messing, vergoldet
50 x 60 x 50 cm
Kunstmuseum Bern, Anne-Marie und Victor Loeb-Stiftung, Bern
© 2021, ProLitteris, Zurich

Foto 2: Max Bill
Quadratrundtisch, Entwurf: 1949
Linoleum, Ahornholz
69 x 128 x 128 cm
Zürcher Hochschule der Künste / Museum für Gestaltung Zürich / Designsammlung
© 2021, ProLitteris, Zurich

Foto 3: Max Bill
Reflexe aus dunkel und hell, 1975
Öl auf Leinwand
120 x 120 cm
max bill georges vantongerloo stiftung, haus bill zumikon, angela thomas und erich schmid, Courtesy Hauser & Wirth
© Angela Thomas Schmid/2021 ProLitteris, Zürich

2014 hast du deine Ausbildung als Bekleidungsgestalterin abgeschlossen, 2018 dein Atelier Yadê Couture gegründet und 2020 wurdest du von der Plattform „House of iKons“ angefragt, im Rahmen der Londoner Fashion Week, deine Kollektion zu zeigen. Wie kam es dazu?

Die Anfrage kam in einer sehr schwierigen Situation. Ich habe aufgrund der Corona-Pandemie sehr viele Kund*innen verloren und hatte eigentlich schon entschieden, im September 2020 mein eigenes Schneideratelier aufzugeben. Anfang August bekam ich dann eine Nachricht von Zarya Azadi, der Sponsorin von „House of iKons“. Sie erzählte, dass sie im Rahmen der London Fashion Week das Projekt „The Hidden Beauty of Kurdistan“ initiiere und deshalb auf der Suche nach kurdischen Designer*innen aus aller Welt sei. Ich war überrascht, dass sie auf mich gekommen war, denn ich war als Massschneiderin tätig und hatte bis dahin noch keine eigne Kollektion. Zu Beginn war ich unsicher, doch mein Umfeld hat mich bestärkt, teilzunehmen.

Wie hast du das Thema „The Hidden Beauty of Kurdistan“ umgesetzt?

Die unterschiedlichen Kulturen Mesopotamiens haben mich inspiriert. Dabei verwendete ich Elemente aus der Architektur, dem Farb- und Lichtspiel verglaster Fenster und Türen. Auch die Muster und Farben der traditionellen Kleidung der verschiedenen Völker haben mich beeinflusst. Ich habe moderne, europäische Schnitte mit traditionellen kurdischen Motiven kombiniert. Bei den Farben habe ich sowohl auf helle Nuancen, die für den Sonnenaufgang stehen als auch auf dunkle Töne, welche die Nacht symbolisieren, gesetzt.

Aufwendige, festliche Roben zeichnen deine Kollektion aus. Was waren die Herausforderungen bei der Entwicklung?

Diese zarten Stoffe zu verarbeiten war schwierig, zumal sie so reich mit Pailletten und Steinen verziert sind. Deshalb habe ich fast alle Kleider von Hand gefertigt. Doch meine erste Kollektion zu entwickeln war so motivierend, dass es einfacher war diese Herausforderungen zu meistern.

Die Berner Design Stiftung hat dich mit einem Beitrag für Werkpräsentationen unterstützt, damit du an der Modenschau teilnehmen kannst. Was wurde dir dadurch ermöglicht?

Die Zusage kam, als ich schon fast jede Hoffnung auf eine Unterstützung verloren hatte. Den Förderbeitrag zu erhalten, hat mich sehr in meiner Arbeit bestärkt. So konnte ich konzentriert an meiner ersten Kollektion arbeiten, dafür bin ich sehr dankbar!

Wie geht es nach der Modenschau im September weiter mit Yadê Couture?

Mein Traum ist, eine eigene Boutique samt Atelier zu eröffnen. Doch vorerst möchte ich schauen, wie meine Kollektion ankommt. Die Reaktionen und Rückmeldung sind mir sehr wichtig. Ich habe immer tausend Ideen und das Schöne an meinem Beruf ist, dass einem fast keine Grenzen gesetzt sind.

Fotos: Tom Trachsel
Hair & Make-up: Michelle Muench
Model: Leonie Fabienne

> www.yade-couture.ch

In der Schule für Gestaltung Bern und Biel wird nicht nur unterrichtet, immer wieder gibt die Ausbildungsstätte mit ihren Ausstellungen auch dem breiten Publikum Einblick ins kreative Schaffen von jungen Menschen und ehemaligen Schüler*innen. Die diesjährige Schau, die seit dem 18. März und bis zum 25. September am Berner Standort besucht werden kann, ist ganz dem 50-jährigen Bestehen der Schule gewidmet. Entsprechend werden Werke von Menschen gezeigt, die während einem halben Jahrhundert die Schule geprägt haben oder sie noch heute prägen.

Unter den vielen Objekten sind auch Werke aus der Sammlung angewandte Kunst des Kantons Bern zu finden, die von der Berner Design Stiftung betreut wird. Mit mehreren Arbeiten vertreten sind die beiden Schmuckdesignerinnen Marion Geissbühler und Fabienne Gal aus dem Kanton Bern. Beide hatten sich bereits als junge Gestalterinnen beim Kiwanis-Club Bern-Aare um einen Förderpreis beworben und diesen mehr als einmal erhalten.

Marion Geissbühler aus dem Traditionsunternehmen Atelier Geissbühler für Silberfiligranschmuck in Konolfingen, experimentierte mit buntem Kunststoff und Plexiglas und stellte Armreife her. Es folgten Halsketten und Armreifen, deren metallenen Einzelteile mit Klettgewebe miteinander verbunden wurden. Wenig später gelang ihr mit den Hübliblechringen ein gelungener Wurf. Hergestellt aus dem «Hübliblech», einem Abfallprodukt der Filigranarbeiten, erschuf sie durch Recycling modern anmutende Objekte. Konsequent führte sie die Arbeit weiter und schuf weitere Neuinterpretationen des alten Trachtenschmucks, die ebenfalls in der Ausstellung zu sehen sind.

Auch die Schmuckdesignerin Fabienne Gal richtet ihren Blick ebenso auf Tradition wie auf zeitgenössische Herstellungstechniken. So entstand 2014 das Projekt «Transitions» für den Kiwanis-Förderpreis-Wettbewerb. Die Neuinterpretation des Themas Haarschmuck kombiniert dreidimensional gelaserte Nylonplastiken mit traditionell hergestellten Silberelementen.

ƒ Bis 25. September 2021

¤ Schänzlihalde 31, Bern

¢ Mo-Fr: 8-21 Uhr, Sa: 8-13 Uhr

Ferienöffnungszeiten (bis 15. August)
Mo–Fr, 8–16 Uhr
Sa, geschlossen

Übrigens auf Vimeo finden bis Ende September jeden Donnerstag die BB:50 Sessions statt: Lehrpersonen und Mitarbeitende, Lernende und Studierende von damals und heute erzählen Geschichten aus 50 Jahren Schulhaus Schänzlihalde > Live auf Vimeo

> ateliergeissbuehler.ch

> www.galschmuck.ch

1968 gründete Marianne Milani ihre Couture Firma. So manch bekannte Persönlichkeit erwarb sich bei ihr ein edles Kleidungsstück und hing fortan als Schnittmuster in ihrem Atelier in der Berner Altstadt. Die langlebigen, so bequem zu tragenden Lieblingskleider wurden deshalb meist einige Jahre später in anderen Stoffen oder Farben wieder bestellt. Das Geheimnis dieser Outfits, die vielen Personen ihren unverwechselbaren eleganten Stil verpassten, ist die Schlichtheit und Absenz kurzlebiger Trends. Selber kleidet sich Marianne Milani nur in schwarze oder dunkelblaue Kleider. Ihre Markenzeichen sind das leuchtende Rot auf Lippen, Haar und Nägeln. 

Die Designerin schuf aber noch ganz andere Kreationen wie die humorvollen Accessoires «1 Stein» für die Stadt Bern. Krawatten oder T-Shirts waren dabei mit dem Foto eines Steins bedruckt und dienten im Einsteinjahr 2005 dem amtierenden Stadtpräsidenten als Gastgeschenke. Unvergessen bleiben auch ihre Kreationen mit dem typischen Geranien-Muster, einer Blume, welche die Baslerin eigentlich überhaupt nicht mag. Aufträge erhielt Marianne Milani von der Stadt Bern auch für den Dress der Stadthostessen, aber auch private Hotels und Firmen liessen ihre Mitarbeiter von ihr einkleiden. 

Künstlerisch ausleben konnte sich Marianne Milani bei den Filmkostümen für zahlreiche zeitgenössische und historische Schweizer Filme. Dass sie eine Meisterin in Zeichnen und Schnitttechnik ist, kam ihr hier besonders zugute und so schuf sie beispielweise für den Film «Jürg Jenatsch» von Daniel Schmid aussergewöhnliche Stücke. 

Im Zunftsaal des Restaurant Zunft zu Webern zeigt die Modeschöpferin bis am 18. August ausgewählte Kreationen ihres Schaffens. Die Ausstellung macht deutlich, wie vielfältig die Arbeiten von Marianne Milani waren und heute noch sind. 

¤ Ausstellung im Zunftsaal 
Restaurant Zunft zu Webern 
Gerechtigkeitsgasse 68 
3011 Bern 

ƒ bis 18. August 2021,
Finissage 18. August um 20.30 Uhr 

¢ Jeweils Freitag und Samstag
von 14 bis 20 Uhr

> mariannemilani.ch

Die Samm­lung, welche die Berner Design Stiftung heute betreut und jedes Jahr mit Designobjekten ergänzt, geht zu­rück auf die 1869 be­grün­dete Mus­ter- und Mo­dell­samm­lung des Ber­ni­schen Han­dels- und In­dus­trie­ver­eins so­wie des Hand­wer­ker- und Ge­wer­be­ver­eins. 1921 über­nahm der Kan­ton Bern die da­mals im Korn­haus Bern aus­ge­stellte Samm­lung. Heute um­fasst sie all das, was zu­erst das Ge­wer­be­mu­seum und spä­ter das Amt für Wirt­schafts- und Kul­tur­aus­stel­lun­gen so­wie die Fach­stelle für das Aus­stel­lungs­we­sen zu­sam­men­ge­tra­gen ha­ben.

Den um­fang­reichs­ten Be­reich bil­det die Pla­kat­samm­lung, die durch ihre über­durch­schnitt­li­che Qua­li­tät die vi­su­elle Ge­stal­tung im Kan­ton Bern her­vor­ra­gend do­ku­men­tiert.

In der BESTFORM sind derzeit unter anderem ein Plakat von Viktor Rutz sowie eines von Herbert Leupin zu sehen.

Viktor Rutz entwarf Plakate für die Nährmittelfabrik A. Sennhauser in Zürich. Typisch für Rutz ist das Sujet der kleinen Kinder, die mit offenem Mund und weit aufgerissenen Augen über die überwältigende Wirkung der «Helvetia»-Produkte wie Backpulver, Crème Pudding oder Dessert-Crème staunen. Das Versprechen der Firma auf dem hochgehaltenen Backpulver-Päckchen, das «sicherste Triebmittel» für Backwaren zu besitzen, glaubt man bei dem übergrossen Gugelhopf, der das kleine Mädchen fast zu erdrücken droht, sofort.

Während der Zeit der Lebensmittel-Rationierung im Zweiten Weltkrieg konnte man über zwei Telefonnummern Menuvorschläge erhalten. Herbert Leupin entwarf für die Pro Telephon AG ein Plakat mit Schiefertafel, Schiefergriffel, hölzerner Kochkelle und Lebensmittelcoupons. Der am 18. Juni 1943 ausgestrahlte Film zum «Sprechenden Menu» ist wie das Plakat ein eindrückliches Zeitzeugnis für die Ernährung in Kriegszeiten. Zu sehen ist er noch bis am Sonntag, 4. Juli, in der BESTFORM, im Kornhausforum Bern.

Leider ist wie bei fast allen früheren Plakaten auch bei diesen das Eingangsjahr in die Sammlung angewandte Kunst nicht überliefert. Für die Ausstellung wurden sie als Beispiel einer thematischen Gruppe ausgewählt, hier zum Thema Lebensmittel und Ernährung in den 1930er und 1940er-Jahren. Gerade die Plakatkunst ermöglicht einen spannenden Blick auf die Auseinandersetzung einer Gesellschaft mit bestimmten Themen im öffentlichen Raum.

Mehr Infos zur Sammlung > www.bernerdesignstiftung.ch

ƒ bis 4. Juli 2021

¤ Stadt­saal, Korn­haus­fo­rum Bern, 1. Stock

¢ Öff­nungs­zei­ten:

Mon­tag ge­schlos­sen

Diens­tag, Mitt­woch, Frei­tag: 12.00 – 17.00

Don­ners­tag: 12.00 – 20.00

Sams­tag, Sonn­tag: 11.00 – 16.00

Modern und überraschend: Die Keramikobjekte der beiden Berner Pablo Genoux und Janis Marti, die derzeit in der BESTFORM zu sehen sind, machen neugierig. Mithilfe eines Handjets, der normalerweise in der Industrie verwendet wird, haben die Designer Grafikelemente auf Gebrauchskeramik übertragen. Während Pablo Genoux bereits 2017 mit dem Grafikdesigner Orfeo Lanz den Handjet für das Bedrucken von Papier und Textilien verwendet hat, wagte sich das Duo Genoux und Marti mit der Anwendung auf Keramik an eine ganz neue Technik. «Die grosse Herausforderung war, eine Tinte herzustellen, die nach dem Brand auf der Keramik sichtbar ist. Viele Versuche waren nötig, mit dem Risiko, dass der teure Handjet kaputtgeht», erklären die beiden.

2020 unterstützte die Berner Design Stiftung Pablo Genoux und Janis Marti mit einem Beitrag für den Herstellungsprozess. «Die Wertschätzung der Stiftung und das Ziel, das Projekt in der BESTFORM auszustellen, gab uns bei der Arbeit Sicherheit», sagen Genoux und Marti.

«The Way To MoMA», was gemäss den beiden so viel wie «Der Weg ist das Ziel» bedeutet, ist bereits das dritte Projekt des Duos. «Wir haben schon während der Berufsmaturität bemerkt, dass sich unsere Empfindungen für Ästhetik und Kunst sehr nahe sind und gegenseitig inspirieren.» Die Keramikobjekte sind auch nicht das letzte gemeinsame Projekt. Pablo Genoux und Janis Marti haben bereits viele neue Ideen – man darf also gespannt sein.

