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Seit mehreren Jahren widmen sich die Kommunikationsdesignerinnen Sabine Affolter und Katja Rüfenacht der Entwicklung der «Dolografie» – eine visuelle Kommunikationshilfe für die Schmerztherapie. 2013/14 wurde die Dolografie mit dem Design Preis Schweiz in der Kategorie «research» ausgezeichnet. Nach mehreren Studien u. a. in Zusammenarbeit mit dem Inselspital Bern ist das Produkt nun erhältlich. Sabine Affolter ist Mitbegründerin des Büros für grafische Gestaltung Affolter/Savolainen. Katja Rüfenacht arbeitet im Bereich Konzeption und Design bei Noord, Agentur für Konzeption und Formgebung in Bern.
Almaluna verbindet natürliche Materialien, Qualität und Komfort für jedes Alter. Die Kollektionsmodelle werden individuell angefertigt und angepasst. Die Kleider von Franziska Tschanz sprechen Kunden an, die sich für puristische, klassisch inspirierte Mode begeistern.
Anlässlich der Neueröffnung der Abeggstiftung Riggisberg 2011 wurden von Almaluna exklusive Ensembles für das Museumspersonal entwickelt und realisiert. Seit 10 Jahren führt die Modedesignerin mit dem Goldschmied Matthias Eichenberger den Laden amulett am Rathausplatz 6 in Bern.
Maria Pia Amabile hat seit jeher ein Flair für Retro Mode. Ihre besondere Vorliebe für das Schneiderhandwerk bestimmt ihre Tätigkeit als Modedesignerin. Ihre letzte Kollektion ist geprägt von klassischen und schnörkellosen Stücken mit feinen und spielerischen Details. Der zeitlose Kleiderstil von Maria Pia Amabile spricht Frauen an, die Wert darauf legen, im Alltag sowie bei besonderen Gelegenheiten individuelle und hochwertig verarbeitete Kleider zu tragen. Die gelernte Damenschneiderin studierte Modedesign an der Hochschule für Gestaltung und Kunst Basel.
Seit 1996 entwickelt und realisiert Ruth Amstutz freie Objekte und Rauminstallationen im Atelier in Bern: Weiss in Weiss. Licht und Schatten. Schwebend, leicht, in der Unschärfe entschwindend.
Die Arbeiten von Ruth Amstutz wurden in diverse Ausstellungen im In- und Ausland präsentiert.
Seit Abschluss der Keramikdesignfachklasse Bern arbeitet Christine Aschwanden als freischaffende Gestalterin im eigenen Atelier. In ihrer Werkstatt entstehen Produkte, die frei sind von den Zwängen der Massenproduktion. Einzelstücke, die von der ersten Handskizze, bis zum letzten Schliff die persönliche unverkennbare Handschrift der Designerin tragen. Objekte die Geschichten erzählen, gewohntes hinterfragen, zum Schmunzeln und Nachdenken animieren.
Periodico a été fondé en 2016 par Marc Asekhame et Teo Schifferli. Sous l’appellation de magazine Periodico fonctionne comme un support de publication indépendant.
Ce magazine doit affirmer son existence principalement à travers sa distribution, car il n’existe pas de véritable infrastructure destinée à documenter ou archiver des magazines. Le magazine est pour cette raison étroitement lié à l’époque de sa création : chaque numéro supplémentaire se manifeste à travers son contenu, mais accélère en même temps sa forme éphémère – puisqu’il sera remplacé par le numéro suivant. Periodico se veut une plateforme ouverte où sont publiées diverses pratiques artistiques et culturelles – et en même temps le fait de publier est conçu comme un acte créatif. Ainsi les catégories comme l’éditorial, la chronique et la publicité sont interrogées sur leurs possibilités : lesquels de ces aspects définissent fondamentalement un magazine, et quels sont ceux qui peuvent être modifiés, voire dont on peut se dispenser ?
atelier oï wurde 1991 von Aurel Aebi, Armand Louis und Patrick Reymond in La Neuveville in der Schweiz gegründet. Seit ihrem Beginn vor mehr als 20 Jahren versuchen sie Normen zu brechen und fördern eine disziplinübergreifende Arbeitsweise. Ihre Erfolge erstrecken sich international über die Bereiche Architektur, Innenarchitektur, Design und Szenografie. Ihre Hauptmerkmale sind Multidisziplinarität, Zusammenhalt und eine enge Beziehung zum Material. atelier oï’s experimentelle Herangehensweise verbunden mit einer intuitiven und emotionalen Wahrnehmung des Materials haben ihr Savoir-faire bekannt gemacht.
Im Atelier Pol (Juliane Wolski und Marc Zenhäusern) wird gute Gestaltung als Handwerk verstanden, bei dem gründlich Durchdachtes umsetzt wird. Fokussiert wird auf die Konzeption und die visuelle Umsetzung, wobei das Zusammenspiel von Inhalt und Form immer Kern der Auseinandersetzung ist. Pol engagiert sich nicht nur für gute Gestaltung, sondern – als Betreiber des Berner Off Spaces Grand Palais – auch für die lokale Kunstszene und eine lebendige Ausstellungskultur.
Durch den Zusammenschluss der vier Designer Samuel Coendet, Sophie Liechti, Dominique Kühnhanss und Lea Gerber ist im August 2010 das Atelier Volvox entstanden. ?Das Atelier Volvox realisiert Projekte in den Bereichen Produktdesign, Handwerk und Grafikdesign. Dabei reicht das Spektrum von der Gestaltung industriell gefertigter Güter, über Kleinserien zu eigens hergestellten Massanfertigungen im Bereich Möbel und Innenausbau.
B & R ist das 2010 gegründete Grafikdesign Studio von Noah Bonsma und Dimitri Reist. Sie realisieren Projekte in den Bereichen Branding/Identity und Editorialdesign. Der gemeinsame Nenner ihrer Arbeiten ist das Interesse an ganzheitlichen Lösungsansätzen, welche einen möglichst präzisen Umgang mit Inhalt, Typografie und Layout berücksichtigen und die Möglichkeiten der technischen Umsetzung ausreizen.
2014 entwickelte Markus Bangerter verschiedene Prototypen für Sitzmöbel, die er mit dem Werkbeitrag der Berner Design Stiftung nun realisieren konnte. Die Sitz- und Liegeflächen bestehen jeweils aus rechtwinklig zu einem flexiblen Unterbau angeordneten Prismen, welche durch die Punktelastizität des Unterbaus in der vertikalen Achse flexibel bleiben. Diese Bauweise steht als formale Analogie zur Nagelbrettoberfläche des Fakirs in einer neuen, zeitgemässen und alltagstauglichen Ausführung.
Ueli + Susi Berger prägten in ihrer 40 Jahre währenden engen Zusammenarbeit die Schweizer Designlandschaft vielfältig und nachhaltig. Ihr Schaffen war stark im Kanton Bern verankert – so zum Beispiel in der langjährigen gegenseitig befruchtenden Zusammenarbeit mit dem Unternehmen Röthlisberger in Gümligen – und strahlt dennoch bis heute hinaus in die weite Welt.
Bekannte Möbelkreationen von Ueli + Susi Berger wie beispielsweise die Wolkenlampe oder der Schubladenstapel finden sich in zahlreichen internationalen Sammlungen und Haushalten. Doch das Lebenswerk der beiden ist vielfältiger und spartenübergreifender. Gemeinsam oder einzeln haben die gelernte Grafikerin und der Maler, Künstler und Plastiker aussergewöhnliche Werke in den Bereichen Design, Kunst und Architektur geschaffen. Sie überschritten immer wieder die Grenzen der damaligen Formentradition der «Guten Form» und hinterliessen mit ihrer einmaligen Kreativität, ihrem grossen Talent und Sinn für Humor prägende Spuren. Sie experimentierten mit neuartigen Materialien und stellten bereits 1967 den Soft Chair aus Kunststoff her, der die damalige neuartige Art des Wohnens stark mitbeeinflusste. Ueli + Susi Bergers Möbel sind funktional, vermitteln aber überdies auch ihre geistige Haltung und entlocken dem Betrachter oft auch ein Schmunzeln wie beispielsweise der 5-Minuten-Stuhl aus Drahtgitter, das üblicherweise für Hühner- und Kaninchenställe benutzt wird.
Seit 2000 realisiert Doris Berner Schmuckkollektionen aus textilen Materialien.
«Lucy in the sky» ist die neuste Entwicklung aus Microfaserstoffen und Seidengeweben. Sie ermöglicht neue Gestaltungsformen, die geprägt sind von einer bestechenden Leichtigkeit und einer ganz eigenen plastischen Formensprache.
Doris Berner betreibt seit 2011 ein Atelier in Bern und nimmt regelmässig teil an Wettbewerben und Ausstellungen im In- und Ausland.
Das Schriftenlabel Binnenland wurde 2007 von den gelernten Grafikern Mika Mischler und Nik Thoenen gegründet. Ihre in den letzten Jahren entstanden Schriften sind zum Teil gezielt für grafische Arbeiten entworfen worden, aber vorwiegend aus ihrem gemeinsamen Interesse am Experiment und der typografischen Herausforderung. Binnenland wird von ihnen als ihr Buchstabenkosmos bezeichnet, über welchen sie ihre typografischen Produkte publik machen und in welchem sie ihre theoretischen Auseinandersetzungen führen.
Seit 1999 konzipiert und realisiert martinbirrer design kontinuierlich Projekte in den Bereichen Innenarchitektur, Ausstellungsgestaltung, Produkte- und Grafikdesign – vier sich ergänzende und gegenseitig beeinflussende Designdisziplinen. Corporate Identity und Corporate Design werden in unseren Projekten mit umfassenden Konzepten umgesetzt.
BlackYard ist eine Gruppe von vier Grafikern und Illustratoren, die ihre Fähigkeiten auf den verschiedensten Wegen erworben haben. Mitte 2008 schlossen sie sich zu einem Kollektiv zusammen und liessen sich im Berner Quartier Matte nieder. Im August 2009 folgte die Firmengründung. Blackyard arbeitet im Bereich Illustration und Print-Grafik, vorwiegend im Kultur- und KMU-Bereich, hin und wieder auch für Grossfirmen. Im Fokus steht dabei stets das Handwerk: BlackYard entwirft, zeichnet und gestaltet wo immer möglich in Handarbeit, gibt sich kernig und nach alter Schule und druckt bevorzugt mit Sieben oder Off-Set.
Thomas Blank arbeitet seit sechzehn Jahren mit Glas. Nach einem erfolgreichen Abschluss des Studiums der bildenden Kunst an der San Francisco State University entschied er sich, in die Schweiz zurückzukehren. Seit 2001 arbeitet er nun als selbstständiger Glasmacher und hat unter anderem in Murano wichtige Erfahrungen sammeln können.
Seit einiger Zeit führt er Arbeiten für andere Künstler und Gestalter aus und hilft ihnen bei der Umsetzung ihrer Ideen in Glas. Seine Arbeiten befinden sich im Contemporary Museum in Honolulu, im MuDac in Lausanne und in privaten Sammlungen.
Ob Fabian Blaser (1975) mehr Handwerker, Künstler oder Erfinder ist, lässt sich schwer sagen. Mit Sicherheit ist er aber ein passionierter Goldschmied, der alles, was die Welt hergibt, in Schmuckstücke verwandelt. Von edlen Metallen und Steinen bis zu Industrieprodukten und Recyclingmaterial – alles findet einen Weg an Finger, Handgelenke, Hälse oder Ohren, als Einzelstücke oder als Serie.
Daneben unterrichtet Fabian Blaser an der Schule für Gestaltung Bern angehende Goldschmiede.
Die Designerin Alexa Blum entwickelt und realisiert ihre Projekte in enger Zusammenarbeit mit Auftraggebern und Produzenten. Von der Idee über Konzeption und Realisation, bis in die Darstellung und Kommunikation. Seit 2003 führt sie ein Designbüro in Langenthal.
Der Rote Faden: Farbe, Material, Struktur. Die Projekte: Entwicklung von Teppichkollektionen, Entwürfe für Tapeten und Stoffe, Entwicklung eines Schweizer Modelabels, Entwicklung von Oberflächen für eine Möbelkollektion, Designstrategie und Kollektionskonzepte für Geschenkpapier- und Kartonagen, Farbkonzepte für Gebäude im privaten und öffentlichen Raum.
« OpaqueScript » est un script pour le logiciel InDesign permettant la simulation numérique de l’opacité des produits de conception. En papeterie, le terme opacité désigne le pouvoir masquant des papiers. Suivant le type de papier et le grammage choisi, l’impression de la feuille suivante est plus ou moins visible sous la feuille courante. Jusqu’à présent il n’existait aucune solution satisfaisante permettant de simuler cet effet de façon numérique.