> teammoma.com

ƒ bis 4. Juli 2021

¤ Stadt­saal, Korn­haus­fo­rum Bern, 1. Stock

¢ Öff­nungs­zei­ten:

Mon­tag ge­schlos­sen

Diens­tag, Mitt­woch, Frei­tag: 12.00 – 17.00

Don­ners­tag: 12.00 – 20.00

Sams­tag, Sonn­tag: 11.00 – 16.00

«Bada. Sea. Meer» ist für Nina Stephanie Yoon, Designerin des Labels NINA YUUN, weit mehr als der Name ihrer bereits vierten Kollektion. «Bada», was auf Koreanisch so viel wie «Meer» bedeutet, ist auch der Name von Nina Stephanie Yoons Sohn. Das Meer ist ein wesentlicher Bestandteil der südkoreanischen Identität und seine Be­deutung ist tief in der koreanischen Kultur verankert. Für die Designerin mit koreanischen Wurzeln verkörpert das Meer auch eine wertvolle, lebensspendende Ressource, die es für künftige Generationen zu bewahren gilt.

Nachhaltigkeit steht für das Modelabel an oberster Stelle: Schnittmuster sind digitalisiert und so konzipiert, dass kein Stoff verschwendet wird. Bereits bestehende Stücke des Labels werden zu neuen Kreationen verarbeitet und pro Jahr wird nur eine Kollektion hergestellt. Produziert wird in Familienbetrieben in Südkorea oder im Nähwerk IDM in Thun. Hier lässt NINA YUUN beispielsweise das Projekt Re-Shirt realisieren: Alte Business-Hemden werden zu langlebigen, neuen Kleidungstücken. Und für NINA-YUUN-Stücke bietet das Label gar einen Repair-Service an.

2020 hat NINA YUUN von der Berner Design Stiftung einen Förderbeitrag für Vermarktung erhalten. Mit der Unterstützung wollte das Label mit einer PR-Agentur zusammenarbeiten, um auch in den europäischen und asiatischen Märkten Fuss zu fassen. Aufgrund der Corona-Pandemie wurde der Fokus aber vorerst auf das Inland gelegt. So konnte NINA YUUN im letzten Jahr die Anzahl der Detailhändler, welche die Stücke des Labels verkaufen, verdoppeln. In der zweiten Hälfte 2021 soll nun die internationale Öffentlichkeitsarbeit angegangen werden, um das Label über die Schweizer Grenze hinaus bekannt zu machen.

>www.ninayuun.com

Die Kreationen von NINA YUUN sind in der dies­jäh­ri­gen BEST­FORM 2021 zu se­hen:

ƒ 21. Mai bis 4. Juli 2021

¤ Stadt­saal, Korn­haus­fo­rum Bern, 1. Stock

¢ Öff­nungs­zei­ten:

Mon­tag ge­schlos­sen

Diens­tag, Mitt­woch, Frei­tag: 12.00 – 17.00

Don­ners­tag: 12.00 – 20.00

Sams­tag, Sonn­tag: 11.00 – 16.00

«Öhi» ist einer Stabelle, einer Stuhltypologie, die vor allem in den Alpenregionen anzutreffen ist, nachempfunden. Wie bist du auf die Idee gekommen, diese Stuhlart neu zu interpretieren?

Nach dem vierten Semester unterbrach ich mein Studium, um in Berlin ein Jahr im Studio von Konstantin Grcic arbeiten zu können. Nachdem ich mich in Berlin eingelebt hatte, erfuhr ich von einem Design-Wettbewerb in Graubünden, in dem es darum ging, kulturelle und formale Aspekte der Region aufzugreifen. Eine Mischung aus mildem Heimweh und der Lust, wieder ein eigenes Projekt zu starten, ließ mich an der Ausschreibung teilnehmen. Mit Graubünden brachte ich sofort den Stuhltypus der Stabelle in Verbindung. Die einfache, rustikale und leicht unbeholfene Erscheinung dieser Stühle wollte ich bei meinem Entwurf aufgreifen und mit einer zeitgenössischen Formsprache kombinieren. Es ging mir darum, die Stabelle in urbanere Wohnmilieus zu locken, sozusagen aus der Alpenregion nach Berlin.

Für die Realisierung der Prototypen hast du mit der Schreinerei Wyttenbach zusammengearbeitet. Was hast du als Produktdesigner vom Schreiner Vincent Suter gelernt, dem du assistiert hast?

Bei der Realisierung des Prototyps ging es mir besonders ums Lernen. Ich gestalte gerne mit dem Material Holz, doch durch meine Vorausbildung komme ich eher aus der Metall-Richtung. Die Holzbearbeitung ist mir nicht fremd, jedoch wollte ich die Herstellung in die Hände von Profis geben. Anhand meiner technischen Zeichnungen konnte sich Vincent vorab Gedanken über den Ablauf der Herstellung machen. Es war spannend zu sehen, wie aus einfachen, flachen Holzbrettern, ein dreidimensionales Objekt entsteht. Der Herstellungsprozess war ein stetiger Austausch zwischen Schreiner und Konstrukteur. Jeder Arbeitsgang wurde zuerst diskutiert. Stießen wir auf ein Problem, so fand Vinz schlussendlich immer eine Lösung. Ich habe vieles von Vincents Herangehensweise gelernt und werde sicherlich auch in Zukunft von seinen Schreiner-Tipps profitieren können.

Was waren die Herausforderung bei der Produktion der Prototypen?

Jedes neue Projekt ist anfangs eine Herausforderung. Da es sich bei der Herstellung um reines Handwerk handelte, musste jeder Bearbeitungsschritt wohl überlegt sein. Zum Teil mussten Schablonen und Lehren angefertigt werden, um beispielsweise eine passende Nut fräsen zu können. Besonders das Verleimen der Sitzfläche und der Rückenlehne war eine Herausforderung, weil die Schraubzwingen an den angewinkelten Flächen dauernd abrutschten. Mit Holzkeilen und Winkeln gelang das Kunststück schlussendlich. Für mich war es wichtig zu sehen, welche Arbeitsschritte bei der Herstellung schwierig waren, um bei der Weiterentwicklung des Stuhls Optimierungen vornehmen zu können.

«Öhi» wird in einer roten und einer Naturholz-Variante in der BESTFORM zu sehen sein. Wie geht es nach der Ausstellung weiter mit der Arbeit am Stuhl?

Im nächsten Schritt werde ich auf die Suche nach einem geeigneten Hersteller für die serielle Fertigung des Stuhls gehen. Ziel ist es, den Stuhl gemeinsam mit einem Partner weiterentwickeln zu können. Der Stuhl ist nicht als Unikat gedacht. Es wäre schön, wenn Öhi den Weg in verschiedene Wohnzimmer finden würde, egal ob in die rustikale Alphütte oder in die moderne Loftwohnung.

>www.marcgerber.design

Die Prototypen des Stuhls «Öhi» sind in der diesjährigen BESTFORM 2021 zu sehen:

ƒ 21. Mai bis 4. Juli 2021

¤ Stadtsaal, Kornhausforum Bern, 1. Stock

¢ Öffnungszeiten:

Montag geschlossen

Dienstag, Mittwoch, Freitag: 12.00 – 17.00

Donnerstag: 12.00 – 20.00

Samstag, Sonntag: 11.00 – 16.00

Die Arbeiten an der Keramikserie «BUNSU» liefen auf Hochtouren als wir Erika Fankhauser Schürch an einem sonnigen Morgen Anfangs Februar 2020 in ihrem Atelier in Wynigen besucht haben. In den Räumlichkeiten einer ehemaligen Käserei fertigt die Bernerin ihre Keramikobjekte nicht nur an, sie nutzt das Lokal auch als eine Art Showroom, in dem Kundinnen und Kunden ihre Kreationen kaufen können. Zu sehen sind hier neuere Projekte wie etwa zarte Windlichter oder schmale Vasen, aber auch ältere Arbeiten. So beispielsweise Schüsseln aus der Kollektion «Lino» – eine Serie, welche die Berner Design Stiftung 2008 für ihre Sammlung angekauft hat.

Bei unserem Besuch galt Erika Fankhauser Schürchs ganze Aufmerksamkeit ihrem von der Berner Design Stiftung geförderten Projekt «BUNSU». Geplant war, die Gefässe im Rahmen der BESTFORM 2020 der Öffentlichkeit zu präsentieren. Wegen der Corona-Pandemie konnte die Ausstellung jedoch nicht stattfinden.

2019 hat Erika Fankhauser Schürch ihr Gesuch um einen Förderbeitrag an den Herstellungsprozess von «BUNSU» bei der Berner Design Stiftung eingereicht, doch die Idee dazu hatte die Keramikdesignerin damals schon länger. Ein Jahr zuvor war sie an ein Keramikfestival in Icheon (Südkorea) eingeladen, wo sie das lokale Handwerk inspiriert hat: «Die grossen Vorratstöpfe, Onggi genannt, aber auch die Patchwork-Technik («Bojagi»), welche die Nähte sichtbar macht, haben mich fasziniert», erzählt Erika Fankhauser Schürch. Ihren ursprünglichen Plan, grosse Gefässe zu schaffen, die ebensolche Nähte an der Oberfläche aufweisen, hat sie während der Arbeit kurzerhand geändert. «Während der Entwicklungsphase habe ich gemerkt, dass sich durch die Erzeugung dieser Nähte im Innern der Gefässe eine interessantere Struktur ergibt», sagt Erika Fankhauser Schürch. Um diese an der Aussenseite zu erschaffen, arbeitete die Keramikerin mit Bruchstücken (auf Koreanisch «BUNSU») aus Porzellan, welche sie dann mit Schlicker zu einer Platte goss, die sie anschliessend in Form brachte. Die Bruchstücke verleihen den in ihrer Form schlicht gehaltenen Objekten eine lebendige Oberfläche. Doch diese Technik stellte die Designerin vor einige Herausforderungen: «Das Schwierige war, das Porzellan in den diversen Konsistenzen zusammen zu verarbeiten.» Auch an der Glasur der Objekte tüftelte Erika Fankhauser Schürch lange. Ein wichtiges Detail, denn je nach Glanz der Oberfläche wirkten die Bruchstücke ganz anders.

Gespannt auf das Resultat von Erika Fankhauser Schürchs Arbeit? Wir freuen uns, dass wir die Objekte der «BUNSU»-Serie in der diesjährigen BESTFORM präsentieren dürfen. Die Ausstellung findet vom 21. Mai bis 4. Juli im Kornhausforum statt. «Das ist das Schöne an der Förderung durch die Stiftung: Nebst der Anerkennung, die man für seine Arbeit erhält, hat man die Möglichkeit, diese einem breiten Publikum zu präsentieren – auch wenn es etwas später ist als geplant», sagt Erika Fankhauser Schürch.

>www.erifakeramik.ch

Die Serie «BUNSU» ist in der diesjährigen BESTFORM 2021 zu sehen:

ƒ 21. Mai bis 4. Juli 2021

¤ Stadtsaal, Kornhausforum Bern, 1. Stock

¢ Öffnungszeiten:

Montag geschlossen

Dienstag, Mittwoch, Freitag: 12.00 – 17.00

Donnerstag: 12.00 – 20.00

Samstag, Sonntag: 11.00 – 16.00

«Art and its wardrobe» heisst deine Kollektion, die du an der kommenden Mode-Suisse-Ausgabe zeigst. Inspiration waren Künstler*innen und ihre Arbeitskleidung. Wie kam es zu dieser Idee und was zeichnet diese Kollektion aus?

Die Idee kam mir während des ersten Lockdowns, als die Menschen Zeit hatte, ihren Hobbies nachzugehen und selber kreativ zu werden. Bereits während meines Studiums bin ich folgender Frage nachgegangen: Wie bringt man den Endverbraucher dazu, dass er selber kreativ tätig wird? Das Ziel dieser Kollektion war es, eine Workwear-Kollektion zu präsentieren, welche die Menschen dazu bringt, sich einer Leinwand oder einem künstlerischen Projekt zu widmen. Wichtig war aber zugleich, dass diese Kleidung auch im Alltag und auf der Strasse getragen werden kann.

Du entwirfst sowohl für Männer als auch Frauen. Was unterscheidet die Arbeit an Frauenmode von jener an Männermode?

Bei der Materialität und bei den Farben gibt es bereits einen grossen Unterschied. Zudem werden gewisse Kleidungsstücke durch die Gesellschaft einem Geschlecht zugeschrieben. Ich finde es sehr spannend, mit dem gleichen Kleidungsstück an zwei verschiedenen Körpern zu arbeiten und zu sehen, ob es richtig fällt oder passt.

2020 hast du dein Label gegründet. Die meisten Kleidungsstücke deiner Kollektionen produzierst du in der Schweiz, die Strickstücke entstehen in den Niederlanden und deine Lederwaren lässt du in Ungarn produzieren. Welche Schritte des Designprozesses finden in deinem Atelier in Biel statt?

Die Recherche, Konzeptentwicklung, das Entwerfen sowie die technischen Zeichnungen und das Schnittzeichnen finden in meinem Atelier in Biel statt – da probiere ich viel aus. Sobald die Prototypen entwickelt werden sollen, setze ich mich mit den Produktionsstätten in Verbindung. Danach folgen die Anproben und Änderungen. In dieser Zeit mache ich mir auch Gedanken zum Fotoshooting. Weitere Stoffrecherchen, das Bestimmen von Details wie Knöpfe oder Prints, die ich auch noch in die Kollektion integrieren möchte, sind dann auch noch möglich. Die komplizierteren Stücke, die eher für die Modenschauen oder für das Fotoshooting gedacht sind, mache ich in meinem Atelier selbst.

Arbeitest du schon an deiner nächsten Kollektion?

Noch nicht ganz. Ich habe mir schon ein paar Gedanken gemacht und ich weiss, dass sie kleiner ausfallen wird als die jetzige Kollektion. Der Fokus wird vor allem auf einer Handtasche liegen, die man in verschiedenen Varianten tragen kann.

Lust, die ganze Kollektion von Luca Xavier Tanner zu sehen? An der Mode Suisse zeigt der Bieler die Kollektion. Die Präsentation findet dieses Jahr digital statt.

>www.modesuisse.com

>www.lxtanner.com

Die Kollektion «Art and its wardrobe» ist in der diesjährigen BESTFORM 2021 zu sehen:

ƒ 21. Mai bis 4. Juli 2021

¤ Stadtsaal, Kornhausforum Bern, 1. Stock

¢ Öffnungszeiten:

Montag geschlossen

Dienstag, Mittwoch, Freitag: 12.00 – 17.00

Donnerstag: 12.00 – 20.00

Samstag, Sonntag: 11.00 – 16.00

Wirft man einen Blick in die umfangreiche Plakatsammlung der Berner Design Stiftung, die über 7’000 Werke umfasst, so findet man gleich mehrere Plakate, die für das Frauenstimmrecht warben. Und dies zu einer Zeit, in der dieses Recht noch lange nicht Realität war.