Avec «OpaqueScript» B&R et Roger Burkhard ont développé un outil pour le programme de mise en page Adobe InDesign, grâce auquel il est possible de simuler de façon numérique l’opacité d’un papier. A l’aide de ce script, des documents volumineux peuvent être contrôlés de façon rapide et simple concernant les effets de transparence des papiers. Il sert à la fois d’outil créatif pour les designers, et de moyen de contrôle des données au sein du processus de production pour l’industrie de l’imprimerie.
« Hyperreflection » est une installation interactive fonctionnant comme un miroir et portail numérique vers une réalité virtuelle. Le spectateur se voit face à une multitude de reflets virtuels de lui-même. Les mouvements et visages devant le miroir sont continuellement enregistrés, analysés et imités. L’internet permet en tant que surface de projection lisse comme un miroir d’éliminer les normes sociales établies. L’ordre hiérarchique comme le statut, l’âge ou la situation patrimoniale n’y joue plus aucun rôle – tout un chacun invente sa propre image de lui-même. Aujourd’hui le monde entier nous est ouvert pour y trouver des liens, l’inspiration et le sentiment d’appartenance – en contrepartie nous devons rivaliser avec le monde entier.
Das Büro Destruct, gegründet 1994 in Bern, besteht aus den vier Gründungsmitgliedern Lopetz, HGB Fideljus, MBrunner und H1reber. «Small City – Big Design» ist das Motto der vier Berner Grafiker, deren Arbeiten in drei Monographien beim Gestalten Verlag publiziert und 2009 mit dem Berner Design Preis ausgezeichnet worden sind.
« Modularity is Interaction » est un projet manifeste sur la relation entre l’homme et la machine. Créé à l’occasion d’un workshop organisé par USM afin de célébrer le cinquantième anniversaire de leur célèbre system USM/Haller, le projet a été dévoilé pour la première fois lors du Salon du Meuble de Milan en 2015 lors d’une exposition curatée par Tido von Oppeln et Bruno Meltzer. Un souffle se transforme en une réaction en chaîne qui produit une série de mouvements mixant le naturel et l’artificiel dans une chorégraphie devenue lunaire. Des cercles se meuvent plus ou moins rapidement dans l’espace sur l’impulsion d’un souffle qui révèlent une série de signaux électroniques normalement invisibles en une danse aléatoire.
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Projet avec
Mathieu Rivier, Pauline Saglio et Joëlle Aeschlimann pour la partie interactive.
Christophe Guberan, Marie Douel, Sylvain Aebischer, Linn Kandel, Yann Mathys,Manuel Amaral Netto, Valentine Dubois, Sarha Duquesne, pour la partie physique.
Eva Bärtschi arbeitet seit 1981 als selbstständige Keramikerin. Ihr besonderes Interesse gilt Gefäss-Unikaten in Steinzeug und Porzellan. Die Arbeiten von ihr wurden an vielen nationalen und internationalen Ausstellungen gezeigt.
Seit zwanzig Jahren ist Eva Bärtschi in sozialen Institutionen als Leiterin für die Entwicklung und Produktion von Keramik verantwortlich.
Ait Selma befasst sich mit der Frage welche Produkte im Anbetracht kultureller Nachhaltigkeit heute noch produzierbar sind und findet mögliche Lösungsansätze in den sieben Merkmalen der Zen-Künste. In der wirtschaftlich schwachen Bergregion des Hohen Atlas in Marokko arbeitet Ait Selma mit lokalen Weberinnen zusammen und stellt in einer zusammenhängenden Wertschöpfungskette Teppiche in Handarbeit her. Für die Färbung der Wolle werden pflanzliche und mineralisch unbedenkliche Rohstoffe verwendet. Dabei entstehen Teppich-Unikate und Kleineditionen.
Les trois gourmets et mordus du vélo Basile Bucher, Michael Storck et Tobias Uhlmann allient les notions de gastronomie, mobilité et mode de vie de manière novatrice. Cargobeiz est un « Beiz » monté sur un vélo, un stand de marché autonome, un bar roulant ou encore une cuisine de jardin conviviale. C’est un outil permettant de créer des moments spéciaux dans des lieux spéciaux. Cargobeiz s’efforce de contribuer à une meilleure vie en ville – le vélo est une déclaration publique pour une nouvelle utilisation de l’espace. Le module de cuisine est autonome et convient à une multitude de scénarios, à l’intérieur ou à l’extérieur. Cargobeiz éveille la curiosité et devient grâce à sa taille discrète un lieu de rencontre parfait où des clients ou des amis peuvent se retrouver et interagir. La société bouge, Cargobeiz fait bouger la gastronomie.
Michele Cesta arbeitet seit 1984 als selbstständiger Keramiker in Langenthal und ist als Keramikfachlehrer an diversen Schulen in Langenthal und Bern tätig.
Sein Arbeitgebiet umfasst Gefäss-Unikate in Steinzeug und Porzellan und Kleinserien von Gebrauchskeramiken.
Fidèles à leur concept, les designers de Collective Swallow étudient dans leur quatrième collection une fois de plus le champ gustatif. « Restaurant zum Schwäbli » est un hommage au thème de la coupe et de la culture glacée en Suisse. Les deux designers reviennent dans cette collection sur leurs racines : ils ont grandi dans des villages avec des bistrots de jardin. L’inspiration leur vient des couleurs et formes des coupes de glace et des souvenirs qui y sont rattachés. Du point de vue optique leurs croquis mélangent les volumes généreux et ronds des boules de glace avec les codes du vêtement fonctionnel très populaire en Suisse. Les motifs marbrés des tissus rappellent la crème glacée fondue dans une coupe, combinés aux rayures des stries de lumière provenant des stores pare-soleil. La bourse pour le processus de fabrication a permis de développer et réaliser cette collection et enfin de la présenter à Zurich et Paris.
Nach gemeinsamer Studienzeit an der écal mit Bachelor in Produktdesign, gründen die zwei Gestalter 2006 das Studio Cosentino&Spanio. Seit dahin arbeiten sich die Beiden meist gemeinsam durch die Gestaltungsprozesse, beide mit differenzierten Sinnesstärken dotiert. In diesem Rahmen wirken sie in den Bereichen Entwurf Inneneinrichtung, Produktentwicklung, 3D-Visualisierungen. und Designforschung für nationale und internationale Kunden sowie an selbstinitiierten Projekten. Diverse Preise, Nominierungen und Ausstellungen in der Schweiz, Italien und England bestätigen die kollektive Arbeitsweise.
Schon als kleines Kind bewunderte Laura Costa mit grossen Augen die Farben und Muster der Kleider in der Boutique ihrer Eltern, die sie immer wieder in andere Fantasiewelten hinein versetzte. Heute kann Laura Costa diese Welten voller Illusionen in die Realität umsetzen, indem sie nach ihrer Vorstellung Mode kreiert. Seit 2011, nach dem Diplom an der FHNW Modedesign in Basel, arbeitet sie als selbstständige Modedesignerin.
Ihre Arbeit reflektiert oft von ihr faszinierte fremden Sitten, Bräuche und Ritualen, die sie auf ihre eigene Reise entdeckt. Mit jeder Reise bringt sie viele Eindrücke und Geschichten nach Hause, die sie dann auf ihre Entwurfsreisen begleiten.
« crisp x eisblume » est un projet de recherche qui vise les échanges entre le jeune design produit et la haute cuisine émergente. Dans une série de Workshops, la philosophie de la cuisine du restaurant Eisblume à Worb a été intégrée dans la conception d’une collection de vaisselle. Les critères de convention et de fonctionnalité sont passés au second plan dans cette création. L’origine locale des matériaux utilisés et le lieu de leur traitement sont ici au centre. L’assiette s’approche de son contenu et devient ainsi un nouvel outil capable d’éveiller des associations d’idées et des émotions. La bourse pour le processus de fabrication a permis de travailler avec une multitude de matériaux locaux et de collaborer avec des producteurs du canton de Berne pour réaliser une série de prototypes de tous les objets.
Christian Ingold und Matthias Eugster gründeten 1994 zusammen die Schreinerei cubus. Seither entwickeln sie Konzepte und Systeme für nachhaltige Möbel und Küchen, welche vollumfänglich in ihrem Betrieb hergestellt werden. Der Kunde kann einzelne Etappen des Herstellungsprozesses selber ausführen und gewinnt so ein Wissen um die Gestaltungsmöglichkeiten und den Unterhalt seines handgefertigten Produktes.
Le travail innovant continu dans le domaine de la création céramique de Margareta Daepp ne rencontre pas seulement le succès, mais ouvre des perspectives. Bien que fortement ancrée dans le canton de Berne, où elle est née en 1959 à Oppligen et où elle suivit de 1977 à 1981 le cours de design céramique à l’École d’Arts visuels de Berne, Margareta Daepp travaille dans un environnement international dont elle examine régulièrement les influences tout en y trouvant l’inspiration pour de nouvelles techniques et formes. Ainsi la céramique utilitaire de l’Asie de l’Est est une référence importante pour la Bernoise qui a séjourné à plusieurs reprises pendant plusieurs mois en tant qu’« artiste en résidence » au Japon. L’étude pratique et théorique intensive de la culture japonaise a enrichi la façon de travailler de Margareta Daepp et l’aide à développer une œuvre plus cohérente, plus sensible, plus pure et radicale au sens européen.
Les œuvres de Margareta Daepp pouvaient et peuvent être vues dans de nombreuses expositions en Suisse et dans le monde, et elles sont également représentées dans beaucoup de collections. Ses pièces qu’elle façonne dans son atelier à Reichenbach près de Zollikofen se caractérisent par la concision dans le choix des couleurs et par leurs formes strictes. La confrontation sans relâche avec le design céramique contemporain et ses problématiques est primordiale pour la créatrice. Grâce à ses activités d’enseignement au « Centre de formation professionelle arts » à Genève, elle transmet ses vastes connaissances à la jeune génération pour qui elle est un modèle et une source d’inspiration.
Fiechter und Stahel arbeiten immer wieder gemeinsam an freien Projekten, in welchen sie unter anderem Zeichnungs- und Bildfindungsprozesse befragen. Die experimentellen Arbeiten reflektieren die Möglichkeiten der visuellen Kommunikation. Dominic Fiechter ist freischaffender Grafiker mit Schwerpunkt Buchgestaltung und Erscheinungsbilder sowie Assistent am Studiengang Visuelle Kommunikation an der Hochschule der Künste Bern. Er realisiert zudem regelmässig freie Arbeiten. Madeleine Stahel gründete gemeinsam mit Maike Hamacher und Valentin Hindermann das Büro 146 in Zürich. Büro 146 realisiert Buchprojekte, Ausstellungsauftritte und Erscheinungsbilder, häufig für Kunden aus den Bereichen Kultur und Architektur.
durchzwei entwickelt massgeschneiderte visuelle Auftritte, konzipiert und gestaltet Corporate Design, Webseiten, Einladungskarten/Mailings, Plakate, Bücher und Broschüren.
Im Atelier bedruckt durchzwei Papier, Karton und Textilien: Bekleidung, Leinwände, Küchentücher, Kissenbezüge, Flyer, Plakate, Einladungs- und Visitenkarten und vieles mehr. Vom Einzelstück bis zur Grossauflage und mit einer Farbintensität, wie es nur der Siebdruck schafft. Wer die hohe Qualität des Siebdrucks auf Textilien und Papier schätzt und sucht, ist bei durchzwei an der richtigen Adresse.
Seit 2014 entwickelt und produziert Hanno Schwab unter dem Label earlybird eco freeride skis nachhaltige und regional hergestellte Tourenski. Seine Produkte vereinen moderne Skitechnologie mit einer nachhaltigen ökologischen Produktion. Für die Skikerne wird regionales Schweizer Holz verwendet, kombiniert mit einem Biocomposite aus Flachsfasern und biobasiertem Epoxydharz. Der Skibelag besteht aus recycelten Rohstoffen, die Skioberfläche aus geöltem Robiniefurnier mit eingebrannten Logos. Alle Ski werden von Hand im Kanton Bern hergestellt. Der Förderbeitrag für Vermarktung ermöglichte den weiteren Aufbau der Marke earlybird eco freeride skis.
In unregelmässigen Abständen bringt die Edition Grilli kleinste Quantitäten sorgfältig hergestellter Publikationen heraus. Teils schrullig geschrieben, teils kapriziös bebildert sind die Bücher sowohl für den täglichen Gebrauch – zum Nachschlagen von Sciencefiction-Filmen oder russischen Vokabeln – als auch für den bibliophilen Büchersammler.