Dora Hauth-Trachsel, 1920: Mit dem Schriftzug «Zum Schutz der Jugend und der Schwachen. Frauenwahlrecht Ja» und der Darstellung suggeriert dieses Plakat, dass Frauen durchaus in der Lage sind, sich um ihre Kinder zu sorgen und gleichzeitig politisch aktiv zu sein.

Margrit Gams, 1920: Mann und Frau tragen auf dem Plakat von Margrit Gams wortwörtlich die Verantwortung gemeinsam.

Dora Hauth-Trachsel, 1920: Die Frau auf diesem Plakat von Dora Haut-Trachsel gleicht ikonografisch einer Amazone, doch in der Hand hält sie wie Justitia, die Göttin der Gerechtigkeit, eine Waagschale. Die weibliche und männliche Figur in den Waagschalen stehen sich im Gleichgewicht gegenüber und scheinen sich die Hände reichen zu wollen, sie sind gleichberechtigt.

Möchten Sie mehr Objekte aus der Sammlung entdecken?

Hier geht es zu einer Auswahl

> www.bernerdesignstiftung.ch/sammlung/

Sandra, du bist Modedesignerin während du Jörg, Grafikdesigner bist. Wie ist die gemeinsame Idee zu «A Post-Globalized Style Book, Vol.1» entstanden?

Wir kennen uns schon seit langem und als wir 2017 die Idee hatten, ein Konzept für ein gemeinsames Projekt zu entwickeln, hat sich beim Gespräch gezeigt, dass wir eine subjektive Beobachtung in Bezug auf Erscheinungsbilder teilen: Seit etwa 25 Jahren lassen sich Fotografien aufgrund der abgelichteten Artefakte – Kleider, Autos, Architektur, Möbel – zeitlich nicht mehr eindeutig einer Stilperiode zuordnen. Wir hatten den Eindruck, dass in der breiten Öffentlichkeit sichtbare, modische Paradigmenwechsel, wie sie beispielsweise in den 20er- bis Mitte 90er-Jahren stattgefunden haben, nicht mehr in diesem Ausmass beobachtet werden konnten. Ein Zusammenhang dieses Phänomens mit der durch Internet und Social Media erzeugten, globalen Gleichzeitigkeit lässt vermuten, dass Instagram & Co. nicht unbedingt zu mehr stilistischer Vielfalt, sondern zu einem weltumspannend immer schneller rezyklierten Einheitsbrei führen.

Vor diesem Hintergrund entwickelten wir das Konzept zu «A Post-Globalized Style Book». Mit einem spielerischen Gedankenexperiment wollen wir die Allgegenwart der Hyperglobalisierung austricksen, dabei Kleidung und vestimentäre Ausdrucksformen noch einmal «neu» erfinden um Bekleidung als Teil der Konstruktion und Übersetzung von «Persönlichkeit» zu sehen.

Sandra: Ich habe Modedesign studiert, weil mich die Arbeit mit und Ausdrucksmöglichkeit durch Textilien als zweite Haut am Körper interessiert und nicht, weil mich das Modebusiness und die x-fache Vorausproduktion des gleichen Entwurfs fasziniert. Ich wollte mir die Unbeschwertheit erlauben, dem lustvollen und künstlerischen Prozess in der Gestaltung eines Kleidungsstückes wieder mehr Beachtung zu schenken, so wie ich es während des Studiums immer getan hatte. Meine Positionen im Gedankenaustausch waren ausserdem Fragen, die sich mir als Designerin schon länger stellen: Welche Bedeutung hat meine Arbeit mit Textilien in der jetzigen Zeit des Überflusses und Overkill? Wäre es möglich, nur ein paar Outfits zu besitzen, welche als eine Art individuelle, metaphorische Uniform funktionieren? Wie kann ich das Konzept des künstlerischen Designprozesses umdenken und Kleider nur noch «made on demand» anbieten? Wie können wir uns ein Kleidungsstück als Ausdrucksmittel, als Zweite Haut aneignen und zurückerobern?

Jörg: Ich bin persönlich kein ausgesprochener Mode-Enthusiast, meine Einstellung zu Kleidern eher utilitaristisch. Als ich vor ein paar Jahren wieder einmal vergeblich weit geschnittene Hosen suchte und feststellen musste, dass das real existierende «Modediktat» für Männer auch in dieser Saison ausschliesslich enge Wadenkneiffer-Hosen vorgesehen hatte (diese dafür unter tausend verschiedenen «Labels», wir sind ja schliesslich nicht in der DDR), begann ich mich dafür zu interessieren, wie Modetrends überhaupt entstehen: Durch welche soziologischen, technologischen und ökonomischen Faktoren werden solche Paradigmenwechsel – wie oben erwähnt und soweit wir sie im Teleskopeffekt des Rückspiegels überhaupt klar identifizieren können – entscheidend beeinflusst? Was kennzeichnet die Phasen der Konsolidierung und Stagnation dazwischen? Warum wirkt ausgerechnet im Zeitalter des total vernetzten Hyperindividualismus das internationale Strassenbild so monoton?

Eurem Buch liegt ein Gedankenexperiment zu Grunde: Ihr habt 12 Proband*innen gebeten, sich in ihre Kindheit zurückzuversetzen und zu erläutern, wie sie sich damals das Erscheinungsbild ihres Erwachsenen-Ichs vorgestellt haben. Was habt ihr selbst für Erinnerungen diesbezüglich?

Sandra: Ich hatte sicher Ideen davon wie ich mich in Zukunft darstellen möchte oder eben auch nicht – nur waren die feinen Erinnerungen an die Kindheit etwas verschwommen. Mit der Kopf-Zeitreise auf die man sich beim Ausfüllen des Fragebogens begibt konnte ich aber Einiges formulieren. Beispielsweise, dass ich ab etwa 10 Jahren Britin sein wollte und mich von allem was von dort kam oder was ich in meiner Fantasie dem «britischen Stil» zuordnen konnte, sehr angezogen fühlte. Die Mutter einer Schulfreundin war Britin, hatte einen rechtsgesteuerten Mini und strich uns zum Zvieri Marmite-Brote. Eine ältere Freundin besass einen Ping-Pong-Schläger auf den sie mit Filzstift «Sex Pistols» geschrieben hatte. Ich hörte damals zwar vor allem «Bay City Rollers» und noch nicht Punkmusik, aber ich war beeindruckt. Ich zählte überall laut one, two, three, four, five… vor mich hin und als ich mit 16 Jahren das erste Mal aus London zurückkam weinte ich nonstop. Durch diese — mir nicht ganz erklärliche — Anziehungskraft hatte sich wohl schon ein Wunscherscheinungsbild geformt.

Jörg: Ich wollte immer Mr. Spock (aus Star Trek) sein: Eine Mischung aus Wissenschaftler und Raumschiffheld. Eine archetypische Figur, die keine Furcht kannte und wegen ihrer emotionslosen Rationalität und trotz ihrer «Andersartigkeit» stets als souverän galt. Ein naheliegendes Vorbild für einen ängstlichen, eher schwächlichen Jungen. Was sich daraus im Zusammenhang mit den anderen Facetten unseres Fragebogens ergeben hätte, kann ich nicht sagen, wir haben früh entschieden, nicht für uns selber zu entwerfen.

Ein Fragenkatalog von 70 Fragen bildete die Basis des Experiments. Was geschah danach mit den Ergebnissen?

Auf der Grundlage der Antworten fand ein Gespräch mit den Proband*innen statt. Es war nicht so, dass wir den Fragebogen systematisch nach wissenschaftlichen und psychologischen Kriterien hätten auswerten können. Unser Ansatz war künstlerisch, d.h. nach dem Gespräch musste bei uns ein Bild entstanden sein, eine Vorstellung der Person in «ihren» Kleidern. Die Informationen aus Fragebogen und Gesprächen dienten – unter Bezugnahme auf Zitate, Archetypen, kulturelle Hintergründe etc. – als Grundlage für das Zusammenstellen von Moodboards und das Skizzieren der Outfits. Im fertigen Buchprototypen finden sich begleitend zu den Portraits zwar noch einige Zitate aus den Fragebogen, aber im Grunde wollten wir die Bilder für sich selber sprechen lassen.

Volume 1 ist fertigt. Wie geht es nun weiter?

Ganz unmittelbar suchen wir zunächst finanzielle und verlegerische Unterstützung für eine möglichst breite Publikation von «A Post-Globalized Style Book». Der Titelzusatz «Vol.1» soll indes nicht suggerieren, dass wir schon bald das «Vol.2» realisieren. Er ist vielmehr unser Eingeständnis, dass wir mitnichten ein abschliessendes Buch zu so einem uferlosen Thema geliefert haben. Dasselbe Buch könnte aus ganz anderen konzeptionellen Blickwinkeln (z.B. mit einem textil-technologischen anstatt künstlerischen Ansatz) realisiert werden. Konkret haben wir das Experiment bereits für die Lehre adaptiert. In einem Seminar zum Thema «Zweite Haut» haben Studierende der Hochschule der Künste Bern HKB und der Universität der Künste Berlin den Fragebogen ausgefüllt und im Rahmen einer Toolbox des Y Institutes der HKB haben sich BA-Studierende aus verschiedenen Studienbereichen der Frage nach der Bekleidung der Zukunft gestellt und die Ideen in Bild und Text formuliert. Daraus ist ein «Post-Globalized Style Booklet» entstanden.

Die Bilder und Kleider des von der Berner Design Stiftung geförderten Projekts sind zurzeit und bis am 28. Januar im Affspace in Bern zu sehen.

ƒ Der Affspace bleibt vom 22. Dezember 2020 bis zum 22. Januar 2021 geschlossen.
Die Öffnungszeiten für die letzte Ausstellungswoche und Informationen zur geplanten Finissage am 28. Januar 2021 werden zum entsprechenden Zeitpunkt kommuniziert. Auf Wunsch biete der Affspace private Führungen für max. 5 Personen durch die Ausstellung an.

Kontakt:

Sandra Lemp studio@sandralemp.ch

Jörg Kühni info@truc.ch

Affspace info@affspace.ch

¤ Münstergasse 4, Bern

> Sandra Lemp

> Jörg Kühni 

Während der Fahrt ist das System der Cargobeiz kompakt zusammenklappbar und lässt sich leicht von Ort zu Ort transportieren. Am Ziel angekommen verwandelt sich das modulare Fahrrad mit wenigen Handgriffen zu einem multifunktionalen Gastro-Erlebnis. Je nach Bedürfnis der Kund*innen ermöglicht das flexible und innovative Design der Cargobeiz individuelle und auf die Situation angepasste Nutzungen. Dieses Projekt ermöglicht platzsparende und umweltverträgliche Mobilität für Gastronomie.

2018 erhielt das Projekt Cargobeiz einen Förderbeitrag der Berner Design Stiftung. Zwei Jahre später durften wir die Initianten Basile Bucher, Michael Storck und Tobias Uhlmann und ihr Projekt in der Werkstatt in Biel/Bienne besuchen. Obwohl wir Pandemie-bedingt nur einen kleinen Anlass ermöglichen konnten, gewährte uns das Team einen spannenden Einblick in den derzeitigen Stand der Dinge sowie die Zukunft des Projektes.

Was ist die Cargobeiz für euch und wofür steht dieses Projekt?

Cargobeiz ist eine Marke, die mobile gastronomische Werkzeuge entwickelt und Lösungen anbietet, die an die aktuellen Herausforderungen städtischer Räume angepasst sind.

Wir sind überzeugt, dass das Fahrrad eine ökonomische und ökologische leistungsstarke Alternative zum Auto bietet. Wir bieten durchdachte, qualitativ hochwertige und lokal produzierte Produkte an, die den Bedürfnissen und Anforderungen von Fachleuten entsprechen.

Wie und wann ist die Idee für die Cargobeiz entstanden?

Die Idee für das mobile Gastronomiemodul entstand aus einem persönlichen Bedürfnis zweier der Gründer, die 2016 einen kleinen Gastronomiebetrieb aufbauen wollten. Das Projekt und der Geschäftsplan nahmen dann ihre heutige Form an.

Was versteht ihr unter «Design» und wie ist dieses Verständnis in das Projekt eingeflossen? Respektive, wellen Stellenwert hat Design für euch in diesem Projekt?

Der vom Fahrzeug abhängige Gewichtszwang begleitet jede Überlegung und zwingt uns, nur das Wesentliche zu behalten. Auch die Kombination der Funktionen sowie der Benutzerfreundlichkeit haben das Produkt weitgehend beeinflusst. Es ist faszinierend festzustellen, dass die Einhaltung der vorgenannten Regeln einen solchen Einfluss auf die Form hat, respektive ihr Aussehen fast schon definiert.

Wie gestaltete sich der Designprozess und was waren die grössten Herausforderungen?

Wir mussten uns an die Geometrie des Fahrrads anpassen, das wir gekauft haben. Vor allem Lösungen finden, die es uns ermöglichen Komponenten umzuwandeln, denn die Bedingungen des Transports unterscheiden sich stark von denen des Einsatzes vor Ort. Da es sich um sehr spezifische Probleme mit einer großen Anzahl beweglicher Teile handelte, ging der Entwurfsprozess weit über den gesamten Aspekt hinaus und erstreckte sich auf alle Komponenten.

Was hat euch der Förderbeitrag durch die Berner Design Stiftung ermöglicht?

Mit Hilfe des von der Berner Design Stiftung bewilligten Betrags sind wir von der Idee-Prototyp zum Produkt gekommen und konnten die Qualität der Materialien, der Oberflächen und des Materials deutlich steigern. Diese finanzielle Unterstützung ermöglichte es uns, unser Unternehmen ein Jahr lang zu führen.

Wohin hat sich die Cargobeiz weiterentwickelt und wo soll es mit dem Projekt noch hingehen?

Zwei voll funktionsfähige Module stehen zur Miete zur Verfügung. Auf diese Weise können wir Erfahrungen sammeln, Feedback von unseren Kunden erhalten und sicherstellen, dass die Qualität des Produkts konstant bleibt und sich weiter entwickelt.

Um den Komfort bei der Nutzung des Moduls zu erhöhen und unser Produkt an einen grösseren Kundenkreis zu verkaufen, wird das Modul bald auf einem Fahrradanhänger erhältlich sein. Die Weiterentwicklung dieses neuen Trägers ist der wesentliche Entwicklungsschritt, zusätzlich zu den jüngsten Optimierungen am Modul.

‡www.cargobeiz.ch

Adrian Reber gehört zu den wenigen Männermodedesignern der Schweiz. Seit der Neulancierung seines gleichnamigen Labels 2014 steht er mit seinen Linien «Adrian Reber» und «Adrian Reber Limited» sowohl für hochwertige Basics (Strick, Hemden, Hosen, Jacken) als auch einzigartige Kleidungsstücke, die allesamt in der Schweiz hergestellt werden. Dabei setzt der Ostermundiger bei seinen limitierten, handgefertigten Unikaten seit Anbeginn auf Upcycling: Ein Tischtuch wird zur Hose, ein Duvet zum wärmenden Wintermantel. Alte Stoffe, teils aus Familienbesitz, werden in Bänder gerissen, zusammengenäht und zu einem Pullover verstrickt.

Die Berner Design Stiftung hat 2019 zehn Outfits aus den Kollektionen «Adrian Reber Limited» von 2014 bis 2019 angekauft, welche sein Schaffen seit dem Wiedereinstieg als selbständiges Modelabel in idealer Weise repräsentieren. Im Juli wurden die Outfits im Sammlungsdepot eingelagert. Fünf Outfits werden nächsten März in der Ausstellung Bestform im Kornhausforum gezeigt.

‡www.adrianreber.com

Credits Model-Fotos: Simon Wyss

Varia Instruments ist eine Manufaktur in Bern, welche sich der Entwicklung und Produktion von professionellem Audioequipment verschrieben hat. Die zwei Techniker und Musikliebhaber Marcel Schneider und Simon Schär setzen auf Handarbeit, um höchsten Qualitätsansprüchen gerecht werden zu können. In ihrer Werkstatt entwickelten sie etwa das analoge DJ-Mischpult «RDM20». 2018 erhielten sie einen Förderbeitrag der Berner Design Stiftung. Dieser ermöglichte ihnen einen Aufenthalt in New York, der Geburtsstätte der Disco-Kultur. Das Duo traf auf viele spannende Persönlichkeiten von DJ’s und Radio Hosts über Veranstalter*innen bis hin zu Club Besitzer*innen. Schnell wurde klar, dass die Faszination für die Produkte von Varia Instruments gross ist und mehrmals wurde der Wunsch nach einem grossen Bruder des «RDM20» geäussert. Aus diesen Gesprächen wurde die Idee geboren, sich auf eine neue Mission zu begeben. So entstand zwei Jahre später mit «RDM40» ein erweitertes Design des analogen Mischpultes. Zu Beginn wurde der Funktionsumfang des neuen Gerätes definiert. In der Entwicklungsphase begannen sie mit Papiermodellen und Holzprototypen das Design zu gestalten. Schließlich wurde ein erster funktionstüchtiger Prototyp gebaut, wobei die mechanischen Teile und die elektronische Schaltung von Grund auf neu entwickelt wurden. Varia Instruments glaubt an die Zusammenarbeit mit lokalen Lieferanten und überprüft und testet jedes einzelne Gerät bevor es die Werkstatt verlässt.

Am 31. Juli 2020 war es endlich soweit. Mit einer Fotoserie enthüllten sie das Geheimnis ihrer Mission «RDM40». Mitte August wird der offizielle Verkaufspreis bekannt gegeben und der RDM40 kann daraufhin in dezent schwarzer Ausführung vorbestellt werden. Varia Instruments wurde gefördert von Pro Helvetia und der Berner Design Stiftung.

Die visionäre Keramikerin wurde als Margrit Daepp in Oppligen geboren und heiratete nach ihrer Ausbildung den Bildhauer Walter Linck. Das Paar lebte in München, Berlin und Paris. Zurück in Bern eröffnete Margrit Link in den 1930er Jahren als erste Frau in der Schweiz ein eigenes Töpferatelier. Margrit Link entwickelte eine zeitlose Formsprache. Die Ob­jekte ver­kör­pern Ruhe, len­ken die Au­gen im Raum auf sich und ent­fal­ten in ih­rer Um­ge­bung eine sicht­bare Re­so­nanz. Die unverkennbaren Formen von Margrit Lincks Gebrauchskeramik werden noch heute im Betrieb Linck Keramik in traditioneller Handarbeit auf der Drehscheibe hergestellt.

Nebst den allgemein be­kann­ten weis­sen Ge­fässen mit ih­ren kla­ren, geo­me­tri­schen For­men beschäftigte sich Mar­grit Linck auch mit fi­gür­li­chen und abstrakten Ob­jek­ten und formte Krüge und Va­sen in phan­ta­sie­volle Frauen- und Tier­ge­stal­ten um. Während die Gebrauchskeramik lange Zeit das Einkommen der Familie sicherte, entstanden parallel surreale und metamorphe Arbeiten.Verschiedenartige Einflüsse prägten ihren Stil: einerseits die Heimberger Keramik, andererseits die zeitgenössischen Kunstströmungen der 30er Jahre, aber auch besonders die Plastik Afrikas und der Südsee. Ab 1942 entstanden eigentliche keramische Skulpturen. Eines dieser Werke ist die Vase „En souvenir de Christian“, die sie ihrem 1974 verstorbenen Sohn Christian widmete.

Margrit Linck starb am 2. Dezember 1983 in Bern. Der Nachlass des Künstlerpaares Margrit und Walter Linck wurde von ihrer Schwiegertochter Regula Linck 1983 übernommen und bis 2019 betreut. Danach ging eine Überführung der beiden künstlerischen Werke vom ehemaligen Wohnhaus in Reichenbach bei Bern in ein Schaulager einher. Für die beiden eigenständigen künstlerischen Werke wurden 2020 zwei separate Websites erstellt, um die Werke der beiden Künstler in Erinnerung zu rufen und sie einem breiten Publikum zu erschliessen. Auch in der Sammlung der Berner Design Stiftung be­fin­den sich 34 Werke von Mar­grit Linck aus ver­schie­de­nen Schaf­fens­pe­ri­oden.

‡https://margritlinck.ch/

‡siehe auch www.walterlinck.ch

Die beiden Industriedesigner Felix Spuhler und Jérôme Rütsche entwickelten die Service-Kollektion «Tabletop Bistrobar» für das Restaurant Casino in Bern. Das 13-teilige Keramik-Geschirr ist in zwei Sets für Mittag- und Abendessen unterteilt und geht mit seiner Formsprache auf die verschiedenen Bedürfnisse ein. So ist die Mittagskollektion geometrisch und schlicht gehalten und macht dieses Service zwanglos und zugänglich. Denn für den schnellen Businesslunch sind auch die Gerichte des Casinos Bern einfacher ausgerichtet, das Küchenteam ist kleiner und die Abläufe hektischer als am Abend. Diesen Umständen trägt auch die Gestaltung des Sets Rechnung.

Sanfte Wellenstrukturen sind hingegen der Abendkollektion vorbehalten. Entsprechend dem gehobeneren Niveau der Abendkarte und der enspannteren Atmosphäre, ist auch das Service komplexer und anspruchsvoller. Trotz der begrenzten Stückzahl bietet die Abendkollektion vielfältige Präsentationsmöglichkeiten. Denn jedes einzelne Stück ist raffiniert designt und kann beidseitig eingesetzt werden, wie z.B. der Teller, der umgedreht auch als Vorspeisenteller verwendet werden kann.

Diese durchdachte Vielseitigkeit und das elegante ziegelrote Design widerspiegeln sowohl die Philosophie der Nachhaltigkeit und Sorgfalt des Restaurants als auch des Designduos wieder. Die Frage nach der Herkunft und den Produktionsbedingungen der Lebensmittel gehört in der Gastronomie inzwischen zum guten Ton. Doch bei der Wahl des Geschirrs endet dieses Bestreben meist. Statt für ein Geschirr-Service in Billiglohnländer auszuweichen, begegnet das Designkonzept von crisp-id dem Anliegen der lokalen und fairen Produktion bereits im Kern. Eigens für «Tabletop Bistrobar» entwickelten sie gemeinsam mit Fachleuten aus einer Manufaktur im deutschen Westerwald eine Keramikmasse, welche dem hierzulande vorkommenden roten Ton zu einer aussergewöhnlichen Qualität verhilft. So finden sich Sorgfalt und Nachhaltigkeit nicht nur auf, sondern auch im Teller der Casino Bistrobar wieder.

Crisp-id wurde 2017 mit einem Förderbeitrag der Berner Design Stiftung für eine nachhaltige Geschirrserie für die Eisblume Worb unterstützt (Esiblume-Projekt). Über dieses Projekt kam auch der Kontakt zum Casino und dem Küchenchef David Wälti zustande.

‡ www.crisp-id.ch

Seit der Gründung ihres Labels 2015 haben die Bernerin Anaïs Marti und der Basler Ugo Pecoraio ihre Kollektionen stets kulinarischen Themen gewidmet. Passend dazu die Namen ihrer Unisex-Kollektionen: Auf «Restaurant zum Schwälbli» und «Metzgete» folgte Anfang Jahr «Brot Pain Pane Paun». Es ist bereits die zweite Kollektion, welche von der Berner Design Stiftung unterstützt wurde. «Brot ist in unseren Augen mehr als ‚nur’ ein traditionsreiches Gebäck, für ein gutes Brot braucht es Handwerkskunst, hochwertige Zutaten und viel, viel Zeit. So auch für gute Mode und Kleidungsstücke und darin sehen wir die Verbindung der zwei Künste», sagt das Duo zu dieser Inspiration. Die Anspielung an die Bäckerskunst ist in der Kollektion mal klar erkennbar, mal ganz subtil. So erinnern gewisse Muster unweigerlich an die Arbeitskleidung eines Bäckers/einer Bäckerin, das Pailletten-Kleid hingegen lässt individuelle Interpretationen zu. Die einen erkennen darin die knusprige Kruste eines Brotes, andere die glitzernde Verbindung von Hefe und Flüssigkeit. «Wie in all unseren Arbeiten, lassen wir uns von unserer Neugierde leiten. Die Materialien, die uns reizen und anziehen, finden den Weg in die Kollektion. Unser Zugang zu Mode ist sehr konzeptuell und trotzdem intuitiv», so die Designer.  

Die Arbeit als junges Modelabel ist mit vielen Herausforderungen verbunden – diese sind in Zeiten der Coronakrise umso grösser. «Durch die Pandemie sind auch unsere Verkäufe und Verkaufskanäle betroffen. Wir wissen nicht, wo die Kollektion im August erhältlich sein wird.» Einzelne Teile sind bereits im Online-Shop von Collective Swallow erhältlich. Je nach Nachfrage stellen die Designer die Stücke in ihrem Atelier her. Dort kreieren sie derzeit übrigens auch Masken aus Baumwolle und Seide – Materialien, die sie im Atelier vorrätig haben. «Da die medizinischen Masken zurzeit ja kaum erhältlich sind, haben wir uns dazu entschlossen, selber Masken herzustellen. Sie sind wahrscheinlich weniger effektiv gegen das Virus – aber dennoch besser als nichts», so Anaïs Marti. Auch die Arbeit an der nächsten Kollektion läuft bereits. Dafür geht Collective Swallow einen Schritt weiter: Personalisierte Mode, die auf dem Lieblingsessen der Träger*innen basiert, steht dabei im Vordergrund.  

Willst du noch mehr über die Arbeit von Collective Swallow erfahren? Dann sieh dir den Clip unseres Atelierbesuches an.  

Mit dem zweiten Band von «The Fall» erscheinen nun bereits die Kapitel 4, 5 und 6 der Comicserie. Wie ist die Idee dazu eigentlich entstanden? 

Seit geraumer Zeit beschäftige ich mich mit der Gesellschaft, in der wir leben und frage mich, was hinter dieser Fassade steckt. Ein postapokalyptisches Szenario bietet eine optimale Basis für meine Auseinandersetzung mit der Materie. 

In Zeiten des Coronavirus scheint «The Fall» aktueller denn je. Hat sich deine Arbeit am Comic angesichts der aktuellen Lage verändert? 

Zurzeit bin ich an den Vorbereitungen für den dritten Band der Serie und zu diesem Zeitpunkt in der Geschichte ist die Pandemie längst vorüber. Allerdings fließen ständig Szenen und Situationen aus dem Alltag in meine Geschichten ein, da wird mich bestimmt auch das eine oder andere von diesem Ereignis beeinflussen – das geschieht meist unbewusst.  

Was sind die Herausforderungen an der Arbeit an «The Fall»? 

Da gibt es mehrere Elemente, die ins Gewicht fallen. Wir sprechen hier von einer mehrbändigen Serie. Ich kann nicht einfach einen Band zeichnen und dann ist alles fertig. Die Geschichte wird sich mindestens über 5-6 Bände erstrecken mit jeweils ca. 80 Seiten, vielleicht sogar mehr. Wenn man bedenkt, dass ich an einer einzigen Seite gut eine Woche arbeite, bereitet mir das schon manchmal etwas Kopfzerbrechen. Meine Arbeitstage sind daher auch sehr strukturiert. Während ich arbeite ist es, als säße ich in einem Intercity-Zug, der mit vollem Tempo auf die Zielgerade zuhält und nicht anhalten kann. So geschieht es immer wieder, dass ich E-Mails entweder gar nicht beantworte oder immer viel zu spät. Vor kurzem ist mir aufgefallen, dass mir sogar die Zeit fehlt, gewisse Dinge aufzuschieben, dabei kommen mir da die besten Ideen. Es ist höchste Zeit, etwas an meiner Langzeitplanung zu ändern, auch wenn das heißt, dass meine Bücher in etwas größeren Abständen erscheinen. 

In den Sozialen Medien gibst du immer wieder Einblick in deine Tätigkeit. Wie wichtig ist Social Media für deine Arbeit? 

Social Media ist sicher ein wichtiger Bestandteil für meine Werbung im Ausland. Es ist, oder besser war, für mich eine Art Blog. Leider demontiert Facebook seine Plattformen zusehends, indem ihre Algorithmen stetig gewinnorientierter agieren und die Nutzung keinen Spaß mehr macht. Glücklicherweise werden meine Bücher nun auch in Frankreich und den USA publiziert, damit löst sich meine Abhängigkeit von Facebook und Instagram etwas.  

«The Fall» bekommt derzeit auch international Aufmerksamkeit. Hier eine Auswahl der Berichterstattung:

• “10 vor 10”, SRF
• Watson.ch
• Le Figaro

Es ist ein Thema über das sich wohl nur Katzenhalter*innen Gedanken machen. Und doch sind Katzenleitern auch für Menschen, die keinen Stubentiger haben, omnipräsent. Zumindest in Bern: Dies zeigt das Buch “Architektur für die Katz – Schweizer Katzenleitern” von Brigitte Schuster, welches eben erst publiziert und 2017 von der Berner Design Stiftung mit einem Förderbeitrag unterstützt wurde. Als Brigitte Schuster nach Bern gezogen ist, sind der Grafikdesignerin als erstes die unzähligen Katzenleitern aufgefallen und so ist die Idee zum Buchprojekt entstanden. Zwischen 2016 und 2019 hat sie die unterschiedlichsten Katzenleitern-Typen in Bern fotografiert. Aus über 200 Bildern hat Brigitte Schuster für das Buch schliesslich mehr als hundert ausgewählt. Die Fotografien zeigen, wie einfallsreich und beeindruckend viele Katzenleitern gestaltet sind. Ergänzt werden die Bilder mit Texten (D/E) rund um die Thematik. So wird beispielsweise der kulturelle Stellenwert der Katze erörtert. Interessant ist auch wie Brigitte Schuster ihre Erlebnisse und Begegnungen, die sie beim Fotografieren gemacht hat, schildert. Für Katzenhalter*innen dürfte die detaillierte Beschreibung der verschiedenen Katzenleitern zudem eine nützliche Inspirationsquelle sein.