Seit ihrem abgeschlossenen Studium als Produktdesignerin beschäftigt sich Kathrin Eggimann mit dem Thema Licht und Leuchten.
In Zusammenarbeit mit Yi Salomo sind 2010 Leuchten aus Wabenpapier entstanden. Die Wabenstruktur erlaubt es, fragiles Papier in eine präzise dreidimensionale Form zu bringen, welche sehr beweglich bleibt. Die Leuchten wurden von den Designerinnen aus selbst gefertigtem Wabenpapier in aufwändiger Handarbeit hergestellt.
Der Designer und Innenarchitekt Hans Eichenberger ist eine internationale Grösse des Designs. Seine Sitzmöbel und Kreationen werden u.a. von Röthlisberger Kollektion, Strässle, Wogg, Dietiker und De Sede produziert und sind in diversen Sammlungen wie dem MoMa in New York oder dem Vitra Design Museum in Weil am Rhein vertreten. «Askese» nennt er selbst seinen steten Wunsch nach der simpelsten und plausibelsten Lösung. Das Savoir-faire, seine exakte Arbeitsweise und die beharrliche Suche nach der wirklichen Funktion der Dinge sind in all seinen Entwürfen erkennbar. Eichenberger lebt und arbeitet seit 1960 in der Siedlung «Halen» in Herrenschwanden.
Sabina Eichenberger setzt ihre Schwerpunkte auf klare Formen, natürliche Materialien und Tragkomfort. Alle Kleidungsstücke werden vom Entwurf bis zum fertigen Kleidungsstück voll und ganz selbständig im eigenen Atelier erarbeitet. Es werden nur Unikate oder exklusive Kleinserien produziert.
Seit 1998 entwickelt Andreas Pfister, Möbelschreiner und Lars Villiger, Grafik-Designer unter dem Label «eigenwert» Serien-Produkte. Bei der Produktgestaltung ist eigenwert stets auf der Suche nach cleveren, modularen und einfachen Lösungen, welche industriell hergestellt werden können. Die Vermarktung wird von einem passenden Vertreibs- und Herstellungspartner übernommen.
Zwischen 2004-07 stellte Véronique Engeli Leuchten aus Tupperware her. Entstanden sind eine 50er- sowie eine 70er-Jahre Serie unter dem Namen «Alte Bekannte in neuem Licht».
Ab 2005 beginnt sie fortlaufend neue Möglichkeiten mit dem Werkstoff Latex zu erproben. Inhalt des Projekts «Hang zum Flicken» sind neue Flicktechniken mittels Latex. Weiter entstanden Schmuckstücke, Gürtel und Objekte.
Zurzeit ist Véronique Engeli als Lehrerin für Bildnerisches Gestalten tätig.
Drei Personen und ein Konzept: Das ist essor. Philipp Thüler, Suzanne Nabulon und Juliette Keller haben sich 2001 zusammengeschlossen, um mit Leidenschaft Schmuck und Accessoires zu kreieren. An der Zentralstrasse in Biel befindet sich ihr 170 m2 grosses Atelier, in dem sie Grenzgänge zwischen tragbarem und objekthaftem Schmuck wagen. Der Raum dient gleichzeitig auch als Galerie; als Knotenpunkt zwischen Anbietern und Kunden. Die Motivation und Energie von essor spiegelt sich in jeder einzelnen Arbeit. Ihr Ziel ist es denn auch, diese Freude an Schmuck und Accessoires anderen Menschen zu vermitteln.
Erika Fankhauser Schürch étudie dans son travail les tensions entre formes harmonieuses et surfaces animées. Fascinée par les textiles coréens légèrement translucides, dont les coutures inversées représentent un élément du design, la céramiste a développé durant l’été 2018 ses premiers objets avec des coutures apparentes. La bourse lui a permis en 2019 de continuer ses expériences autour du thème de la couture au cours desquelles l’aspect intérieur a fini par devenir plus excitant que l’extérieur, la pièce voulant être « mise à l’envers », la couture devenant secondaire. Désormais elle s’intéresse aux cicatrices, cassures et traces visibles. Le projet « bunsu » (mot coréen pour fragments) bouleverse la tradition de la porcelaine coulée. Ce qui est entier se trouve déchiré et réassemblé. Les pièces qui en résultent sont couverts de porcelaine coulée et prennent ainsi une nouvelle vie. L’accent est désormais mis sur les effets de surface complexes et animés, couplés aux formes sobres des objets.
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Der alltägliche Gebrauch von Gefässen, ihre veränderte Nutzung bedingt durch soziokulturelle Entwicklungen, sowie das keramische Material im Spannungsfeld der Vergänglichkeit sind Themen, welche Erika Fankhauser Schürch interessieren. Die Keramikdesignerin setzt sich seit 2005 weit über das rein Handwerkliche mit Materialien und Gefässen auseinander. Entsprechend vielschichtig und vielfältig sind ihre Produkte, welche sich zwischen installativen Projekten und Gebrauchskeramik bewegen.
«Selbst wenn nur noch Scherben vorhanden sind, ganz auflösen wird sich gebrannte Keramik kaum. Sie ist ein archäologisches Leitfossil.»
Maurizio Ferrari entwirft und produziert Keramik aus Porzellan. Oft bringen bei seinen Arbeiten Verformungen schlichte, geometrische Formen in Bewegung und die Volumen ins Wanken. Es sind Versuche, sich mittels der Materie der Schwere der letzteren zu entziehen.
Die Objekte der Serie «Silhouettes» sind je nach Betrachtungswinkel mehr oder weniger klar wahrnehmbar. Auf Augenhöhe betrachtet erzeugen die Rillen ein leichtes Vibrieren der Konturen, letztere verschwimmen und die Form wird schwierig zu erfassen.
‘Follow Me’ ist eine künstlerische Arbeit über die persönliche Vergangenheit der Keramikerin. Erzählt in verschiedenen Episoden, stehen Tier und Gefäss in einem Dialog zueinander und wiederspiegeln je eine spezifische und real erlebte Erinnerung. Die Geschichten auf den Gefässen lassen dem Betrachter auch Spielraum für eigene Interpretationen. Die typischen Techniken des keramischen Modellierens und Drehens werden ergänzt durch filigrane Zeichnungen und Malereien. So entfalten sich unterschiedliche Welten, die entdeckt werden möchten.
Adrian Frutiger ist einer der herausragendsten Schriftgestalter des 20. Jahrhunderts. Seine Schriften wie Univers, Frutiger, Vectora oder Avenir gehören zu den Klassikern der Gegenwart. Frutiger entwarf über 50 Schriften und gestaltete über 100 Signete und Wortmarken. Adrian Frutiger wurde am 24. Mai 1928 in Interlaken geboren. Den grössten Teil seiner Schaffensperiode verbrachte er in Paris. Für sein Werk erhielt er zahlreiche namhafte Auszeichnungen. Adrian Frutiger lebt heute in Bern. Sein Archiv ist der Stiftung für Schrift und Typographie anvertraut.
Reduktion, klare Elemente und qualitatives Handwerk stehen im Mittelpunkt von Fabienne Gals Arbeiten. Die Schmuckdesignerin richtet ihren Blick ebenso auf Tradition wie auf zeitgenössische Herstellungstechniken. So entstand 2014 auch das Projekt ‘Transitions’ für den Kiwanis-Wettbewerb. Die Neuinterpretation des Themas Haarschmuck kombiniert dreidimensional gelaserte Nylonplastiken mit traditionell hergestellten Silberelementen. Seit Februar 2015 ist die Schmucklinie GÅL in ausgesuchten Geschäften und Galerien in und um Bern erhältlich.
Durch ihre Tätigkeit als Stylistin war es Elif Gedik möglich, viele Einflüsse auf Ihren Reisen zu sammeln. So hatte sie Ihre Zeit im Jahre 2008 in Paris genutzt, um eine neue Kollektion zu entwerfen. Als Vorbild und Inspiration dienten ihr die Modischen Mädchen auf der Strasse im Pariser Viertel Marais. Vorlagen aus diesem Stadtteil beeinflussen bis heute den typischen Stil ihres Labels. Nach dem Modedesign-Studium absolvierte Elif Gedik ein Praktikum bei Marc Jacobs. Heute arbeitet sie neben ihrem Beruf als Stylistin auch an einer Schmuckkollektion.
Marion Geissbühler aus dem Bernischen Konolfingen stammt aus einer Goldschmiede- und Filigranfamilie. Moderne und Tradition finden sich in der Schmuckgestaltung. Die Tradition und das solide Handwerk sind die Inspirationsquellen aus der sie schöpft. Formal reduzierte Schmuckstücke wiederspiegeln das moderne Schmuckschaffen. Ihre Schmuckstücke reflektieren die Feinheit und die Kostbarkeiten des Goldschmiedehandwerks.
Le point de jonction entre objet utilitaire et objet d’art représente une part importante dans le travail du designer Pablo Genoux, qui, tout en étant graphiste, dirige son label de mode Inès by Pablo.
Dans le monde de la mode la frontière entre les deux est aussi souvent mouvante, comme le montre l’exemple du foulard de soie, car il n’est pas rare que cet accessoire devienne un écran textile. Les carrés Hermès mondialement connus sont synonymes de qualité et d’un monde diversifié d’images. Ce sont ces accessoires qui ont poussé Pablo Genoux à poser son propre langage visuel sur les foulards en soie.
Les foulards roulottés à la main ont tous été peints individuellement. Les illustrations et la typographie des pièces uniques portent la signature de Pablo Genoux. Le créateur laisse délibérément le choix quant à savoir si le foulard de soie est un accessoire ou une image à accrocher au mur.
Après l’exposition BESTFORM, les foulards seront disponibles en ligne sur inesbypablo.com.
La chaise « Öhi » est une réinterprétation moderne de la Stabelle. Divers éléments, telles que la fixation des pieds avant ou l’utilisation de planches de bois plates, sont des références subtiles à la typologie des chaises de la région alpine. L’assise et le dossier sont composés respectivement de deux planches, assemblées en onglet. Cette caractéristique principale de la chaise augmente le confort du siège par rapport à la Stabelle classique. La construction des prototypes a été commandée à la menuiserie Wyttenbach et réalisée par le menuisier Vincent Suter. Marc Gerber a aidé à la réalisation afin de recueillir des informations précieuses sur l’art de la menuiserie. Malgré le langage minimaliste et clair des formes de la chaise, il ne faut pas sous-estimer la complexité de sa fabrication à la main. Après avoir optimisé le prototype, il faudra trouver un fabricant approprié pour la production en série CNC.
La famille de sièges « Looper » du designer et constructeur bernois Marc Gerber se compose de deux fauteuils et d’un canapé qui peuvent être utilisés aussi bien à l’intérieur qu’à l’extérieur. La structure de base en tube d’acier plié rappelle un trombone à papier plié à partir d’un seul morceau de fil. L’assise dont la forme s’inspire d’un simple coussin rembourré est suspendue dans la structure porteuse. Le revêtement du rembourrage est disponible au choix en textile ou en cuir. Démontés en pièces détachées, les sièges peuvent être expédiés de manière compacte. Les éléments usés, tels que le rembourrage, peuvent être renouvelés ou lavés, ce qui augmente la durée de vie des meubles. Les éléments de rembourrage du prototype ont été réalisés par le tapissier bernois Oliver Schmid, tandis que la structure tubulaire a été fabriquée par l’entreprise Schenk Metall à Niederwangen.
Der Visuelle Gestalter Gregor Gilg arbeitet an den Schnittstellen von Illustration, Comic und Malerei. Ihn interessiert das Geschichtenerzählen und die Suche nach offeneren Erzählformen, sei es mit Bildkombinationen wie in der 2007 prämierten Arbeit «The Last Café» oder in der Serie «Paarungen» (2010), wo jedes Bild in einer eigenen kleinen Geschichte das Thema variiert. Im Moment arbeitet er zusammen mit Benedikt Eppenberger und Barbara Schrag an einer klassischen Graphic Novel, die im Herbst 2014 erscheinen soll.
Seit 1999 arbeitet der Burgdorfer Möbelgestalter Simon Gneist kontinuierlich an seiner Möbelkollektion in Massivholz. Leichte, zeitlose Möbel sind es, die er entwirft, herstellt und verkauft. 2005 gewann Simon Gneist mit dem Stuhl «Samba» den 1. Preis des Berner Design Awards. Mit dem Sideboard «Fantast» zeigt er eine neue Art der Oberflächengestaltung: Statt weggeschnitten werden Äste grafisch inszeniert. Das Regal «Fizella» wird ausschliesslich durch ein Drahtseil zusammengespannt, das durch intelligent platzierte Nuten gführt wird.