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Diverse Medien haben über das Buchprojekt von Brigitte Schuster berichtet, hier eine kleine Auswahl:

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¹Der Bund: “Für aufstiegswillige Vierbeiner” (kostenpflichtig)

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¹NZZ: “Auf dem Catwalk: Die Schweiz ist ein Land von Katzenleitern”

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¹The Guardian: “Cat ladders: a creative solution for felines in flats – in pictures”

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‡Reguläre Edition: Christoph Merian Verlag, CHF 44.00 / EUR 39.00.

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‡Sonderedition: Über das Online-Formular oder per Email bestellbar. Diese Edition von 400 Stück enthält ein bedrucktes und signiertes Einlageblatt am Anfang des Buches: CHF 44.00 / EUR 39.00 (zuzüglich Versandkosten).

Starke Farben, überraschende Materialien und fantasievolle Kombinationen: Die Werke der Bernerin Verena Welten als Kleider oder einfache Textilobjekte zu bezeichnen, wäre zu banal. Vielmehr handelt es sich bei den Kreationen aus Stoff, welche die Textildesignerin vor allem in den 1980er und 90er-Jahren in Bern hergestellt hat, um regelrechte Kunstwerke. Immer wieder hat sie dabei auf selbsterfundene Techniken zurückgegriffen und unterschiedlichste Materialresten aus beispielsweise Tüll, Seide oder Jute zu einem ganzen Outfit verarbeitet. Dieses Jahr hat die heute 70-jährige Künstlerin der Berner Design Stiftung einige ihrer «Objektkleider» sowie einen Wandbehang geschenkt. Im Depot des Archäologischen Dienstes des Kantons Bern, wo die kantonale Sammlung angewandte Kunst grösstenteils gelagert ist, werden die Objekte von unserer Restauratorin Kathrin Hofmann begutachtet und für die Aufbewahrung vorbereitet. Während die Werke auf kleinere Schäden wie etwa Verfärbungen im Stoff untersucht und anschliessend fotografiert werden, wird schnell deutlich, wie wandelbar einzelne Stücke sind, welche Verena Welten kreiert hat. So kann der Jupe «Feuer und Flamme/Glut» beispielsweise zu einem Gurt umfunktioniert werden. Immer wieder hat sich Verena Welten in ihren textilen Kreationen damit auseinandergesetzt, wie der Mensch seine Umwelt wahrnimmt und reflektiert. Das Werk «Eihaut», welches Teil der Serie «Kleider zu Seelenzuständen» ist und aus einem gelben Body und einem semitransparenten Überkleid besteht, soll beispielsweise aufzeigen, dass man sich in gewissen Situationen verletzlich fühlt wie ein rohes Ei. Regelmässig hat Verena Welten ihre Textilwerke auch an internationalen Ausstellungen präsentiert. Damit diese wertvollen Stoffkreationen für die Zukunft erhalten bleiben, werden sie von unserer Restauratorin sorgfältig eingepackt. Jedes Stück wird im Depot in einer grossen Kartonschachtel verwahrt und mit einer Nummer versehen, welche in der Datenbank hinterlegt ist. Damit sich bei den Kleidern keine Falten abzeichnen, werden sie an den Innennähten mit Seidenpapier ausgekleidet. Zusammen mit den über 2000 Stücken, die ebenfalls als Teil der kantonalen Sammlung angewandte Kunst im Depot des Archäologischen Dienstes sind, warten sie nun darauf, in einer künftigen Ausstellung der Öffentlichkeit präsentiert zu werden.

Du kreierst seit über 20 Jahren Konzertplakate. Wie bist du dazu gekommen?

Ich fand das Gespann von Bild und Schrift schon immer faszinierend. Erstmals kam ich damit in Berührung als ich die Plattencovers der Sammlung meiner Eltern angeschaut habe. Entgegen dem Ratschlag meiner Lehrer habe ich schon während den Ausbildungsjahren damit begonnen, Konzertplakate zu gestalten und sie abends in einem Siebdruckkurs zu vervielfältigen. Da ich selbst in Bands spiele und in der Musikszene aktiv war und immer noch bin, komme ich dadurch immer wieder zu Aufträgen.

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Was reizt dich an der Gestaltung eines Konzertposters?

Es ist eine Gelegenheit, die drei Dinge zu verbinden, die mich umtreiben und inspirieren: Illustration, Typografie und Musik. Der Versuch, ein Bild für das Unsichtbare zu finden, reizt mich. Das Konzertplakat ist in meinen Augen ein Spitzenreiter dieser Disziplin. Weil ein Konzertplakat kurzlebiger als etwa ein Plattencover ist, verspüre ich beim Gestalten weniger Druck. Dies ermöglicht einen unbeschwerteren Umgang mit dem Medium.

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Wie ist die Idee zu «Eyescream» entstanden?

Viele Leute wissen gar nicht, was ich in meinem Berufsalltag so treibe und was ich bisher alles gestaltet habe. Darum ist «Eyescream» auch ein Vehikel, um meine künstlerische Identität sichtbar zu machen.

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Was ist es für ein Gefühl, wenn man sein bisheriges Schaffen als Buch in den Händen hält?

Es sind gemischte Gefühle. Auf der einen Seite Genugtuung, wenn aber diese dann mal «überwunden» ist, kommt – so hoffe ich – eine gesunde Zäsur und eine Klarheit, was als nächstes zu tun ist.

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Konzertplakate waren vor allem zwischen 1980 und 2010 beliebt. Was für Projekten widmest du dich heute?

Ich gestalte nach wie vor vereinzelt Konzertplakate, jedoch vermehrt Plattencovers oder Logos. Zudem mache ich auch simplere Grafik- und Layoutarbeiten, aber auch aufwändigere Illustrationen. Und im Moment habe ich das Linolschneiden und -drucken wieder für mich entdeckt.

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þDie Publikation «Eyescream» ist im Onlineshop von Blackyard erhältlich.

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ƒDie Buchvernissage ist öffentlich und findet am 31. Oktober, um 17 Uhr im Atelier von Blackyard, wo Philipp Thöni Mitinhaber ist, statt (Nydeggstalden 1a).

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ƒAm Donnerstag, 7. November, findet zudem im Stauffacher Bern eine Signierstunde statt (19 bis 20 Uhr).

2014 haben die beiden Grafikdesignerinnen Sabine Affolter und Katja Rüfenacht von der Berner Design Stiftung einen Förderbeitrag für die Vermarktung ihres Projekts “Dolografie” erhalten. Dabei handelt es sich um ein visuelles Kommunikationsinstrument zur Beschreibung von Schmerz, das in der Medizin Gebrauch findet. In der Sendung «nano» auf 3Sat wurde kürzlich über das Projekt, welches heute von Sabine Affolter weitergeführt wird, berichtet.

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Hier geht es zum Beitrag (ab Minute 22:30).

Flucht, Ankunft und Selbstbestimmung sind Themen, die nicht nur Erwachsene beschäftigen. Mit ihrem von der Berner Design Stiftung geförderten Projekt «Grau blau miau» zeigt die Berner Illustratorin Alice Kolb, wie diese Themen Kinder und Jugendlichen vermittelt werden können. 2017 war das Booklet um die Geschichte des Jungen Milo, der sich in einer neuen Lebenssituation zurechtfinden muss und dabei Unterstützung von einem Kater erhält, bereits in der Bestform im Kornhausforum zu sehen. Jetzt ist «Grau blau miau» auch als interaktive App für das iPad erhältlich. Die Idee dazu kam Alice Kolb als sie für das Fumetto Comicfestival einen digitalen Ausstellungsrundgang konzipiert hat. Bei ihren Recherchen dazu hat sie sich mit Themen und Fragestellungen auseinandergesetzt, welche sie teils in ihrem Kinderbuch- und App-Projekt «Grau blau miau» vertieft hat. «Die App und das Heft können unabhängig voneinander genutzt werden. Die zwei Formate bedienen unterschiedliche Interessen», sagt Alice Kolb. So gibt die App Kindern beispielsweise die Möglichkeit, ihre eigenen Ideen in die Geschichte einfliessen zu lassen: Mithilfe eines Bau-Spiels können sie aus Elementen der Geschichte ihre eigene Welt kreieren. Dabei kann man selbst Bilder gestalten und als digitale Postkarte versenden oder auf der Website www.graublaumiau.ch hochladen. Zudem bieten der Sound und die Animationen einen anderen Zugang zur Geschichte. Diese neuartige Form des Kinderbuches befindet sich an der Schnittstelle zwischen Gestaltung und Programmierung, was auch mit grossen Herausforderungen verbunden ist. So geht die App-Programmierung beispielsweise mit einem grossen finanziellen Aufwand einher. Dies dürfte mitunter der Grund dafür sein, dass das Angebot an solchen Apps bisher überschaubar ist. «Es gibt wenige gut durchdachte und schön gestaltete Apps. Deshalb ist für Illustrator*innen und Designer*innen ein grosses Potenzial vorhanden, im digitalen Bereich zu arbeiten», so Alice Kolb.

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Die App «Grau blau miau» kann kostenlos heruntergeladen werden, das gleichnamige Booklet ist im «erlesen» im Progr erhältlich oder kann direkt über Alice Kolb bezogen werden.

Zuallererst einmal: Was bedeutet NCCFN?

Am wichtigsten ist, dass der Name nicht gleich als «Modelabel» auffällt. Sondern genauso gut ein französisches Zugunternehmen sein könnte. Und umso weniger der Name über uns verrät, umso mehr Gehalt hat unsere Arbeit. Die Buchstaben können frei interpretiert werden und für unterschiedliches stehen, so wandelbar wie wir als NCCFN sind: zum Beispiel «Nothing Can Come From Nothing» (ex nihilo nihil fit).

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Ihr seid ein Designkollektiv, das immer wieder aus neuen Mitgliedern besteht. Wie findet ihr jeweils zusammen?

Ja, wir sind ein Kollektiv. Im engeren Sinne natürlich auch ein Designkollektiv, aber eben nicht nur. Wir sehen NCCFN mehr als ein Netzwerk, welches wandelbar ist, welches mit verschiedenen Disziplinen durch die Mode kommuniziert. Das Kollektiv besteht neben Mode- und Grafikdesignern ebenso aus Artisans (Handwerker) wie z.B. Schneiderinnen, Siebdruckern sowie Protagonisten, Performern und Models. Weiter sind da auch noch Musikproduzenten und natürlich Video-Creators und Webdesigner. Und doch ist jedes Mitglied dabei Mitgestalter eines Ganzen und somit auch am Designprozess beteiligt.

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Wir finden uns Projekt und Themenspezifisch. Oft hat es einen sehr intuitiven und natürlichen Ursprung, da wir einander eben ständig mit anderen vernetzen und ein Gespür dafür besitzen, welche Personen (Designer, Künstler) in diesem Moment fördernd für andere Mitglieder sein könnten.

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NCCFN ist ein relativ junges Label. Mit was für Herausforderungen habt ihr zu kämpfen?

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Mit unserer «kontroversen» Position, haben wir uns die Herausforderung wortwörtlich gesucht – und sie auch gefunden. Da wir keine Probleme damit haben, mit den Problemen des globalen Mode-Business umzugehen, schaffen wir uns ganz bewusst und gerne KritikerInnen. Dadurch einen Diskurs entstehen zu lassen, ist uns wichtig.

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Wenn es um unsere «politische» Haltung geht und um unsere Freiheit an sich, sind wir mit unserer Positionierung konfrontiert. Wir müssen beispielsweise entscheiden, ob gewisse Projekte oder Zusammenarbeiten uns entsprechend repräsentieren. Somit sind wir der Kategorisierung von uns selbst gezwungenermassen ausgesetzt. Diese Kategorisierung durchbrechen wir wiederum mit unserem Schaffen. Das heißt, wir sprechen über marktstrategische Positionierung. Diese Positionierung entsteht bei uns nicht durch berechnetes Marketing, sondern durch echte Zusammenarbeit, die für die Betrachter auch nicht so einfach einzuordnen ist. Dies wiederum fordert den «heutigen Kunden».

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Die Konsumenten/Kunden herauszufordern, ist unsere eigentliche Marktstrategie: Dem «heutigen Kunden» eine Selbstbestimmung zu ermöglichen – in seiner Betrachtungsweise, bezüglich unserer Produkte, bezüglich uns als Produzenten – ist für uns relevant.

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Und unsere Freiheit zu bewahren: Nicht nur mit spezifisch repräsentativen Personen eines Trends, eines Genres oder Stils zusammen zu arbeiten oder nur in spezifischen Märkten repräsentiert oder verkauft zu werden.

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Ihr kreiert Mode aus den Restposten von Kleiderbrands. Was ist jeweils der Ausgangspunkt: Das verfügbare Material oder die Designidee?

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Wir arbeiten mit dem Bestehenden: Die Designidee entsteht durch das Material, dass wir erhalten und durch die Personen, welche die Kreationen tragen und repräsentieren.

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Globale Überproduktionen sind referenzlos in ihrer Herkunft und Herstellung, jedoch geladen mit Resonanz, welche wir wiederum in einen neuen Kontext werfen und somit ästhetisch und inhaltlich aneignen. Dadurch entsteht eine neue Wertbeziehung.

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Es ist eine Limitierung des Designprozesses. Diese Umkehrung der Designmethodik ist in einer Umgebung des Überflusses – vom Material bis hin zum Überfluss von Möglichkeiten – notwendig und einfach Sinn gebend.

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Was wurde euch durch die Unterstützung der Berner Design Stiftung ermöglicht?

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Die Kollektion «19.90 is still not 20.-» umzusetzen. Und Mitgliedern/Mitschaffenden, einen Pauschalbetrag zahlen zu können. Zudem konnten wir unser Arbeiten in der Theorie weiterentwickeln und einen «Konzeptualisierungsprozess» durchlaufen, wie wir weiterhin beständig bleiben und uns als Netzwerk entwickeln können. Diese lokale Form der Unterstützung hat einen sehr nachhaltigen Gehalt für junge Kulturschaffende wie wir es sind. Denn nicht nur die finanzielle Zusprache motiviert, weiter zu gehen und sich zu professionalisieren. Die Ausstellung BESTFORM ermöglicht es zudem, diese Anerkennung zu teilen, und unsere Arbeit einem Publikum zu kommunizieren. Diese Transparenz macht die Unterstützung der Berner Design Stiftung besonders.

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Welche Projekte stehen demnächst an?