Grilli Type verkauft digitale Schriften. Was 2009 an der Hochschule der Künste Bern als studentisches Projekt begann ist seit Mai 2013 ein Jungunternehmen. Gegründet wurde Grilli Type von Noël Leu und Thierry Blancpain, beide Absolventen der HKB. Grilli Type verkauft über ihre eigene Webseite an Kunden in der ganzen Welt Schriften. Die Schriften werden zum Beispiel von der Stadt New York, aber auch von einem Metzgerei-Verband in Australien verwendet.
Schmuck aus der Werkstatt von Simone Gugger enthüllt sein Geheimnis oft erst auf den zweiten Blick. Beim genaueren Betrachten lassen sich in den poetischen Preziosen Geschichten und mit ihnen verknüpfte Emotionen entdecken. In traditioneller Handarbeit entstehen Schmuckstücke in ungewöhnlichen Materialkombinationen.
Seit 1999 arbeitet die Schmuckgestalterin in der ehemaligen Zahnradfabrik MAAG in Zürich. Die lichtdurchfluteten hohen Räume dienen ihr zugleich als Versuchslabor, Produktionsstätte und Verkaufslokal.
Unsere Gesellschaft produziert eine Fülle an Daten, die erst durch die Auswertung und Darstellung zugänglich wird und Aussagekraft erhält. In der Sichtbarmachung komplexer Daten liegt ein grosses unausgeschöpftes Potenzial und ein wichtiges, zukunftsweisendes Handlungsfeld. Das Projekt «Urban Data Patterns» befindet sich an der Schnittstelle zwischen Visueller Gestaltung und Data Science und hat die Entwicklung eigenständiger Konzepte zur Visualisierung grosser Datenmengen zum Ziel. Die im Projekt verwendeten Daten geben Auskunft über verschiedene Aspekte des städtischen Alltagslebens (z.B. Fundgegenstände, Fahrgastzahlen ÖV, Bäume etc.). Dieser Blick auf die Stadt und ihre Daten aus der Perspektive der Informationsgrafik und Programmierung ermöglicht eine neue Form der Exploration der Daten und liefert ungewohnte, neue Erkenntnisse.
Herzlichen Dank für die Bereitstellung der Daten: Bernmobil, Fundbüro der Stadt Bern, Stadtgrün Bern, Open Data Zürich
Mit freundlicher Unterstützung von: Berner Design Stiftung, Burgergemeinde Bern, Jubiläumsstiftung der Schweizerischen Mobiliar Genossenschaft, Pro Helvetia Schweizer Kulturstiftung
In seiner Arbeit findet man Spuren von verschiedenen Handwerkstechniken. Er entwickelt diese weiter zu innovative Verfahren, welche in seine Formensprache wie auch in die Produktion einfliesst. Mit seinem Label «Florian Hauswirth Industrial Craft» will Florian Hauswirth einen Beitrag zur Sensibilisierung für Materialien und Entstehungsprozesse beitragen.
Florian Hauswirth ist dipl. Technischen Modellbauers und dipl. Industriedesigners FH.
Les urnes funéraires solubles en porcelaine de Nathalie Heid accompagnent en douceur et dans le silence le processus de deuil et la période du lâcher-prise. Ces récipients sont des créations individuelles aux formes délicatement tendues qui se dissolvent naturellement dans l’eau et la terre. Nathalie Heid a développé l’idée de l’urne soluble en 2009 et a reçu depuis plusieurs prix.
Unter dem Label NEUES BERNER KERAMIKDESIGN produziert und vermarktet die Keramikerin Sonja Henggeler-Gerber handgedrehte Kollektionen aus Porzellan – allesamt Unikate – die sowohl im Alltag funktionieren wie auch als Einzelobjekte eine starke Präsenz haben. Sonja Henggeler-Gerber ist in der Region der Berner Keramik/Töpferei aufgewachsen und ist immer wieder fasziniert von deren Werken, insbesondere von jenen aus der Frühen Neuzeit. Dies widerspiegelt sich auch in ihren Arbeiten, bei denen ein Zusammenspiel von heutigem Produktdesign und traditionellem, neu interpretiertem Handwerk sichtbar ist.
La Fondation bernoise de design rend hommage au designer et architecte bernois Uli Huber en lui décernant le Prix bernois du design 2019. Comme nul autre, cet architecte en chef a marqué de son empreinte à la fois l’image des CFF et de la Suisse grâce à son engagement, sa volonté créatrice et une vision unique.
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Uli Huber, né en 1938 à Langenthal, débuta sa carrière avec un apprentissage de dessinateur en bâtiment. Ensuite il étudia à la Haute école spécialisée bernoise d’architecture à Burgdorf, puis à l’EPF Zurich. Parallèlement à ses études et à sa période d’assistanat à l’EPFZ qui suivit, il travailla au bureau d’architecture zurichois Zweifel + Strickler. C’est là qu’Uli Huber participa à la conception et la réalisation du secteur « Terre et la forêt » de l’ Expo 64 à Lausanne. Par la suite, il fut chargé de la conception et de l’exécution du Centre de Recherches Agricoles à Saint-Aubin (FR). A Saint-Aubin Uli Huber dirigea par ailleurs jusqu’en 1970 la succursale du bureau Zweifel + Strickler, pour enfin fonder son propre bureau. En 1973, il devint architecte en chef des CFF, où il se consacra à la communication visuelle générale de l’entreprise. Il put fonder l’atelier de design à la tête duquel il nomma le designer Ueli Thalmann. Ensemble avec Josef Müller-Brockmann, Huber mit à jour l’emblème et le logo des CFF, puis tout le système d’information visuel dans les gares et stations suisses. Inoubliables restent les couvertures des indicateurs officiels, dotées à partir de 1982 sur l’initiative d’Uli Huber tous les ans d’une image d’un artiste de renom. Egalement en 1982, il réalisa un projet pour l’extension des halles réservées au transport ferroviaire au Musée Suisse des Transports à Lucerne. Grâce à son engagement, il remporta pour les CFF de nombreuses récompenses, dont plusieurs Brunel Awards, considérés comme le prix Nobel de l’architecture ferroviaire. En 1993, Uli Huber reçut le Prix Design Suisse pour ses « mérites ». Six ans plus tard, Uli Huber fonda de nouveau son propre bureau d’architecture, où il continue de superviser encore aujourd’hui des missions dans le secteur des transports. Ainsi il dirigea les groupes de conception d’AlpTransit Gotthard (jusqu’en 2016) et d’AlpTransit Lötschberg tronçon Nord, et fut jusqu’en 2014 responsable de la conception du matériel roulant pour l’entreprise ferroviaire Regionalverkehr Bern – Solothurn (RBS).
IT’S LAUBER & ANITA MOSER wurde 2015 von den beiden Designerinnen Anita Moser und Sabine Lauber als Ateliergemeinschaft gegründet. Sabine Lauber führt seit 2007 das Prêt-à-Porter Label It’s Lauber und fokussiert seit 2013 auf geflochtenen Schmuck aus Leder. Das Label steht für aufwändig geflochtene Armreifen und opulent gearbeitete Kragen. Anita Moser entwickelt seit 2003 Schuhe und seit 2007 Taschen. Sie ist bekannt für ihre aussergewöhnlichen Schuhe für Damen und Herren. Im gemeinsamen Atelier hinter dem Showroom werden die Prototypen entworfen und entwickelt. Hier kann man den Schuh für den nächsten Winter bereits als Maquette entdecken oder die Probe eines Lederschmuckstücks betrachten, das wie ein traditionelles Strohgeflecht aufgebaut ist. Aus dem Arbeitsort und Showroom der beiden Label wurde schnell mehr: die übereinstimmende Haltung und das ähnliche Herangehen führten bald zum Entwickeln und Entwerfen gemeinsamer Produkte und zu einem verbindenden Aufritt.
IT’S LAUBER & ANITA MOSER bieten eine kleine und feine Auswahl an Lederprodukten, die überraschen und verführen. Hauptmerkmal des Labels sind poetische, sorgfältig gefertigte und unverwechselbare Lederwaren in moderner handwerklich-industrieller Umsetzung: Feines und Schönes das lange währt. Die wertvollen Stücke aus europäischen Ledern werden direkt vor Ort oder in Manufakturen in der Schweiz und in Italien handwerklich gefertigt.
Janis Marti et Pablo Genoux amènent la céramique – en tant que porteuse d’histoire – au 21e siècle, dans l’ère de la numérisation. Avec leur esprit innovant et leur joie de l’expérimentation, ils ont réussi à adapter la Handjet, une imprimante jet d’encre mobile conçue pour une utilisation industrielle, pour leur travail de la céramique et à l’utiliser pour leurs projets de création. Les récipients issus de ce processus jettent un pont entre l’artisanat traditionnel et l’époque actuelle où la céramique connaît en Suisse une période difficile. C’est exactement ce que représentent leurs objets : le contraste entre la pièce unique tournée à la main et l’impression numérique de masse. Ces moyens créatifs sont choisis délibérément, et les objets illustrent, avec style, cette thématique de manière puissante et convaincante. Bleu cobalt sur porcelaine blanche dans un design contemporain.
Seit ihrer Rückkehr von einem gemeinsamen Atelier-Stipendium in New York Ende 2011, arbeiten Ivan Weiss und Michael Kryenbühl als freischaffende Gestalter unter dem Namen Johnson / Kingston in Luzern und Bern. In Auftragsarbeiten, freien Projekten und in ihrer Lehrtätigkeit setzen sie sich mit experimentellen Formen der Gestaltung auseinander.
Neben Projekten im Bereich Visuelle Identität, Plakat- oder Buchgestaltung realisieren sie immer wieder Projekte an der Schnittstelle zwischen Gestaltung und Technologie. Es geht ihnen dabei um die Umnutzung und die produktive Auseinandersetzung mit den Möglichkeiten neuer Werkzeuge und die Suche nach neuen Ausdrucksformen und deren Bedeutung für die Gesellschaft.
Joulia, die erste Dusche mit Wärmerückgewinnung: Während die Gebäudehülle immer perfekter gedämmt ist, stellt das Abwasser immer noch ein grosses «Loch in der Dämmung» dar. Meist wird die Wärme ungeachtet in die Kanalisation gespült.
Dieser unbefriedigende Zustand hat dem interdisziplinären Designteam rund um das Innovationshaus Creaholic in Biel keine Ruhe gelassen und so entstand ein Projektteam, bestehend aus Ingenieuren, Designern, Sanitär- und Energiefachleuten.
Nach über drei Jahren Experimentieren, Messen und Optimieren wurde dann am 1. Juli 2010 die Joulia SA gegründet, welche für die Produktion, Vertrieb und Vermarktung verantwortlich ist. Seit September 2012 ist die erste Duschwanne mit Wärmerückgewinnung nun auf dem Markt.
Der bieler Designer Felix Mosimann nutzt mit kando das Prinzip des Recyclings und Upcyclings. Gebrauchsgegenstände aus Glas, die in ihrer Ursprungsform nicht mehr dem breiten Markt entsprechen, erstrahlen in variierter Form zu neuem Glanz.
Bereits über 40 konzipierte Lüster bestechen durch einzigartigen Charme mit technischem Charakter – durch die geschliffenen Gläser, welche das Licht kristallartig brechen und die sorgfältige Bauweise.
Seit 1997 entwerfen und fertigen Brigitte Keller (Modistin) und Stefan Billeter (Portefeuiller) unter dem Label
Sangwoo Kim wohnte und arbeitete 10 Jahre lang im Emmental, dessen Landschaft sich je nach Saison in sehr unterschiedliche Farben kleidet. «Winter» und «Frühling» widerspiegeln diese Landschaft in den verschiedenen Jahreszeiten. Der Keramikdesigner interpretierte die aus seiner koreanischen Kultur kommende “Inhwamoon“-Technik mit neuen Farben und organischen Formen. Ursprünglich wird die gestempelte braune Oberfläche mit weissen Engobe gefüllt und anschliessend glasiert. Durch Wiederholung wird das regelmässig gestempelte Muster abstrakt. Sangwoo Kim arbeitet mit farbigen Tonschichten, die durch das Schleifen und Polieren versteckte Muster zeigen und auch eine haptische Dimension erhalten. „G-Schichten“ ist ein Projekt, das Geschichte und Gegenwart verbindet.
Mit der Kollektion «Métamorphose» verändert und veredelt Anna Kohler bestehende Schmuckstücke. Getreu nach dem Motto «aus Alt wird Neu» gibt die Gestalterin Schmuckkreationen, die aus der Mode gekommen sind, einen neuen Look und bewahrt somit die damit verbundenen Erinnerungen.
Ihre Schmuck-Kreationen entstehen im Atelier an der Bieler Neumarktstrasse, das gleichzeitig auch als Verkaufslokal für die Einzelstücke dient.
Alice Kolb ist eine Schweizer Illustratorin und visuelle Gestalterin. Sie studierte in Luzern und Strasbourg Visuelle Kommunikation, Illustration und Art Teaching (2008–2013).
Ihre Illustrationen werden als Plakate, in Magazinen oder Bücher publiziert. Sie arbeitet mit Agenturen, Verlagen und für Kunden aus verschiedenen Bereichen. Fürs Schauspielhaus Zürich gestaltete sie mehrere Jahre das Kinderprogramm, bestehend aus Plakaten, Programmen, Spielen und weiteren Produkten.
Neben Auftragsarbeiten verfolgt sie selbst initiierte Projekte, wie die Geschichte und digitale Applikation „grau blau miau“.
kong. entstand 1996 als Arbeits- und Interessengemeinschaft. Bei der Firmengründung im Jahr 2001 durch Peter Lüthi, Urs Odermatt und Rémy Allemand, wurde der Name auf kong. funktion gestaltung erweitert. Der Name ist Programm. Die optimale Kombination von Funktion und Gestaltung ist der Treibstoff für alle Projekte. Kunden sind vorwiegend Unternehmen und Institutionen aus den Bereichen Kultur, Architektur, Uhrenindustrie, Wissenschaft und Bildung. Zentrale Arbeitsbereiche sind Corporate Design, Bildkonzept, Signaletik, Grafikdesign und Interaction Design.
Un projet de mobilier extérieur inspiré de la ramification des branches des plantes. La tige principale se sépare en différents branchements au fur et à mesure que l’on s’éloigne de celle-ci.
Dans ce projet, ce geste naturel est interprété par le cintrage de profilés aluminiums, lesquels servent de structure primaire pour les surfaces fonctionnelles d’assise ou de table. En partant de modules répétés, assemblés par des connecteurs, l’idée est de proposer un système de mobilier extérieur pouvant être facilement monté
« The Many-Eyed Detective » est une bande dessinée interactive qui peut être consommée sur un écran – que ce soit un téléphone mobile ou un ordinateur portable. Ce travail examine ce qui est nécessaire pour la publication dans l’espace numérique d’une histoire assez longue sous forme d’images et de texte.
L’histoire tourne autour de l’enquêteur éponyme Many-Eyed Detektive qui au début du 21e siècle se débrouille tant bien que mal en tant que détective d’assurance. D’une part ses yeux multiples sont un outil indispensable pour ses investigations, mais d’autre part, ils sont aussi la source de toutes sortes de distractions. Lors d’une promenade, le détective tombe sur une épave contemporaine : un conteneur de marchandises au contenu douteux. A partir de cette découverte, la recherche d’indices mène à travers l’orbite à un entrepôt dans un port franc et enfin aux « froides salles de l’art » où un conteneur scellé pose de nouvelles énigmes.
Die eigendynamischen Pinsel-Handschriften von Theres Langenegger sind über die Landesgrenze hinaus bekannt und geschätzt.
Ihr Arbeitsspektrum reicht von Dekorations-Malereien für den Innen- und Aussenbereich bishin zu grafischen Gestaltungen.
Seit 1998 entwerfen, entwickeln und produzieren Isabelle Jakob-Müller und Barbara Schwarzwälder unter dem Label Lavabo Lavabelle massgefertigte, keramische Lavabos und Badezimmeraccessoires. In ihrer Werkstatt in Biel entstehen neben den speziell gefertigten Badezimmereinrichtungen auch Geschirr, Figuren und Geschenkartikel.
L’artiste et plasticien Steve Léchot a créé son premier luminaire en 2002, le modèle «One By One», qui a d’emblée connu un succès international marqué. En 2004, Steve Léchot fonde sa propre entreprise, dessinant, fabriquant et diffusant ses propres créations. De ses recherches sont entre autres issus les luminaires «Totem», «Tecto», «I See» et «Hop». Par leur caractère poétique, ludique ou plus strictement fonctionnel, ces luminaires ou objets s’adressent à l’espace privé ou professionnel et sont diffusés en Suisse et en Europe.
« Reclaim The Garments – Reconquérir les habits ». C’est une invitation que la créatrice s’adresse d’abord à elle-même. Lors de la conception, elle se concentre de façon approfondie sur l’habit individuel (garment) en tant qu’enveloppe corporelle durable. Grâce à la simplicité de leurs couleurs et textiles, les prototypes permettent de laisser libre cours à son imagination. « Reclaim The Garments » est en même temps une invitation adressée aux personnes intéressées à participer, si elles le souhaitent, au processus de conception par rapport aux matériaux utilisés. Les vêtements sont fabriqués exclusivement à la demande.
GT AMERICA
Serifenlose Schriften in den USA und in Europa haben unterschiedliche Ansätze und trotzdem auch viele Gemeinsamkeiten. Die Schrift GT America vereint dabei Traditionen amerikanischer Gothic Schriften sowie Schweizer Grotesk Schriften in einer grossen Schriftfamilie mit 84 Schriftschnitten. Die Schrift vereint Eigenschaften beider Traditionen in einem neuen zeitgemässen Design. Die Schrift entstand zu grossen Teilen während des Atelieraufenthalts der Berner Designstiftung in New York, wo mit einer kleinen Ausstellung das Projekt auch der Öffentlichkeit vorgestellt wurde. Vertrieben wird sie exklusiv von der Schweizer Schriftgiesserei Grilli Type.
Linck Keramik fertigt seit 1942 zeitlose Gebrauchskeramik in traditioneller Handarbeit. Die unverkennbaren Formen wurden von Margrit Linck zwischen 1940 und 1980 entworfen. Sie war Künstlerin, Töpferin und Visionärin. Die Strahlkraft und die Proportionen ihrer Keramik stehen ausserhalb der Zeit und wirken auch heute noch wegweisend. Die Objekte verkörpern Ruhe, lenken die Augen im Raum auf sich und entfalten in ihrer Umgebung eine sichtbare Resonanz.
Im Atelier bei Bern arbeiten die Töpfer bis heute von Hand auf klassischen Drehscheiben und verleihen damit jedem einzelnen Stück im Fertigungsprozess seine Individualität und einen einzigartigen Charakter mit hohem Wiedererkennungswert.
Margrit Linck-Daepp ist für ihre weisse Keramik mit klaren, geometrischen Formen bekannt. Immer wieder beschäftigte sie sich aber auch mit figürlichen Objekten und formte Krüge und Vasen in phantasievolle Frauen- und Tiergestalten um. Gegen ihr Lebensende schuf sie in ihrem Atelier im Burgund farbige Figuren, die nur noch entfernt an Gefässe erinnern. Aus gedrehten Zylindern entstehen surreale Mischwesen mit kraftvollem, emotionalem Ausdruck. Durch das Verdrehen und Stauchen der Form gewinnen sie ihren unverwechselbaren Charakter, der durch die Farbwahl der Engobe zusätzlich unterstützt wird.
Margrit Linck gilt als die grosse Dame der Schweizer Keramikszene. In der Sammlung der Berner Design Stiftung befinden sich 34 Objekte aus allen ihren Schaffensphasen.
Der japanische Lack Urushi fordert vom Künstler grösste handwerkliche Geschicklichkeit und Geduld. Aus dem Saft des Urushi Baumes entsteht eine Haut, die sich über Volumen legt und Materie, geschaffene Form, schützend sanft umhüllt. Die Leidenschaft für die Lackkunst erklären? Die Idee der Perfektion in Form, Körper, Material treiben; Messer, Holzspachtel und Frauenhaarpinsel führen, auf der Suche nach Verschmelzung von hart und weich: sich im willenlosen Wollen üben. Verschiedenste Materialien mittels Urushi, dem Spiel von Licht, Reflexion, Glanz und Tiefe, verwandeln. In der Architektur, im Grossen, Raum, und den menschlichen Körper, im Kleinen, durch Schmuck definieren und gleichzeitig verändern.
Der japanische Lack Urushi ist ein wundervolles Maerial, es will erobert sein in langen Entwicklungsprozessen. Es ist eine Schule der Aufmerksamkeit und der Sorgfalt. Die Leidenschaft wird belohnt mit einem riesigen gestalterischen Potential, das Urushi seinen Liebhabern offenbart, den Handwerkern wie auch den Sammlern.
Die Designerin Natalie Luder entwirft Schmuck und Accessoires. Ausgangspunkte ihrer Arbeiten sind oft Themen aus der Kulturgeschichte des Essens. Die Gegenüberstellung von Schein und Sein oder auch von Natur und Kultur ergeben Aspekte, die sie stets faszinieren und die sowohl im Zusammenhang mit Nahrung, aber auch mit Ornamenten auftauchen.
Cowgirls & Katzen, Klinker & Porzellan, Alligatorenhaut & Spitzen, glänzende Farben & mattes Weiss – kombiniert mit klaren, fein ausgearbeiteten Grundformen. Diese Merkmale zeichnen die Keramik von Christine Lüthi aus. Während die gegossenen Gebrauchsgegenstände praktisch und handlich in der alltäglichen Anwendung sind, werden sie durch die aufwändige Oberflächengestaltung zu Lieblingsstücken und Unikaten. Die Arbeiten orientieren sich am guten, soliden, dauerhaften Kunsthandwerk. Sie vereinen traditionelles Herstellungsverfahren mit einer eigenen Handschrift und erzählen – augenzwinkernd – eine eigene Geschichte.
Absolventin der Ecole d’Arts Appliqués in Vevey in 2003 hat Rebecca Maeder ihr Keramikatelier im Kanton Bern eröffnet. Die zu ihrer Diplomarbeit von mikroskopischen Strukturen inspirierten «Zoophyten» entwickelte sie weiter, bis die neu entstandenen Objekten aus der Erde oder Galaxie zu kommen scheinen. Eine weitere Gruppe besteht aus Porzellanobjekten, die über Luftballons gegossen sind und damit erotische oder Urformen bilden.
2011 erhielt sie das 3-jährige «Korean Government Scholarship» und folgt damit dem Masterprogramm an der Seoul National University, wo sie mit Porzellan arbeitet.
Marc Zaugg und Beat Trummer, beide visuelle Gestalter, sind im Bereich der Signaletik und Wegleitung tätig und haben mehrere Projekte mit nationaler Ausstrahlung erfolgreich abgeschlossen. Sie verfügen über Know-how in verschiedenen Teilgebieten der Signaletik und Wegleitung.
Markus Bangerter und Roger Wyler kommen aus Bern und arbeiten gemeinsam seit 2009 an verschiedenen Projekten im Bereich Produktdesign und Materialforschung. Ihre experimentellen Arbeiten ermöglichen einen Blick in ein Labor, in eine Werkstatt des Designs. Für sie heisst Design, Neues zu denken, was es vorher noch nicht gab und zu finden, was vorher nicht bekannt, aber bereits vorhanden war.
Inspiré par la production industrielle de briques, le designer céramiste Janis Marti s’est fixé pour objectif de créer des bancs en céramique. La presse sous vide complexe utilisée pour la céramique industrielle existe dans une version plus petite aussi pour la céramique fine. Afin de permettre la mise en œuvre du projet dans un cadre réalisable, Janis Marti a fini par choisir comme modèle une presse filière à anse où l’argile plastique est pressée à travers un gabarit à l’aide d’un levier. Janis Marti a pris ce principe pour modèle pour concevoir et fabriquer sa presse céramique, aidé en cela de Ramon Strickler, qui en tant que serrurier-métallier qualifié a fait avancer la réalisation grâce à ses bonnes connaissances techniques.
Seit 2009 arbeitet Reto Moser als freier Grafikdesigner in Bern.
Für verschiedenste Auftraggeber realisiert er Projekte in den Bereichen Branding, Editorial Design, Plakatgestaltung und Schriftgestaltung.
Neben seiner beruflichen Tätigkeit als Gestalter verfolgt er eigene Projekte, meist in Zusammenarbeit mit Freunden. Mit Tobias Rechsteiner entwickelte er beispielsweise die Schrift GT Haptik, welche bei Grilli Type erhältlich ist.
Benny Mosimann (30.01.1967 geboren in Baden) ist Gestalter in Bern.
Vorkurs und Ausbildung zum Produktgestalter HFG an der Schule für Gestaltung Zürich, diverse Praktika im In- und Ausland. Einjährige Reise um die Welt. Weiterbildung Grafik an der Schule für Gestaltung Basel. Seit 1995 selbständige Tätigkeit in den Bereichen Produktentwicklung, Innenarchitektur, Ausstellungsgestaltung, Grafik und Signaletik in eigenem Atelier für Gestaltung in Bern.