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Die Kollektion «19.90 is still not 20.-» wird weiterentwickelt, d.h verschiedene Mitglieder unseres Netzwerkes entwickeln Looks, Stücke und Accessoires weiter. Diese Stücke sind, «solange der Vorrat» reicht, bei uns temporär erhältlich.

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Auch im Ausland werden wir einige Projekte haben. Darauf freuen wir uns sehr. Ganz im Sinne von “We local – We global”, um Globalität positiv nutzen zu können. Eines der wichtigsten Anliegen ist, dass wir als Gruppe und Produzenten unterschiedlichste «Gesellschaftsklassen» repräsentieren. Diese Diversität wird bei unseren «Konsumenten» beibehalten. Wir werden dieses Jahr mit Stores und Brands zusammenarbeiten. Konkret heisst das, dass die Überproduktionen oder Restposten eines Stores nachdem Designprozess für den Verkauf wieder in genau diese Läden kommen.

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Damit machen wir einen weiteren wichtigen Schritt und zeigen auf, dass unsere Methodik rationalisierbar ist. Wie z.B. in einem Sortierwerk in Indien: Effektiv werden dort Looks aus Restposten direkt vor Ort produziert. Wir interessieren uns auch für den dokumentarischen Aspekt: Mit dem uns vertrauten Medium Film werden wir unsere Sicht auf die dortige Umgebung auf einer künstlerischen und politischen Ebene kommunizieren.

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Wir sind zudem zu unterschiedlichen Diskussionen geladen. Einen Diskurs über unsere Schaffensweise und Zusammensetzung in dieser Branche führen zu können, ist uns extrem wichtig. Diese Auseinandersetzung nun auch international führen zu können – etwa am Austrian Center for Fashion Research – ist überaus wertvoll und erfreulich.

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Die Modedesignerin Nina Jaun von NCCFN wird auch an der Podiumsdiskussion der Berner Design Stiftung zum Thema «Designkollektive im digitalen Zeitalter» teilnehmen.

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ƒDer kostenlose Anlass findet am 25. April, um 19 Uhr, im Stadtsaal des Kornhausforum statt.

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Mit dabei sind auch der Illustrator Jared Muralt, die Produktdesignerin Lisa Ochsenbein sowie die Textildesignerin Mirjam Huwiler. Moderiert wird der Anlass von Lela Scherrer, Fashion und Concept Designer.

Die kantonale Sammlung angewandte Kunst umfasst viele Objekte wie beispielsweise Plakate, Holzschnitzereien, Keramik oder Schmuck. Seit wann gibt es diese Sammlung?

Die Sammlungstätigkeit begann 1869 mit dem Aufbau einer Muster- und Modellsammlung, welche man im Kornhaus in Bern zeigte. Später wurde sie Gewerbemuseum Bern genannt. Seit 150 Jahren wird die Sammlung jährlich erweitert, seit 2007 durch die Berner Design Stiftung im Auftrag des Kantons.

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Was sind die Kriterien, die ein Designobjekt erfüllen muss, um Teil dieser Sammlung zu werden?

Das Ziel des Sammelns ist die Dokumentation der Berner Designszene. Die Objekte verfügen über eine Vermittlungsqualität: Sie zeigen exemplarisch eine besondere Funktion, eine ästhetische Haltung oder eine technische Neuerung auf. Sie markieren oft auch einen wichtigen Entwicklungsschritt innerhalb einer Designerlaufbahn.

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Die drei 2018 angekauften Teppiche von Salomé Bäumlin dokumentieren beispielsweise die Auseinandersetzung dieser innovativen Textildesignerin in unserer digitalen Welt mit dem traditionellen Handwerk der Weberinnen in Südmarokko. Dies zeigt sich in den Motiven, der Technik und dem Material. Die 2017 erworbenen Porzellanobjekte von Laurin Schaub reizen die Grenzen der Funktionalität und der technischen Umsetzung durch ihre riesigen Dimensionen aus. Die Broschen von Marion Geissbühler, welche wir 2015 angekaufte haben, schuf sie aus alten Trachtenschmuck neu und verband so traditionelles Silberfiligranhandwerk mit moderner Schmuckgestaltung.

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Wer entscheidet, welche Objekte angekauft werden?

Der Fachausschuss der Stiftung, bestehend aus Experten verschiedener Designbereiche, entscheidet aufgrund meiner Vorschläge. Ich beobachte laufend das Schaffen der Berner Designer*innen. Manchmal werden auch Werke angekauft, welche die Stiftung Jahre zuvor als Projekt gefördert hat und nun zur Reife gelangt sind.

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Die Sammlung ist nicht öffentlich zugänglich. Wo können Interessierte diese Objekte dennoch sehen?

Die Sammlung befindet sich im Depot des Archäologischen Dienstes des Kantons Bern. Von einigen Objekten sind Fotografien auf unserer Website zu sehen. Anlässlich der Bestform zeigen wir jeweils Objekte aus verschiedenen Zeiten und Bereichen. 2019, zum 150. Geburtstag des Gewerbemuseums, sind historische Werke aus den Anfängen zu sehen, die einst ebenfalls im Stadtsaal des Kornhausforums ausgestellt waren.

Die Berner Design Stiftung vergab den Berner Design Preis dieses Jahr bereits zum achten Mal. 2019 ging die Auszeichnung an den Berner Uli Huber. Wie kein anderer hat er als Chefarchitekt das Bild der SBB und somit auch jenes der Schweiz mit Engagement, Gestaltungswillen und einer Vision geprägt. «Die Berner Design Stiftung ehrt den Architekten und Designer Uli Huber für seine Pionierarbeit im Bereich der institutionellen Architektur. Sein Gestaltungswille manifestiert sich in einem Gesamtkunstwerk, das alle Disziplinen miteinbezieht. Er hat eine breite Öffentlichkeit darauf aufmerksam gemacht, dass die Identität einer Institution sowohl in der Architektur, dem Produktdesign als auch in der Grafik zum Ausdruck kommt», sagt Anna Niederhäuser, Präsidentin des Fachausschusses der Berner Design Stiftung.

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Die Preissumme beträgt 15’000 Franken. Nach dem Prinzip der Patenschaft gibt der Preisträger 5’000 Franken davon an eine förderungswürdige Gestalter*in weiter. Die Stiftung verfolgt damit gleichzeitig ihr Ziel der Nachwuchsförderung. Uli Huber hat als «Newcomerin» die 34-jährige Produktdesignerin Lisa Ochsenbein gewählt. Die heute in Zürich ansässige Bernerin hat diverse Projekte wie etwa das Taschenlabel «Nasire» initiiert und leitet die Tandemprojekte des «Design und Technology Lab» der Eidgenössischen Technischen Hochschule Zürich und der Zürcher Hochschule der Künste.

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Mit zahlreichen Gästen wurde am 28. März die Bestform 2019 eröffnet und der Berner Design Preis verliehen. Köbi Gantenbein, Chefredaktor des Hochparterre, hielt für Uli Huber eine musikalische Laudation. Hier ist seine Lobeshymne nachzulesen.

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Bis am 24. März ist deine Installation «Modularity Is Interaction» in der Ausstellung «Home Futures» im Design Museum London zu sehen. Die Schau geht der Frage nach, ob wir heute tatsächlich so wohnen, wie das Architekten und Designer zu Beginn des 20. Jahrhunderts vorausgesagt haben. Wie denkst du darüber?

Die weltweite Bevölkerung wächst und lässt sich vermehrt in den Städten nieder. Einen direkten Kontakt zur Natur haben wir heute kaum mehr. Hatten einst viele Menschen den Traum von Einfamilienhaus nach amerikanischem Vorbild, so beginnt die Menschheit heute endlich, auf die ökologischen Probleme zu reagieren. Die Räume wie auch die Ressourcen schwinden. Die Klimaveränderung wird die Wohnräume und somit auch die Architektur verändern, so etwa, wenn alle auf ihren Dächern Solarpanels installieren. Was ist ästhetischer Hinsicht nicht gerade schön wäre… Da sind längerfristige Lösungen gefragt. Und es stellt sich natürlich auch die Frage, wie man mit all den geschützten Bauten umgeht, um diese ökologischer zu machen. Wie würde Paris da aussehen? Auch die Technologie verändert viel, alles wird optimiert und wird werden zu effizienten Produzenten. Wir betrachten Maschinen als die Perfektion, die es zu imitieren gilt. Ich glaube, dass es nicht lange so weitergehen kann. Die steigende Bevölkerung und deren Verarmung ? in der Schweiz wie auch anderswo ? wird die Leute dazu bringen, über gemeinschaftliches Wohnen nachzudenken. Dies könnte insbesondere in Bezug auf ältere Menschen, die oft allein sind, eine Chance sein. Vielleicht ist es auch denkbar, dass die Menschen ihre Häuser in eine Art offene Struktur à la Airbnb verwandeln. Ich glaube, dass das künftige Wohnen ein Gleichgewicht zwischen der Technologie (Schnelligkeit) und der menschlichen Erfahrung (Musse) ist.

Die Installation «Modularity Is Interaction” hast du erstmals 2015 für die Ausstellung «Rethink The Modular» von USM realisiert. Was ist die Idee dahinter?

Es geht darum eine Verbindung zwischen dem Mensch und der Maschine darzustellen. Für die Installation habe ich mit verschiedenen Designer*innen zusammengearbeitet. Linn Kandel und Sylvain Aebischer haben an einem Mobile gearbeitet. Yann Matyhs und Manuel Amaral Netto haben ein Kissen, das in gewisser Weise «atmet» entworfen. Marie Douel und Christophe Guberan haben zwei Kreise, die sich vertikal auf einem Netz von Draht bewegen, kreiert. Valentine Dubois und Sarha Duquesne haben Pendel entwickelt. Mathieu Rivier, Pauline Saglio und Joëlle Aeschlimann haben die Mechanik der Installation erarbeitet. Gemeinsam liessen wir uns von der Rube-Goldberg-Maschinen, den Heath-Robinson-Apparaten, den Maschinen von Tinguely oder der Solar-Do-Nothing-Machine von Charles und Ray Eames inspirieren. Auch das Triadische Ballett von Oskar Schlemmer diente uns als Inspirationsquelle. Also alles Referenzen, bei denen die Technologie bzw. die Maschine präsent ist, aber eine surrealistische Note erhält.

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Relativ schnell haben wir an einer Art Kettenreaktion gearbeitet, die verschiedene Bewegungen auslöst ? natürliche, aber auch künstliche. Wie die zuvor genannten Maschinen, die uns inspiriert haben, dient die Installation eigentlich keinem bestimmten Zweck. Sie spielt darauf an, dass der Mensch heute mehr und mehr einer Maschine ähneln will.

Das Design Museum London ist auf dich zugekommen, um die Installation in die Schau «Home Futures» zu integrieren. Was wurde dir durch die Unterstützung der Berner Design Stiftung ermöglicht?

Es ist schwer vorstellbar, dass so ein Projekt enorm viel Zeit, Energie und Mittel erfordert. Immer wenn ich ein Projekt in Angriff nehme ? auch wenn die erste Idee vielleicht nicht rational ist ? möchte ich es auch realisieren. 2015 habe ich das Projekt mit einem minimalen Budget für Material und Transport initiiert. Die Anfrage des Design Museum London ist für mich eine Anerkennung für all das, was ich in das Projekt investiert habe. Ich bin sehr stolz, dass das Projekt jetzt neben einem Bild von Goldberg und vielen weiteren Werken, die die Geschichte des Designs und der Architektur geprägt haben, gezeigt wird.

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Das gezeigt Projekt ist eine Weiterentwicklung der ersten Idee. Ich habe dafür mit Mathieu Rivier, der sich auch bei der ersten Version um die elektromechanischen Aspekte gekümmert hat, gearbeitet. Diese mussten, wie auch die ästhetischen Aspekte, nachbearbeitet werden. Die Unterstützung der Berner Design Stiftung hat mir erlaubt, zusammen mit dem begrenzten Budget des Design Museum London, das Projekt zu überarbeiten.

Wie geht es mit dem Projekt «Modularity Is Interaction» weiter nach der Ausstellung in London?

Da die Ausstellung «Home Futures» eine Zusammenarbeit des Design Museum London und dem Ikea Museum ist, wird die Installation auch im Ikea-Museum in Älmhult gezeigt werden.

Kürzlich hast du für die britische Firma Established & Sons die Leuchte «Light Light» entworfen. Du hast auch schon mit Hay und Moustache zusammengearbeitet, bist also international tätig. Wieso bist du mit deinem Studio dennoch in Biel ansässig?

Es war nicht unbedingt eine bewusste Entscheidung, mein Atelier in Biel zu haben. Mir war es wichtig, an einem praktischen Ort zu arbeiten. Ich komme aus Malleray, das liegt im französischsprachigen Berner Jura. Das Gymnasium habe ich in Biel absolviert, der « Grossstadt » der Region. Nach einem Aufenthalt in Lausanne, hatte ich 2013 die Gelegenheit, in ein wunderschönes Atelier eines Freundes im Zentrum von Biel zu ziehen. Damals habe ich ein Projekt rund um Leuchten mit dem Architekturbüro KWSA aus meinem Dorf begonnen. Ich bin auch aus privaten Gründen in der Region geblieben. 2017 habe in Biel ein neues, grösseres Studio mit zwei Freunden bezogen.

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Ich liebe Biel. Durch ihre Zweisprachigkeit ist die Stadt eine Art Fusion der Schweiz. Das gibt einem das Gefühl, in einer grossen Stadt zu leben, die nicht so stolz ist, wie andere Schweizer Städte. Zudem ist die Stadt geographisch sehr praktisch gelegen und die Arbeitsflächen und Wohnungen sind bezahlbar. Was nach Biel kommt, wird sich zeigen.

Was begeistert dich immer wieder an deinem Beruf als Modedesigner?

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Das Neue. Jede Saison wiederholen sich zwar die Arbeitsabläufe, aber alles andere ist immer neu: neue Modelle, neue Stoffe, neue Herausforderungen und neue Probleme, die es zu lösen gilt.

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Was sind die Hürden für ein Männermodelabel?

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Der “heutige” Mann ist zwar schon sehr viel offener als vor 10 Jahren, aber meistens kauft er nur neue Kleider, wenn er etwas braucht, das heisst, wenn sein Lieblingsteil kaputt ist. Ihm etwas Neues verkaufen zu können, das er zudem noch gar nicht kennt, ist sehr schwierig. Wenn ich ihn aber überzeugen kann, habe ich meistens einen neuen, treuen Kunden gewonnen.

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Inwiefern haben dir Fördergelder, wie jene der Berner Design Stiftung, weitergeholfen?