Alors que c’est l’effondrement de la société après une pandémie qui est au centre du tome 1 de « The Fall », Jared Muralt examine dans son tome 2 l’évolution de la société post-apocalyptique. Comment les humains fonctionnent-ils quand la civilisation s’effondre subitement ? Quels groupes se forment ? D’une idée émergent des séquences qui semblent souvent évoluer spontanément. Jared Muralt écrit des scènes qu’il structure jusqu’à obtenir une histoire complète. Parallèlement à la conception du scénario, il recueille beaucoup de matériel visuel. Comme au cinéma, le décor d’une bande dessinée doit être défini avant la production. Une fois tous les préparatifs effectués, le texte est transposé en images. De petits croquis grossiers dessinés au crayon sont scannés, puis imprimés au format A5. A l’aide d’une table lumineuse, l’illustrateur retravaille ses esquisses à plusieurs reprises. Le dessin au crayon fini est de nouveau numérisé, agrandi pour servir de modèle au dessin à l’encre, et imprimé sur des feuilles A3. Jared Muralt scanne ensuite le dessin à l’encre final afin de le coloriser sur son ordinateur à l’aide de Photoshop.
Neben Kleinserien in Edelstahl und Kunststoff stellt Friedrich Müller vor allem Einzelstücke her. Klarheit und gute Tragbarkeit stehen bei seinen Arbeiten im Vordergrund. Als Materialien werden vorwiegend Silber und Gold, sparsam auch Edelsteine verarbeitet.
Direkt nach ihrem Modedesign-Studium wurde sie für ihre Arbeit als Modedesignerin dreimal hintereinander vom Bundesamt für Kultur mit dem Swiss Design Award ausgezeichnet und gewann 2005 den hoch dotierten Design Preis Schweiz als Newcomerin.
Nach längeren Aufenthalten in Paris, London und Barcelona lebte Münger in ihrer Lieblingsstadt New York, wo sie für das Designer- und Künstler Paar Isabel und Ruben Toledo arbeitete und sich ein internationales Netzwerk in der Modebranche aufbaute. Irene Münger gründete ihr Modelabel 2001 und arbeitet seit über zehn Jahren als Stylistin für verschiedene nationale und internationale Magazine.
La motivation de sortir découle du désir d’échapper à la vie quotidienne et à un environnement familier. Mais trouver un endroit isolé n’est pas toujours chose facile. Pour nous retirer, nous pouvons fuir vers nos maisons de vacances privées. Mais les maisons de vacances loin des zones à population dense sont très controversées – surtout dans une Suisse très peuplée.
« mySaess », c’est un hébergement destiné à permettre aux agriculteurs de proposer une offre agro-touristique douce. En se déplaçant tous les quelques mois, la cabine autonome en bois, tissu de coton et acier laisse les beaux endroits redevenir très vite de beaux endroits.
NCCFN se compose de designers et artisans, de travailleurs artistiques et culturels. Ils communiquent ensemble sur leurs préoccupations relatives au secteur de la mode. Ils utilisent la surproduction de l’industrie de la mode et du textile dans leur collection 19.90. Au lieu de traiter ces invendus comme des déchets, ils s’en servent comme matière première et créent ainsi une approche nouvelle « naturelle ». Le groupe NCCFN utilise la mode comme moyen de communication étant convaincu de la pertinence sociétale de celle-ci relative à la ségrégation entre les humains. A travers l’appropriation et la déconstruction de l’existant, NCCFN créé de façon ludique de nouvelles méthodes de travail à partir de structures inversées que l’esthétique de leur travail reflète. « Sustainable » et « Social » sont les noms qu’ils donnent avec autodérision à leur communauté multiculturelle grâce à laquelle ils mènent cette réflexion d’un point de vue local et global autour de la relation entre l’homme et la matière.
Kurt Neukomm bildete sich nach der Lehre als Goldschmied in den Bereichen Juwelen, Schmuck-Design und Bildhauerei in München und Bern aus. Er führt in der vierten Generation die Goldschmiede seines Vaters in Burgdorf weiter. ??Durch zahlreiche Studienaufenthalte in Asien, Afrika, USA und Europa bildete er sich stetig weiter. Sie beeinflussten seine schöpferischen Intuitionen sehr stark.
Die Kreationen von Kurt Neukomm wurden in den letzten Jahren weltweit ausgezeichnet und sind in zahlreichen Sammlungen und Museen vertreten.
La quatrième collection « Bada. Sea. Meer. » par Nina Yuun est une étape sans précédent vers une haute couture plus durable. Le concept innovant sur lequel repose cette collection explore les possibilités pour créer une garde-robe pour femme intemporelle et durable, qui doit incarner les valeurs d’amabilité, de douceur, de force et d’indépendance. Avec la bourse pour la commercialisation le label de mode avait prévu de travailler avec une agence de relations publiques afin de tenter de s’implanter sur les marchés en Europe et en Asie. Toutefois en raison de
la pandémie du coronavirus, le label s’est concentré temporairement sur le marché intérieur. Ainsi l’année dernière, Nina Yuun a pu accroître le nombre de boutiques qui vendent des pièces de la marque. Au cours du second semestre de l’année 2021, un travail de relations publiques à l’international devra être lancé, afin de faire connaître le label au-delà des frontières suisses.
Nulleins kommunikationsdesign wurde 2001 von Lilian Zumbach und Paul Stämpfli gegründet. Nebst Designprojekten in Print und Web bildet Signaletik seit mehr als zehn Jahren einen Schwerpunkt im Kommunikationsdesign. Signaletik bedeutet für nulleins, die Schwierigkeiten und Möglichkeiten einer Raumsituation zu erkennen und eine optimale, identitätsstiftende Lösung zur guten Orientierung zu finden. Das fünfköpfige Team von nulleins besteht aus ausgebildeten Fachleuten im Bereich Grafikdesign, Beratung, Planung, Pädagogik und Signaletik.
La Bernoise vivant aujourd’hui à Zurich a créé divers projets, comme par exemple le label de sacs « na-sire », et elle dirige les projets en tandem au sein du « Design and Technology Lab » entre l’Ecole poly-technique fédérale de Zurich et la Haute École d’art de Zurich.
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Dans l’acte de création Lisa Ochsenbein s’engage pour une vision holistique des choses qui thématisent et intègrent, à côté du produit à proprement parler, l’interaction entre l’homme et l’objet ainsi que le con-texte socio-culturel. Le changement de perspective actif en tant que créatrice d’infimes détails tech-niques et formels jusqu’aux interrelations dépassant l’objet fascine la designer et apporte à son travail des qualités esthétiques et conceptuelles.
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Avec le label de sacs « nasire » où Lisa Ochsenbein occupe le poste de Creative Director, elle s’immerge dans le travail du cuir, dans les formes, couleurs et textures de cette matière, déchet de l’industrie de la viande. Les sacs étant fabriqués à Marrakech, ce projet est en même temps caractérisé par l’échange culturel et idéel constant entre deux mondes, par l’oscillation entre deux cultures différentes. Outre l’émergence de liens, d’amitiés et de relations de confiance, il s’agit également de faire des choix actifs en termes de durabilité environnementale et de responsabilité sociale, et de créer conjointement des valeurs interculturelles.
Seit 2002 betreibt Alexandra Otis ein Geschäft in der Berner Altstadt. Im eigenen Atelier werden Kleinkollektionen und Einzelstücke für Mann und Frau hergestellt. Neben Strickkleidern, welche direkt auf der Maschine in Form gestrickt sind, werden neu auch Lammfelle zu Mänteln und Jacken verarbeitet. Die gelernte Schneidermeisterin achtet dabei stets auf eine sorgfältige, perfekte Verarbeitung mit hochwertigen Materialen. Eine Mode mit betont femininer Note, klaren Linien und verspielten Accessoires.
P’INC. gestaltet Identität, Dokumentation und Raum für Unternehmen und Institutionen aus Wirtschaft und Kultur.
Nicole Verbeek et Evelyne Pfeffer composent dans leur atelier-boutique sous le label PAMB un sentiment d’être « habillé » dans toutes les situations (de la vie). Leur collection de Prêt-à-Porter est synonyme de design de mode noble et intemporel, de justesse et de précision de la coupe. Les coupes sophistiquées de leur mode dégagent de l’élégance dans toutes les tailles. Depuis l’ouverture de leur boutique en 2012, ce duo de designers bernoises a créé douze collections saisonnières pour femmes et hommes en édition limitée.
Le projet « Motion Type » est composé d’une série de compositions typographiques animées. La conception d’un texte et d’une typographie change dans un contexte numérique, animé et interactif. Ce travail étudie la question de savoir s’il existe d’autres règles pour la typographie quand elle est animée, et comment une typographie en mouvement influe sur sa perception et sa lisibilité. Daniel Peter a élaboré une série typographique expérimentale à partir de lettres et de mots pour traiter le sujet grâce à des compositions numériques. Ce travail illustre sous la forme d’une collection toutes les possibilités qu’offre la typographie dans l’espace numérique.
L’artiste suisse et designer de bijoux Linda Pieri, convertit de manière subtile et radicale des matériaux tel que l’ardoise, le bois de châtaignier, l’acier, le cuivre et la corde en objets précieux. Le travail de Linda Pieri est imprégné d’une sensualité morbide.
Dans son ouvrage Mains 2013, des mains squelettiques serrent tendrement le cou du porteur. Ces pièces soulèvent des questions sur les conditions de l’amour et son caractère éphémère.
Die Kollektionen von Sabine Portenier nehmen am gleichen Ort Gestalt an, an dem die Ideen geboren werden. Von der Inspiration bis hin zur tatsächlichen Produktion geschieht alles unter einem Dach. Dadurch werden Sabine Porteniers Ansprüche an Form, Funktionalität, Qualität und Innovation in jeder Faser ihrer Kreationen spür- und sichtbar.
In der eigen aufgebauten Produktion entstehen Kollektionen, die im Handwerk regional verwurzelt sind und in der Ausrichtung und Umsetzung international gehalten werden. So stellt die Designerin Qualität, Nachhaltigkeit und faire Produktionsbedingungen zugleich sicher.
Ihren Experimenten mit neuen Ideen und bestehenden Konzepten liegt das gleiche Bestreben zugrunde wie der Zusammenarbeit mit kreativen Köpfen aus den unterschiedlichsten Disziplinen. Exklusive Stücke zu entwickeln, die Frauen modern und zeitlos durch den Tag begleiten, und dabei den Spagat zwischen Komfort, Funktionalität und High Fashion ebenso mühelos wie nonchalant schaffen.
Unter dem Label PortenierRoth entwickeln die beiden Designerinnen jedes Jahr ein Kollektionskonzept, aus dem sie zwei eigenständige, in ihrer Essenz weitgehend identische Kollektionen mit unterschiedlichem Fokus ableiten: «Croisière» als Bezeichnung für das Jahreskonzept und focus Sommer resp. focus Winter für die Saison. Das in zwei Teile ausgeformte Kollektionskonzept ermöglicht ihnen, ökonomisch zu agieren und die Ressourcen in der Entwicklung und Produktion optimal auf ihr Geschäft abzustimmen. Zugleich ist es ein modisches Statement, da die beiden Designerinnen dem vordiktierten Modezyklus folgen und ein davon unabhängiges, einzigartiges Produkt lancieren.
In der eigen aufgebauten «High Fashion Production» entstehen Kollektionen, die im Handwerk regional verwurzelt sind und in der Ausrichtung und Umsetzung international gehalten werden. Mit der eigenen Produktion gehen die beiden Designerinnen dem Zeitgeist ein Schritt voraus und anderen mit gutem Beispiel voran.
Weil die Stylistin Karin Anna Biedert und die Mode-Designerin Bea Capdevila den Mantel, nach dem sie immer schon gesucht haben, nirgends finden können, entwerfen sie ihn selbst und gründen ihm zu Ehren 2012 das Label La Première. Ein Mantel bestimmt den Stil. Er verschafft seiner Trägerin einen prägnanten Auftritt.
Auch die Herstellung des Mantels besitzt Stil – und Transparenz: Der schweizerisch-bosnische Familienbetrieb Kroi fertigt den Mantel in Handarbeit und unter fairen Bedingungen.
Eleganz, Naivität und eine subtile Erotik strahlt die Kollektion «Green Velvet» von Adriana Quaiser aus. Sie verbindet scheinbar unvereinbare Pole in einem Bild – dabei wird beispielsweise zwischen Sportlichkeit und Anmut kein Kompromiss gesucht, sondern eine spannungsvolle Platzierung im Nebeneinander. Verschiedene Gegensätze werden so untrennbar ineinander verzahnt und verdichten sich zu einer greifbaren Form.
2005 beginnt der Fotograf und Gestalter Jürg Ramseier mit der Entwicklung von Ribcap und setzt damit im Bereich Kopfschutzprävention neue Massstäbe – warm und weich statt kalt und hart. Mit einer neuartigen Sopftprotection-Technologie und einem hohen Anspruch an Design entwirft, produziert und vertreibt Ribcap seither von Münsingen aus seine Produkte. 2010 lanciert Ribcap mit der Kollektion 2.0 erfolgreich einen Relaunch, mit neuem Design, neuen Sicherheits-Features und einem Test-Zertifikat der Université Louis Pasteur, ULP, Strasbourg.
Verarbeitung, Qualität und Komfort. Diese drei Eigenschaften stehen bei Adrian Rebers Männer-Kollektionen im Vordergrund. Qualitativ hochstehende Materialien – wenn möglich Naturprodukte – und gute Verarbeitung sind für den Modedesigner zentral. In seinen Kreationen sollen sich die Träger wohl fühlen. Dabei entsteht hochwertiges Design, das mal einen sportlichen, mal einen extra-vaganten Touch hat. Für modebewusste Männer, die qualitativ gute Kleidung tragen und dies über mehrere Saisons hinweg – nachhaltig, bequem und modisch.
Zwischen Transparenz und Dichte, in Licht und Schatten bewegen sich die Werke von Rosmarie Reber an der Grenze von Gestaltung und Kunst.
Seit 1981 realisiert sie zahlreiche Ausstellungen in der Schweiz und im Ausland.
Seit 2009 entwirft Debora Rentsch zweimal jährlich eine Frauenkollektion.
Die Basics sind durch ihre Wandelbarkeit vielseitig kombinierbar und passen zum persönlichen Look ihrer Trägerin. Die Kleidungsstücke können oft auf verschiedene Arten getragen werden. Auf den Kopf gestellt wird ein Kleid ein Pullover, ein Pullunder zum Bolero und ein Kleid zum Rock.
Alle Kleidungsstücke werden von Hand in Bern gefertigt. Sie zeichnen sich durch liebevolle Details, qualitativ hochstehende Materialien und sorgfältige Verarbeitung aus. Die Designerin versteht ihre Kleidungsstücke als zeitlose Begleiter die mehrere Saisons spielend überstehen.
Javier Reyes ist in Mexiko City geboren, lebt in der Schweiz und kreiert eine eigene Kollektion unter seinem Namen.
Seit 1998 betreibt Javier Reyes ein eigenes Atelier in Bern, wo er seine Kollektionen herstellt. Die Kollektionen von Javier Reyes sind charakterisiert durch ihre Schlichtheit. Die Grundidee besteht darin, einen Stil zu kreieren mit einer weibliche moderne Eleganz, die Urbanität und Poesie verbindet.
Seit 1998 entwirft Keith Riggs in Bern zeitgenössische Möbel und Wohnaccessoires. Er ist in San Francisco aufgewachsen, hat ein Diplom als Industriedesigner und hat fünfundzwanzig Jahre Erfahrung als Schreiner.
Im Goldschmiedeatelier Ringbreite von Hanspeter Schmid werden individuelle Formen hergestellt. Mit zum Teil Jahrhunderte alten Techniken und Werkzeugen wird im Atelier ziseliert, geformt, geschmolzen und gelötet. «Meine Schmuckstücke werden zwischen den zauberhaften Kunstobjekten meiner Frau präsentiert», so der Besitzer, der früher auch Kinderbücher entworfen hat. Kein Wunder, sind die einzigartigen Ringe auch mit phantastischen kleinen Bildern und Mustern verziert.
Die Schmuckgestalterin Heidi Roethlin beschäftigt sich in ihren Arbeiten mit der Transparenz, Licht-Schatten, der Bewegung, Farben und verschieden Möglichkeiten der Verbindung zwischen Glas und Metal. Die spontane Spielerei mit Grundstoffen, Formen und Farben wird zur geziehlten Verfremdung. Die Schmuckobjekte haben ihre eigene Zeit. Sie erzählen von Stimmungen und Momenten. Ihre Sprache ist Ausdruck, Form und Farbe. Sie sind träger von Mitteilungen die den Betrachter auffordern sie zu erforschen.
Im Juni 2014 schloss Vera Roggli ihren Bachelor in Modedesign an der Kunsthochschule ArtEZ in Arnhem/NL ab. Mit ihrer Diplomkollektion wurde sie für den Lichting-Preis 2014 nominiert, dem bedeutendsten Preis für Newcomer im Bereich Mode in den Niederlanden. Schwerpunkt ihrer Kollektion war das Entwickeln von neuen Materialien und Verbindungsmitteln von Stoffen. Das Experimentieren mit PU-Rubber hat zu einem neuen transparenten Material geführt, welches sich durch die ganze Kollektion zieht. Seit August 2014 arbeitet Vera Roggli für den Modedesigner Christian Wijnants in Antwerpen/BE, nebenbei entwickelt sie ihre eigenen Kollektionen.
Comment peut-on conserver le côté artisanal et le charme d’une bande dessinée réalisée à la main sur un support numérique ? Comment créer une expérience immersive grâce à des procédés techniques sans distraire le lecteur du récit à grands coups d’effets sensationnels ? Dani Rolli a étudié ces questions en profondeur à l’occasion de la conception et du design de cette application mobile. Il en résulte une forme interactive, audiovisuelle de conte offrant aux lectrices et lecteurs la possibilité de vivre le sombre scénario futuriste de « The Fall » progressivement selon leur propre rythme.
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Ce projet a vu le jour grâce à la collaboration avec Jared Muralt (Bande dessinée), Christoph Ebert (programmation) et Melvyn Buss (Son).
Le livre « Hilda et Mélusine trouvent un œuf » est le deuxième tome d’une série de livres pour enfants sur la sorcière intrépide Hilda. Dans le premier album il s’agit de l’amitié entre deux filles on ne peut plus différentes : la sorcière Hilda et la princesse Mélusine. L’histoire casse les clichés des contes de fées traditionnels, sans pour autant pointer un doigt moralisateur.
En dehors du jeu avec les stéréotypes archaïques autour des genres et leurs rôles, le nouvel album se concentre sur les thèmes de l’écologie, de la culture de consommation et du tout-jetable.
La bourse de la Fondation bernoise de design a permis, entre autres, que ce livre d’images soit publié dans la maison d’édition Tintenkilby. « Hilda et Mélusine trouvent un œuf » s’adresse à des enfants à partir de 4 ans et est sorti en allemand et en français.
Julia Carpenter ist zwar streng genommen kein Insekt, aber Spiderman‘s Freundin und Superwoman. Durch eine Injektion von Spinnengift und exotischen Pflanzenextrakten kam sie zu ihren Superkräften und ist der gleichnamigen Kollektion Patin gestanden. Täuschungsmanöver und Showbusiness sind in der Insektenwelt und im Fashiondesign gleichsam erfolgreiche Überlebensstrategien.
Sabine Portenier und Sarah Haug machen sich die Metamorphose im wortwörtlichen Sinne zu eigen: Vom simplen T-Shirt zum Unikat, von der schmalen Silhouette zum überraschenden Volumen, vom Morgen zum Abend. Graphische Elemente wandeln sich zu Zeichentrickanimationen und tauchen die skulpturalen Modelle in eine futuristisch anmutende Welt, in der nichts ist, wie es scheint. Im Zeitraffer erzählt der Fashionfilm einen Tag Julia.
Nach abgeschlossenem Masterstudium als Produktgestalterin an der Zürcher Hochschule der Künste arbeitet Yi Salomo bei milani design als Head of Design & Marketing Asia.
2009 beschäftigten sich Yi Salomo und Kathrin Eggimann mit der Kombination von Papier und Licht. Die Faszination steckt in den Farbnuancen und -stimmungen, welche die Schichtung von Papier einem Leuchtmittel entlocken und im Raum verbreiten können. Ausgangspunkt des Projektes sind Leuchten aus Wabenpapier, welche in Kombination mit anderen Materialien weiterentwickelt werden.
Seit 1990 steht der Name Keramik-Akzente für Qualität und Funktion. Es werden Unikate und Kleinserien aus Porzellan und zum Teil mit Gold veredelt hergestellt. Der Laden und das Atelier von Regina Salzmann sind in der Altstadt von Burgdorf zu finden.
«A Post Globalized Style Book, Vol. 1»
Avec une expérience de pensée ludique, le projet « A Post Globalized Style Book, Vol. 1 » tente de redéfinir « à partir de zéro » le thème de l’habillement et de l’expression vestimentaire à l’ère de la culture hyper-globalisante Instagram.
Douze sujets d’expérience ont été invités à se replonger dans leur enfance et les années marquantes de leur adolescence pour retracer les idées qu’ils se faisaient à l’époque de leur propre âge adulte : Qui ou quoi rêvaient-ils de devenir à l’origine ? Comment imaginaient-ils leur apparence et leur garde-robe ? Quelles furent leurs attentes pour l’avenir et eux-mêmes ? Ces voyages virtuels dans le temps ont fourni, dans l’idéal, des indices pour une série de tenues archétypales, qui ont été d’abord croquées, taillées sur mesure sur les sujets eux-mêmes, puis photographiées. Le contexte et les résultats de cette expérience sont documentés dans une livre.
Ende 2012 begannen die Designerinnen Sarah Pia und Rebekka Gerber und die Germanistin Katja Zellweger Unmut ausgewählter AutorInnen, KünstlerInnen und DesignerInnen zu sammeln. Dislike – Magazin für Unmutsbekundung entstand als Antwort auf das “Like”, welches täglich, stündlich, minütlich, oft auch unüberlegt dem vermeintlich Schönen zugeordnet wird. Das analoge Magazin bildet einen Kontrast zur Kurzlebigkeit der digitalen Medienlandschaft und gibt Ablehnung und Widerwillen eine Plattform. In einem Spektrum von subjektiv, politisch, lapidar und assoziativ bis hin zu intim, wird Unmut bekundet.
Patrick Savolainen wohnt und arbeitet als Grafiker und freier Schriftsteller in Bern. Er ist Gründungsmitglied des Grafikkollektivs Grilli. Seit 2012 führt er mit Sabine Affolter das Büro für grafische Arbeiten Affolter/Savolainen. Sie arbeiten interdisziplinär in den Bereichen Editorial Design, Kommunikationsdesign, Textproduktion und Designforschung. Sowohl in Auftragsarbeiten als auch in selbstinitiierten Projekten steht immer wieder das Buch im Zentrum des Interesses.
Laurin Schaub arbeitet bevorzugt in Porzellan und stellt Objekte für den Alltag her. Daneben reflektiert er in verschiedenen Projekten den Stand und die Bedeutung zeitgenössischer Töpferei.
Er lebt und arbeitet in Bern.
Moritz Schmid studierte Produktdesign an der Hochschule für Gestaltung und Kunst in Basel. Während 4 Jahren arbeitete er als Designer und Projektleiter im Atelier von Alfredo Häberli. Im Jahr 2008 gründete er sein eigenes Studio in Zürich. Seitdem arbeitet er in verschiedenen Bereichen des Designs, von Möbeln bis zu Accessoires sowie Ausstellungsdesign.
Zu seinen Kunden zählen Atelier Pfister, Glassworks Edition, Glas Trösch, Helmrindknecht contemporary design gallery, Kvadrat, Museum für Gestaltung Zürich, Röthlisberger Kollektion und andere.
L’exemple de la ville de Berne a servi pour mener une étude sur les échelles à chat en Suisse (Projet de livre «Echelles à chat suisses»). Une échelle à chat désigne un support fixé, la plupart du temps sur une façade de bâtiment, pour offrir aux chats une aide à l’ascension ou à la descente. L’étude s’appuie sur des photographies d’échelles à chat dans le contexte de l’architecture environnante. En regardant de plus près ces échelles à chat se dégagent des aspects sociologiques, architecturaux et esthétiques qui sont étudiés dans un texte accompagnant les images. Ainsi se pose par exemple la question de savoir si nous, les hommes, nous n’imposons pas en vrai aux chats l’utilisation de ces échelles créées par nous. A travers cette publication, actuellement dans sa phase de développement, le patrimoine culturel éphémère que représente l’échelle à chat sera préservé, archivé et transmis aux générations futures. Le livre imprimé dont la réalisation graphique se veut de très haute qualité sera disponible à partir de début 2019.
Margret Schwab entwickelt, produziert und verkauft seit 1993 Gebrauchskeramik in Bern. Es entstehen handwerklich gefertigte Stücke aus Porzellan. Für das Dekor verwendet die Keramikerin eine alte, traditionelle Technik mit Pinsel und Malhorn, welche sie neu umsetzt.
Das alltagstaugliche Sortiment ist in vielen unverwechselbaren Dekorvarianten erhältlich. Das fröhliche Spiel mit Farbe, Form und Rhythmus wird laufend erweitert.