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Die Fördergelder und Beiträge haben mir geholfen, Produktionen zu finanzieren, die ich sonst allein nicht hätte realisieren können. In der Mode muss alles vorfinanziert werden – beispielsweise die Stoffe und die Produktion – und das Geld kommt erst ein Jahr später wieder rein, wenn die Kleidungsstücke auf dem Markt erhältlich sind. Sehr geholfen hat mir auch das Auslandstipendium der Berner Design Stiftung, ohne welches ich das Universum von Adrian Reber in Paris nie hätte festigen und präsentieren können.

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Was für Projekte stehen demnächst an?

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Die neue Kollektion fertigstellen und präsentieren. Zudem plane ich, in Pop-Up-Läden präsent zu sein, um die Kollektionen zu vertreiben. Das Highlight des Jahres wird eine Ausstellung sein, die gegen Ende Jahr in Bern zu sehen sein wird. Dafür habe ich ein seit langem geplantes Kunstprojekt mit einem befreundeten Künstler realisiert.

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Kommende Woche übernimmt Adrian Reber unseren Instagram-Account. Der Berner, der mehrmals von der Berner Design Stiftung gefördert wurde, gibt uns einen Einblick in seine Tätigkeit als Modedesigner. Bist du auch den Förderangeboten der Berner Design Stiftung interessiert? Dann registrier dich bis am 5. Februar für die Förderangebote > www.bernerdesignstiftung.ch

Als Inspiration für die Inszenierung am Designers’ Saturday diente der neue Webauftritt der Berner Design Stiftung, der durch starke Farben und spielerische Elemente gekennzeichnet ist. Bei der Szenografie spielte das Klangerlebnis eine zentrale Rolle: Der Leitidee «Dreiklang» folgend, schaffte ein Klangvorhang Resonanz für Berner Design. In drei diversen Nischen wurden die Tätigkeiten födern, vermitteln und sammeln präsentiert. Projekte von geförderten Designern, Impressionen der Bestform und der neuen Website sowie Objekte aus der Sammlung verdeutlichten, dass die Berner Design Stiftung mit ihrer Vielfalt an Tätigkeiten und Angeboten im Designbereich eine in der Schweiz einmalige Institution ist.

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Im Atelier an der Bornstedter Strasse haben wir unser temporäres Büro eingerichtet. Ein Ortswechsel hat – schon nur durch die geänderte Architektur und die Beschränkung in den Arbeitsmaterialien – grossen Einfluss auf die eigene Arbeit.

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Der Ausflug zum Bauhaus nach Dessau war für uns extrem inspirierend. Auf der Aufnahme sieht man uns vor der «Trinkhalle» von Mies van der Rohe aus dem Jahr 1932 (Rekonstruktion 2010).

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Das in Berlin ansässige Deutsche Institut für Normung ist für uns ein wichtiger Ort zur Recherche. In unserer Arbeit befassen wir uns oft mit Normierungen und Standards und uns interessiert deren Bedeutung für die tägliche Projektarbeit.

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Wir schauen uns viel Architektur an und besuchen zahlreiche zeitgenössische Ausstellungen. Das kulturelle Angebot in Berlin ist riesig.

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Nicht zuletzt geniessen wir natürlich auch die vielen Restaurants und Bars in Berlin und treffen uns mit Leuten, tauschen uns aus und knüpfen Kontakte.

Für Daniela Huber ist eigentlich fast das ganze Jahr Winter – zumindest was ihre Arbeit als Modedesignerin angeht. Wie der Name ihres Labels Sloww schon verrät, hat sich die gebürtige Österreicherin, die seit vielen Jahren in Bern lebt und arbeitet, bewusst für einen anderen Kollektionsrhythmus entschieden, als er in der Modebranche üblich ist. Weil der bedachte Umgang mit Ressourcen für die Designerin sehr wichtig ist, entwirft sie Kollektionen, die fast das ganze Jahr getragen werden können: Jacken, Hoodies und Capes aus Naturmaterialien wie Merinowolle, Alpaka oder Cargora (erste zertifizierte Angora-Faser) sind kennzeichnend für Sloww.

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Mit ihren zeitlosen Kleidungsstücken, die aus italienischen Stoffen bestehen und in einer familiengeführten Manufaktur in Bayern hergestellt werden, hat Daniela Huber auch den Fachausschuss der Berner Design Stiftung überzeugt und so einen Förderbeitrag für die Herstellung ihrer Herbst-/Winterkollektion 18/19 erhalten. «Dies ist eine wertvolle Unterstützung, um nicht nur Prototypen sondern auch serienreife Verkaufsmuster herstellen zu können», sagt Daniela Huber. Ende letzten Jahres wurde die 12-teilige Kollektion, bei der vor allem Stein- und Taupetöne vorherrschen, entwickelt. Kommende Woche übernimmt die Designerin den Instagram-Account der Berner Design Stiftung und gewährt uns einen ersten Blick auf ihre neue Kollektion, deren Vermarktung schon in vollem Gange ist.

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Bereits zum sechsten Mal findet am 26. Mai die Modenschau Loufmeter in der Berner Altstadt statt. Erstmals mit dabei ist dieses Jahr auch die Modedesignerin Tabitha Wermuth, die von der Berner Design Stiftung mit einem Startbeitrag unterstützt wird.

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Minimalistisch, tragbar und vegan: Mit ihren Kreationen, die sie unter dem gleichnamigen Label entwirft, trifft Modedesignerin Tabitha Wermuth genau den Zeitgeist. Dass sich die Bernerin Nachhaltigkeit auf die Fahne geschrieben hat, zeigt auch ihr Werdegang: Nach einer Ausbildung als Bekleidungsgestalterin an der BFF in Bern hat sie anderthalb Jahre für das Berliner Label Format gearbeitet, welches ebenfalls für fair produzierte Mode steht. 2016 hat Tabitha Wermuth schliesslich ihr eigenes Label gegründet. Vom Entwurf bis hin zum fertigen Kleidungsstück stellt die Designer alles selber in ihrem Atelier in Wabern her. Sie arbeitet ausschliesslich mit GOTS (Global Organic Textile Standard) zertifizierten Naturmaterialien. Gerade wenn es um die hochwertigen Stoffe geht, kann eine Unterstützung wie jene der Berner Design Stiftung, den Unterschied machen. «Durch den Startbeitrag konnte ich mehr Stoff kaufen, um für den Loufmeter und den Verkauf im Kornhausforum auch mehr Stücke herzustellen», sagt Tabitha Wermuth.

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Nebst den Kreationen aus der aktuellen Frühling-/Sommerkollektion wird Tabitha Wermuth am Loufmeter auch schon erste Teile aus der Herbst-/Winterkollektion zeigen. «Ich bin gespannt auf diese neue Erfahrung. Es ist das erste Mal, dass ich meine Arbeit in einer Modenschau präsentieren darf», so die Designerin.

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Die Berner Design Stiftung unterstützt den Modeevent Loufmeter seit der ersten Ausgabe 2013 mit je CHF 500 pro Label aus dem Kanton Bern. Tabitha Wermuth erhält als Newcomerin einen zusätzlichen Startbeitrag.

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ƒ Samstag, 26. Mai, 14 Uhr

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¤ Modeverkauf/Showroom: 11 bis 20 Uhr, Kornhausforum

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> www.loufmeter.ch

Von Anna Hallers frühem Schaffen in Biel ist neben Schülerarbeiten wenig namentlich gesichert. Obwohl sie als Gestalterin hervorragende Lederarbeiten und Gebrauchsgrafik hinterliess, ging sie vor allem als «Blumenmalerin» in die Geschichte ein. Der Blumenmalerei widmete sie sich nach einem Studium in München um 1905 bis zu ihrem Lebensende, finanzierte damit ihren Lebensunterhalt und konnte sogar ihre Familie damit unterstützen. Aus gesundheitlichen Gründen zog sie zu ihrer Halbschwester und Künstlerin Mili Weber nach St. Moritz (Mili Weber Haus, Museum und Stiftung).

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Berufsbegleitend zur Lehre in einem Atelier für Uhrenschalendekoration in Biel besuchte Anna Haller ebendort das Technikum und schloss 1898 als erste Frau mit einem Diplom ab. Im selben Jahr weilte sie für ein mehrmonatiges Praktikum bei Georg Hulbe in Hamburg. Er war der bekannteste Lederkunsthandwerker seiner Zeit mit einer florierenden Werkstatt mit rund 200 Mitarbeitern. Von ihm zeigen wir eine 1897 entstandene Bürstentasche in Lederschnitttechnik mit Weidenkätzchen dekoriert. 1899 erhielt Anna Haller als erste Frau einen Lehrauftrag am Technikum und unterrichtete samstags Lektionen in Ledertechnik. Engagiert wurde sie von ihrem Lehrer Ferdinand Huttenlocher. Der ursprünglich aus Deutschland stammende Bildhauer war zuerst Fachlehrer an der Schule für Holzbildhauerei in Brienz, wechselte dann ans Technikum Biel und später an die Kunstgewerbeschule Bern.

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Nebenbei arbeitete Haller bei Albert Renggli in dessen Atelier in Biel. Renggli, ausgebildeter Kaufmann ohne kunsthandwerkliche Ausbildung, übernahm 1895 alleine ein bestehendes Geschäft. Er spezialisierte sich als «Dekorateur» auf Uhrenschalendekoration, liess ein spezielles Verfahren patentieren und hinterlegte Muster beim Eidgenössischen Institut für Geistiges Eigentum. Wohl dank der Mitarbeit von Anna Haller wurden ab 1899 Lederarbeiten für Möbel zu einem weiteren Markenzeichen seines Ateliers. Vom Atelier Renggli besitzen wir eine mit Narzissen verzierte Schreibmappe in geprägter Ledertechnik. Unten links findet sich der Blindstempel ALBERT RENGGLI/ BIEL. Das Werk dürfte von Anna Haller selber stammen.

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Welch hervorragende Gestalterin in Lederschnitttechnik Anna Haller war, beweisen die 44 Ständeratssitze im Nationalratsaal, die sie zwischen 1899 bis 1901 fertigte. Sämtliche Sitze sind mit ALBERT RENGGLI/ BIEL signiert. Dass die Lederarbeiten von Anna Haller ausgeführt wurden, ist inzwischen gesichert. Der Gesamtentwurf für das Ensemble wird Ferdinand Huttenlocher zugeschrieben.

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Aus der Zeit der Lehrtätigkeit Anna Hallers am Technikum Biel (1899 bis 1907) präsentieren wir ein paar Schülerarbeiten der Fachklasse für Graveure und Ziseleure am Technikum Biel. Zwei Blumenstudien stammen vom Wintersemester 1902/03, das eine mit Akeleiblättern siginiert von A.G., das andere mit Stiefmütterchen signiert mit Al. Graber. Das Ornamentblech mit Schriftübungen, signiert mit A.GRUPP Dez. 1903, vermittelt ein unmittelbares Bild aus dem täglichen Unterricht. Signiert von E. Grin zeigen wir zwei Ornamentbleche, eines mit einem Asternstrauss (1900-1915), das andere mit einer Lilienranke, datiert 1907.

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Eine Prägestanze mit dazugehörendem Reliefdruck, inventarisiert mit der Datierung 1900-1910, trägt die Bezeichnung «TECHNISCHE GRAVIRANSTALT BIEL». Sie ist verziert mit Pflanzenranken und Beeren (Zaunrübe?) und trägt die Signatur A. HALLER. Stammt sie etwa von Anna Haller, die selber zwischen 1895-1898 die Fachklasse für Graveure und Ziseleure am Technikum Biel besucht hatte? Dafür spräche die Tatsache, dass Anna Haller in dieser Zeit immer mit Grossbuchstaben und ohne Vornamen signiert hat und zudem auf Datierungen verzichtete. Eine eindeutige Zuordnung lässt sich leider zurzeit nicht machen. Im Schülerrodel des Technikums von 1905-1932 wird noch ein Albert Haller erwähnt, von dem wir aber sonst nichts kennen.

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Von dieser aussergewöhnlichen Frau gibt es aus der Frühzeit wohl noch Einiges zu erforschen. Haller stellte beispielsweise in ihrer Ateliergemeinschaft mit Selma Rohn in Biel (1902-1908) weitere kunsthandwerkliche Gebrauchsgegenstände her und unterrichtete wohl auch privat.

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Die Metallsammlung insgesamt widerspiegelt eindrücklich die Geschichte der Förderung des Gewerbes und Kunstgewerbes im Kanton Bern. Anders als bei anderen Bereichen wurden glücklicherweise kaum Objekte veräussert. Nachdem gegen Ende des 19. Jahrhunderts Vertreter des Kantons Bern, der Lehrwerkstätte und der Gewerbeverbände noch in Europa herumreisten und Objekte ankauften, ging die aktive Sammlungstätigkeit für das Gewerbemuseum danach zurück. Dafür wurde sie in bescheidenerem Rahmen vermehrt auf Werke aus dem Kanton Bern gerichtet.

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In den 1930-er Jahren wurde im Bereich Metall kaum mehr regelmässig angekauft. Ergänzt wurde der Bestand aber mit zwei grossen Werkgruppen: der Sammlung Welti (1936) und der Sammlung von Karl Moser (1937/38). Es ist nicht näher bekannt, wie die Sammlung Welti ins Gewerbemuseum kam. Die Objekte sind leider nur grob datiert und auch geografisch kaum zugeordnet. Sie ergänzten aber sinnvoll die bestehende Sammlung durch Zeugnisse der Metallverarbeitung aus ganz Europa zurück bis ins 15. Jahrhundert. Der folgende Aspekt stand damals im Vordergrund: Die «Technologische Sammlung» sollte Schülern und Lehrlingen als Vorbild des Kunstschmiedehandwerks dienen. Ganz im Geist der 1930-er Jahre sollten die jungen Handwerker anhand der «Schönheit materialgerechter Gestaltung» althergebrachter Formen an die Tradition anknüpfen können. Aus der umfangreichen Sammlung zeigen wir sechs unterschiedliche Türschlösser.

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Denkt ihr beim Entwerfen einer Kollektion jeweils daran, wie ein Kleidungsstück auf dem Foto wirkt?

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Nein, der Entwurf eines Kleidungsstücks entsteht zu einem viel früheren Zeitpunkt. In der Entwicklungsphase stehen die Schlüsselteile der Kollektion, die dann auch auf den Bildern zu sehen sind, noch nicht fest. Die Inszenierung des Fotos ergibt sich erst durch die komplette Kollektion.

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Was ist die Herausforderung bei einem Mode-Fotoshooting?

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Mit den vorhandenen Ressourcen das bestmögliche Ergebnis zu erreichen. Mit jedem weiteren Shooting steht man vor neuen Herausforderungen. Das vorhandene Budget ist wichtig. Und man muss die perfekte Location und das richtige Model finden. Danach müssen die besten Looks zusammengestellt werden. Natürlich sollte auch das Wetter mitspielen.

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Was gilt es bei einem Lookbook zu beachten?

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Wichtig ist, sich auf die relevanten Bilder zu beschränken. Folgende Fragen überlegen wir uns im Vorfeld: Was möchten wir mit den Bildern aussagen? Wen möchten wir ansprechen? Was möchten wir mit den Bildern erreichen?

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Die Berner Design Stiftung hat euch mit einem Förderbeitrag für Vermarktung unterstützt. Was wurde euch dadurch konkret ermöglicht?

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Durch diese Unterstützung konnten wir ein weiteres Mal ein professionelles Fotoshooting umzusetzen, ohne dabei in finanzielle Engpässe zu geraten.

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Was hat dich am meisten beeindruckt, als du für deine Recherchen durch das urbane Paris gestreift bist?

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Während meinen Stadtwanderungen habe ich mit meiner Kamera viele Seiten der Grossstadt Paris kennengelernt. Oft bin ich morgens mit der Metro an eine Endstation gefahren und habe mich danach ins Zentrum zurücktreiben lassen. So entdeckte ich unterschiedlichste Quartiere: Ich war sehr überrascht, wie stark sich diese voneinander unterscheiden. Zum Beispiel befand ich mich im Norden plötzlich in einer quasi arabischen Subgesellschaft. Im Süden wiederum stiess ich auf Strassen voller Architektur aus der frühen Moderne.

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Auch die cité internationale des arts mit ihren 300 Ateliers mit KünstlerInnen und Gestaltenden aus aller Welt ist stark multikulturell geprägt. Dieses internationale Umfeld und der Austausch untereinander ist ein besonders fruchtbarer Nährboden, um tolle Ideen zu entwickeln und den Blick auf seine eigene Tätigkeit zu reflektieren. Die Möglichkeit, sich für sechs Monate aus dem alltäglichen Arbeitsumfeld zu lösen und sich auf eine neue Situation einzulassen, war eine aussergewöhnliche Erfahrung.

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Was war deine Motivation, dich für das Auslandstipendium der Berner Design Stiftung zu bewerben?

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Ohne das Atelierstipendium wäre es für mich nicht möglich gewesen, ein halbes Jahr in einer Grossstadt wie Paris zu arbeiten.

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Inwiefern hat dich das Auslandstipendium beruflich weitergebracht?

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Nach langjähriger Berufserfahrung und meinem eigenen Büro war es für mich eine sehr wertvolle und inspirierende Auszeit – das Auslandstipendium bot mir die Begegnung mit dem Fremden, Möglichkeiten, bekannte Wege zu verlassen und mich Neuem zuzuwenden. Ich schätzte den Freiraum, mich über das Medium Fotografie während einem halben Jahr dem Raum und dessen Wirkung anzunähern. In Zukunft möchte ich vermehrt versuchen, die gewonnenen Sichtweisen in meine Arbeit einfliessen zu lassen.

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An welchem Projekt arbeitest du derzeit?

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Im September wird im Museum Burghalde in Lenzburg eine neue Dauerausstellung zum Thema Stadtgeschichte eröffnet. Ein tolles Projekt, welches unser Büro seit längerem beschäftigt.

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Schon ein kurzer Blick hinter die Fenster der Räumlichkeiten am Randweg 11 in der Lorraine, verrät, dass sich hier das Atelier von Laurin Schaub befindet. Die kleinen Alltagsgegenstände wie etwa die Kaffeetassen mit der für Schaub typischen Marmorierung erkennt man von weitem. Der Keramikdesigner, der ursprünglich aus Luzern stammt und seit dem Besuch der Keramikfachklasse 2006 bis 2008 in Bern lebt, ist mittlerweile weit über die Kantonsgrenze hinaus für seine Werke bekannt. Wie Marmor sind auch Stein und Asphalt Oberflächen, mit denen sich der Designer immer wieder beschäftigt.

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Neben den Objekten, die durch klare Formen gekennzeichnet sind, fertigt der 34-Jährige aber auch abstraktere Gegenstände. So etwa die Vasen «Bushes & Trees», die an Hecken und Bäume in Parkanlagen erinnern sollen. Diese Linie ist auch in den beeindruckenden Objekten «Landscapes as Vessels», die Schaub während seinem Nachdiplomstudium an der HEAD in Genf 2015 hergestellt hat, auf eine subtile Art wiederzuerkennen. Für die skulpturalen Gefässe liess sich der Keramikdesigner von der Tafelkultur des Rokoko inspirieren (siehe Bild oben). Die ornamentale Formsprache der Porzellanobjekte kann derzeit in der Bestform im Kornhausforum Bern bestaunt werden. 2017 wurde «Landscapes as Vessels» von der Berner Design Stiftung angekauft. «Es freut mich, dass die Objekte durch den Ankauf der Berner Design Stiftung nach wie vor ein Gesamtwerk sind. Und es ist mir eine Ehre, dass meine Arbeit nun Teil der kantonalen Sammlung angewandte Kunst ist, die so viele spannende Designstücke umfasst», sagt der Designer.

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Laurin Schaub wird übrigens am 25. April beim Podiumsgespräch zum Thema

«Vom Entwerfen und Verwerten von Designentwürfen»

dabei sein. Weitere Teilnehmer sind:

• Florian Hauswirth Industrial Craft, Produktdesigner
• crisp id, Produktdesign-Kollektiv
• Jürg Scheidegger, Blugo GmbH, Agentur für Design, Marketing, Vertrieb
• Stefan Gelzer, Keramikdesigner und Direktor der Schule für Gestaltung Bern und Biel

moderiert wird der Anlass von Robert Lzicar, Head of MA Design, Hochschule der Künste in Bern

ƒ Mittwoch, 25. April 2017
¢ 19:00 Uhr
¤ Kornhausforum Bern,
º Stadtsaal, 1. Stock

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Ausstellung

ƒ 23. März – 29. April 2018
¤ Kornhausforum Bern,
º 1. Stock

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¢ Montag / Ostermontag geschlossen
º Dienstag, Mittwoch, Freitag:
º > 12.00 – 17.00
º Donnerstag:
º > 12.00 – 20.00
º Samstag, Sonntag, Karfreitag:
º > 11.00 – 17.00

Bei der Bestform sind jeweils ganz unterschiedliche Projekte zu sehen. Wie seid ihr vorgegangen, um diese in der Ausstellung in einen Einklang zu bringen?

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Die Vielfalt der ausgestellten Projekte ist eine grosse Qualität der Bestform und zeigt, wie breit sich die Stiftung engagiert. Wir versuchen die Ausstellungen so zu gestalten, dass es schlichte Elemente gibt, welche die Werke innerhalb der Schau miteinander verbinden. Materialien und Farben wählen wir zurückhaltend, die ausgestellten Werke sollen im Vordergrund stehen. Unsere Szenografie weist dem Besucher den Weg durch die Ausstellung und versucht, die Objekte ins Zentrum zu rücken.

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Die Designer haben sich lange mit ihren Werken auseinandergesetzt. Wie muss man sich die Arbeit mit ihnen vorstellen, wenn es darum geht, die Szenografie zu entwickeln?

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Die Zusammenarbeit mit den Designern ist immer sehr unterschiedlich. Einige überlassen uns ihre Projekte, andere sind aktiv bei der Gestaltung ihrer jeweiligen Ausstellungsflächen dabei. Oft kommt es auf die gezeigte Arbeit an, einige Objekte sprechen für sich und sind demnach auch einfach auszustellen. Andere brauchen eine Umgebung, welche das Projekt inhaltlich oder formal unterstützt. Für das Schaffen dieser Umgebung ist die Zusammenarbeit mit den jeweiligen Machern wichtig, weil sie ihre Werke am besten kennen.

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Was ist euer persönliches Highlight der diesjährigen Bestform?

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Das Re-Design des Festbank-Klassikers: Party Garnitur von Lucas Uhlmann.

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Habt ihr selber ein neues Projekt, an dem ihr zurzeit arbeitet?

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Mit unserem FEINFRACHT® Store haben wir uns ein Projekt erschaffen, an welchem wir täglich arbeiten. Aus vielen kleinen Projekten ergibt sich letztendlich unser Laden an der Kramgasse

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Die Verantwortlichen des Gewerbemuseums in Bern hatten ein gutes Gespür für Trends, als sie um 1900 vierzehn Objekte des Jugendstils erwarben. Gekauft wurde beim Kunsthändler Siegfried (eigentlich Samuel) Bing in seinem Geschäft «L’Art Nouveau» an der Rue de Provence 22 in Paris, das sogar namengebend für diese Kunstrichtung wurde.º

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Bing war ein geschickter Kunsthändler, der Werke der neuen Stilrichtung auch in Übersee verkaufte. Internationalen Ruhm erwarb er sich mit seinem Pavillon an der Pariser Weltausstellung 1900. Bing war vor allem aber auch ein leidenschaftlicher Förderer von Künstlern und Kunsthandwerkern, der es zudem verstand, asiatische und westliche Kunst zusammenzuführen. Er engagierte Kunstschaffende von Nah und Fern und liess so seine 1895 eröffnete Galerie in Paris zu einer Ausstellung für künstlerische Wohneinrichtungen werden. Für die Ausstattung dreier solcher Stilzimmer beauftragte er den belgischen Designer und Architekten Henry van de Velde. Der noch junge, innovative Künstler schuf dafür die Inneneinrichtung inklusive Mobiliar und Wanddekoration und erwarb sich bald den Ruf eines Erneuerers der angewandten Kunst dieser Zeit.º

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Unsere drei Kacheln mit den fliessenden, ornamentalen Linien werden im Katalog der grossen Wanderausstellung «L’Art Nouveau: La Maison Bing» in Amsterdam, München, Barcelona und Paris (2004-2006) ebenfalls Henry Van de Velde zugeschrieben. Die Schöpfer der beiden anderen Wandplättchen aus weissem Opalinglas mit eingebrannten Sonnenblumen und Margeriten sind hingegen nicht bekannt.º

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Der Erwerb der Jugendstil-Kacheln und deren Präsentation im Gewerbemuseum Bern ermöglichte es den hiesigen Designern, qualitativ hochstehendes Anschauungsmaterial der neuen Kunstrichtung zu haben auch ohne nach Paris reisen zu müssen.

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Spannende Geschichten zu weiteren Objekten aus der kantonalen Sammlung angewandte Kunst, gibt es derzeit in der Bestform 2018 im Kornhausforum Bern zu lesen. So zeigt die Berner Design Stiftung beispielsweise das vielfältige Schaffen von Anna Haller und ein Spätwerk von Margrit Linck-Daepp.

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Ausstellung

ƒ 23. März – 29. April 2018
¤ Kornhausforum Bern,
º 1. Stock

¢ Montag / Ostermontag geschlossen
º Dienstag, Mittwoch, Freitag:
º > 12.00 – 17.00
º Donnerstag:
º > 12.00 – 20.00
º Samstag, Sonntag, Karfreitag:
º > 11.00 – 17.00

Pünktlich zum Verkaufsstart einer neuen Kollektion lädt das Designerduo Nicole Verbeek und Evelyne Pfeffer jeweils in sein Ladenlokal an der Monbijoustrasse 99. Dort, wo die eleganten Kreationen des Labels PAMB entstehen, können sich die Kundinnen und Kunden bei einem Glas Prosecco und leckeren Häppchen die Neuheiten anschauen und die Kleidungsstücke auch gleich anprobieren. Am Samstag, 10. März, findet von 14 bis 18 Uhr das nächste Apéro statt – im Mittelpunkt steht dabei die Frühling-/Sommerkollektion «MEMFIDO NR° 2».

Bilder der neuen Kollektion werden übrigens auch in der diesjährigen Bestform zu sehen sein, die vom 23. März bis am 29. April im Kornhausforum zu sehen ist. Denn die Berner Design Stiftung hat das Berner Label 2017 mit einem Förderbeitrag für die Vermarktung ihrer neusten Kreationen unterstützt.

Ihr habt die neue Website der Berner Design Stiftung gestaltet. Was waren die Herausforderungen?

Zu Beginn war es eine Challenge, eine gute Struktur für die bestehenden Inhalte zu finden und die neuen Gefässe und deren Inhalte zu definieren. Auf der gestalterischen Ebene war es zudem eine spezielle Aufgabe, Designer als Zielpublikum zu haben, denn dies ist meist eine kritische und anspruchsvolle Zielgruppe. Dadurch wurde es zur Herausforderung, eine gute Balance zu finden zwischen spannendem, überraschendem Design sowie Übersichtlichkeit und Benutzerfreundlichkeit.

Wie ist die Idee zum jetzigen Webauftritt entstanden?

Es war für uns klar, dass die Website auf der visuellen Ebene «Design» kommunizieren muss, denn dies ist ja der Kern der Stiftung. Das heisst, dass ein Gestaltungswille spürbar sein muss. Zudem war sicherlich auch der Anspruch da, eine zeitgenössische Website zu kreieren, die sich von den bekannten Formen abhebt.

Ihr wurdet bereits selber zweimal von der Berner Design Stiftung gefördert. Was wurde euch dadurch ermöglicht?

Eine Förderung, wie diejenige der Berner Design Stiftung, bietet einem die Möglichkeit, sich für eine gewisse Zeit dem finanziellen Druck von Aufträgen zu entziehen und einem eigenen Projekt nachzugehen. Wir konnten uns intensiv mit neuen Technologien auseinandersetzen, die in unserem Arbeitsgebiet seit ein paar Jahren wichtiger sind. Zeit zu haben, sich einen eigenen, experimentelleren Zugang zu neuen Feldern zu erschliessen, ist sehr wichtig, um diesen später im Alltag einsetzen zu können.

Ein Projekt, das ihr unbedingt noch realisieren möchtet?

Wir arbeiten zurzeit an einem grösseren selbstinitiierten Web-Projekt, das wir gerne vorwärtstreiben möchten. Leider können wir noch nicht viel darüber sagen, da wir den Ideen nun erst mal Taten folgen lassen wollen.

Ansonsten gibt es als GestalterIn noch viel zu tun. Die Steuererklärung hätte auf der visuellen Ebene beispielsweise noch viel Potential. So wären die Leute vielleicht auch motivierter, sich damit auseinanderzusetzen. Aber das überlassen wir dann doch lieber anderen.

Die nächsten paar Monate werdet ihr in Belgrad verbringen. Was für Erwartungen habt ihr an diese neue Erfahrung?

Eine neue Stadt bedeutet immer neue Menschen und neue Ideen. Das kann nur guttun!

Ivan Weiss und Michael Kryenbühl arbeiten als freischaffende Gestalter unter dem Namen Johnson / Kingston in Luzern und Bern. In Auftragsarbeiten, freien Projekten und in ihrer Lehrtätigkeit setzen sie sich mit experimentellen Formen der Gestaltung auseinander. Neben Projekten im Bereich Visuelle Identität, Plakat- oder Buchgestaltung realisieren sie immer wieder Projekte an der Schnittstelle zwischen Gestaltung und Technologie.

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