Fabian Schwaerzler hat nach seiner Ausbildung zum Metallbauschlosser die Hochschule der Künste in Zürich als Industriedesigner abgeschlossen. Danach war er von 2003 bis 2005 Assistent von Maarten Van Severen in dessen Atelier im belgischen Gent. Auf Basis von Van Severens bekanntem Stuhl .03 hat Fabian Schwaerzler den hohen Arbeitsstuhl .03 High für Vitra entwickelt.
Schwaerzler arbeitet mit Vorliebe im Spannungsfeld von handwerklicher Fertigung und industrieller Serie. Er betreibt sein Atelier in Zürich, wo er Serienprodukte und Einzelstücke entwickelt.
Environ un tiers de toutes les espèces végétales en Suisse sont considérées comme menacées d’extinction. Le soin et la préservation des espèces menacées en dehors de leur habitat est l’une des missions que s’est fixées le Jardin botanique de Berne.
Avec ses illustrations sur des panneaux d’affichage, Nina Schwarz accompagne et informe le public. Les six riches portraits de plantes suscitent l’intérêt pour la pelouse semi-aride, attirent l’attention sur des beautés cachées et montrent de petits miracles colorés.
L’intérêt manifesté par son entourage a poussé Nina Schwarz à rendre ses oeuvres accessibles à un public plus large sous forme de cartes postales et d’affiches. Ces formats se prêtent parfaitement à reproduire ses illustrations petites, mais complexes. Elles visent à éveiller la joie spontanée face à notre précieuse flore et à aborder le thème de l’importance de la biodiversité.
Auf seinem Weg zum Produktdesigner sammelte Christian Spiess Erfahrungen in unterschiedlichen Bereichen. Er war als Zimmermann und Dekorationsgestalter tätig, arbeitete auf einer Ranch in Kanada und betreute behinderte Menschen in einer Holzwerkstatt. Sein Studium absolvierte Christian an der écal in Lausanne. Danach arbeitete er während vier Jahren als Assistent von Ronan und Erwan Bouroullec in Paris. 2013 machte sich Christian selbstständig. In Zusammenarbeit mit internationalen Firmen aus diversen Branchen entwickelt er geradlinige Objekte mit intelligenten Details.
Handwerk beginnt im Kopf: stahlblau glaubt nicht an die Ewigkeit, aber an die Beständigkeit. So baut stahlblau Möbel nach Wunsch und Mass – ihre Form soll bleiben, ihre Funktion soll nützen. Im Zentrum steht immer der Mensch und sein Lebensraum.
« Imitation of Life » s’intéresse aux zones de tensions entre original et copie. Ce travail étudie d’abord une séquence narrative d’images. Grâce à leur déconstruction, puis réorganisation, les exemples collectés pour illustrer la thématique créent de nouvelles associations. Suivent quatre reportages photographiques sur des pastiches architecturaux en Suisse. La dramaturgie et la mise en page de l’ouvrage jouent avec la notion d’auteur et mettent le matériel collecté par Marius Steiger en lien direct avec ses propres productions. L’annexe répertorie toutes les informations concernant l’auteur, l’année de création ainsi que le type d’images utilisées. La publication d’environ 300 pages qui en résulte est une réflexion subjective propre au lieu sur l’interaction entre l’original et la copie.
Unter ihrem Label «bottoni porzellan» stellt Simone Stocker seit 2003 Tafelgeschirr, Gefäßobjekte und Lampenschirme aus Porzellan her. In ihrem Atelier in Murten produziert sie Einzelstücke, Kleinserien und auf Anfrage auch Maßanfertigungen und bietet so Design, Herstellung und Vertrieb aus einer Hand an.
Aujourd’hui, environ 400 fonderies typographiques dans 50 pays produisent des polices pour l’industrie du design. Il existe de plus en plus de nouvelles polices passionnantes, mais il devient de plus en plus difficile de ne pas s’y perdre. Trouver une police particulière, adaptée à un projet particulier devient une gageure.
« Font-Finder » permet de trouver la bonne police de manière intuitive parmi des centaines. L’interface simple permet de chercher selon des critères distinctifs visuels et techniques, et le résultat de la recherche peut encore être affiné. Toute la collection de polices du « Font-Finder » est scientifiquement encadrée. Cela permet de maintenir la qualité à un niveau élevé, tandis que le choix des fournisseurs encourage les petites fonderies indépendantes ainsi que la création locale.
1994 übernimmt Daniel Stähli den elterlichen Betrieb und die traditionelle Töpferei wird schrittweise den heutigen Bedürfnissen angepasst. Schwerpunkt in der Töpferei Stähli ist die Gartenkeramik. Ihre Spezialität ist der Seelenvogel: er wird in verschiedenen Grössen und Farben auf der Töpferscheibe von Hand gedreht.
superbüro wurde 2003 von der Grafikerin Barbara Ehrbar in Biel gegründet. Zu ihren Kunden zählen vor allem kulturelle Institutionen, Architekten und Ingenieure sowie öffentliche- und private Unternehmen. superbüro konzipiert und gestaltet Bücher, Broschüren, Plakate, Erscheinungsbilder, Signaletiken und Websites.
Points de départ de cette collection sont les questions de savoir de quelle manière les artistes s’expriment à travers leurs uniformes et comment leurs habits s’intègrent à leur oeuvre. Les pièces de la collection doivent pouvoir accompagner une personne créative aussi dans son travail au quotidien. Les fonctionnalités d’une salopette ou d’une veste utilitaire sont récupérées et intégrées dans la collection. Les vêtements doivent soutenir la personne qui les porte dans son travail – pas la gêner. Une grande liberté de mouvement permet également des travaux au sol. Des poches et d’autres finitions permettent de garder sur soi des outils pratiques comme des pinceaux et des crayons. Ces vêtements ne doivent pas uniquement servir d’objets utilitaires, mais représenter la personnalité de l’artiste et son travail. Ils fusionnent avec l’oeuvre globale de l’artiste et l’élargissent ainsi.
Avec la « Levitate Bag Collection » il s’agit déjà de la deuxième collection de sacs à main du designer de mode biennois Luca Xavier Tanner. Le principe du pliage est de nouveau au centre de ces modèles. A partir d’un rectangle vertical sont formés des plis de mouvement sur les deux côtés. Ces plis servent de poignées pour que le sac puisse être porté de plusieurs manières : à la main, en bandoulière ou en sac à dos. Grâce aux plis de mouvement le sac semble être en lévitation. Une fermeture éclair permet de le porter également à l’horizontale sur l’épaule sans faire tomber son contenu. Le sac existe en plusieurs versions, plus petits, en cuir ou dans un tissu de coton robuste.
Des affiches de concert font la haie pour l’artiste qui entre et lui souhaitent la bienvenue. Les affiches véhiculent une promesse, la prémonition de l’expérience pas encore vécue dépassant dans certains cas l’événement réel. Mais l’affiche du concert donne au souvenir son côté merveilleux, elle devient un portail capable de canaliser la passion de l’amateur de concerts. Le poids du papier et l’odeur pesante des encres remplacent la valeur physique de l’événement éphémère.
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Depuis plus de vingt ans, les affiches de concert du designer bernois Philipp Thöni décorent les murs de la ville et des cuisines des colocs bernoises. Dans l’œuvre « Eyescream » soutenue par la Fondation bernoise de design sont réunies sous la forme d’un livre les affiches de concerts créées depuis plus de vingt ans. Une occasion offrant en même temps un aperçu de la culture musicale et de son évolution.
«Schmetterling auf dem Bauch» ist ein Strickpullover-Projekt, welches den «Animalprint» hinterfragt und in ein neues Licht bringt. Die Metamorphose der Schmetterlinge wurde zum hermeneutischen Vorbild für unseren Schaffensweg. Immerhin gibt es Schmetterlinge, die in ihrer früheren Gestalt als Raupe Seidenfäden produzieren. Die Stricktechnik mit ihrer Maschenstruktur ist eine Analogie zur Bauweise der Schmetterlingsflügel, die aus kleinen Schuppen besteht. Damit die Schmetterlings Muster ins Flattern kommen, wurden sechs Pullover in verschiedenen Designs produziert, um eine schöne Vielzahl an Mustern zu generieren. Einige Muster dienen als Tarnung, andere sollen bewusst einen Kontrast zur Umgebung darstellen. Die Individualität soll im Zentrum stehen und dem Träger ein einzigartiges «Schmetterling im Bauch Gefühl» verleihen.
Die fröhlich klappernden Holzbodenschuhe von TOKUSHUU bringen den traditionellen Zockel in einer neuen und zeitlos eleganten Form wieder. Der Sommerschuh zeichnet sich durch die schlanke, wellenförmige Linienführung der Sohle aus. Das Fussbett aus Buchenholz, sowie die prägnante und funktionelle Form sorgen für optimalen Gehkomfort. Die aussergewöhnlichen Obermaterialien machen die Schuhkreationen zum unverwechselbaren Sommeraccesoire, das seinem Namen alle Ehre macht. TOKUSHUU bedeutet im Japanischen «Sonderausgabe».
TOKUSHUU wurde 2006 von den Designerinnen Mariann Liechti, Rebecca Studer und Zimi Kesselring ins Leben gerufen. Unter den Ansprüchen an beste Qualität, lokale Produktion und hohen Tragkomfort entwickelt sich TOKUSHUU stetig weiter.
TOKUSHUU ist im Flagshipstore TOKU in der Berner Altstadt zu finden und wird zudem in ausgewählten Boutiquen in verschiedenen Schweizer Städten vertrieben.
Lucas Uhlmann schloss im Jahr 2011 sein Industriedesign-Studium an der Ecole Cantonale d‘Art de Lausanne (ECAL) ab. Seine Projekte oszillieren zwischen Objektkunst und Architektur. Im Jahr 2012 erhielt er den Newcomer-Preis der Stiftung und 2017 durfte er dank der Stiftung ein halbes Jahr in Paris verbringen, wo das Projekt Party Garnitur entstanden ist: Ein Re-Design des Festbank-Klassikers.
Varia Instruments est une manufacture consacrée à la conception et la production d’équipements audio professionnels. Les deux techniciens et amateurs de musique comptent sur le travail manuel pour répondre aux normes de qualité les plus élevées. Dans leur atelier à Berne, l’équipe fabrique actuellement deux produits : la RDM20, une table de mixage analogique pour DJ et le TTW10, un contrepoids pour platine vinyle innovant. Les deux produits jouissent d’une grande popularité et sont distribués aux DJ et aux collectionneurs de disques, aux bars et clubs du monde entier.
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La bourse pour la commercialisation de la Fondation bernoise de design doit dans un premier temps financer un séjour à la ville de New York avec pour but de faire de la promotion active (construction d’un réseau, participation à des émissions radio, des interviews, etc.), ce qui permettra à Varia Instruments de développer sur place un nouveau marché important.
In seinem Atelier in Langenthal entwickelt Lucas Veltman seit dem Jahr 2000 kreatives und gepflegtes Grafikdesign für Profit- und Nonprofit-Unternehmen. Vom Logo bis zum kompletten Corporate Design, vom Geschäftsbericht bis zur mehrsprachigen Werbekampagne – «grafik l veltman» sorgt für einen eigenständigen visuellen Auftritt seiner Kunden. Projekte, welche ergänzendes Know-how erfordern, werden jeweils in Zusammenarbeit mit entsprechenden Partnern verwirklicht.
Das Label VIENTO wurde 1986 von Anja Boije und Andrea Hostettler gegründet. 1994 folgt der Einstieg ins Prêt-a-porter, seither entwerfen sie jährlich eine Sommer-und Winterkollektion, die in der Schweiz produziert wird. Ihre mehrfach preisgekrönte Mode hat mittlerweile eine treue Stammkundschaft im In- und Ausland. Das Design betont und verfeinert mit raffiniertem und präzisem Schnitt die weibliche Silhouette. Der klassische Stil der Modelle ist überhöht und gleichsam durchbrochen von einer eigenwilligen und optimal der Figur nachgezeichneten Schnittführung. Die Kleidungsstücke lassen sich über Jahre tragen und zusammen kombinieren. Die häufig monochromen, aber auch gemusterten Stoffe – VIENTO arbeitet regelmässig mit der Textildesignerin Sonnhild Kestler zusammen – geben ihrem Design den unverwechselbaren Look.
Au centre de ce travail sont la décomposition des grilles ainsi que la recherche de mouvement dans le statique. Des formes simples et des motifs graphiques sont modifiés grâce à des méthodes de travail expérimentales. Les domaines de la céramique et du graphisme fusionnent littéralement dans ce projet « Melting Pot ». Les deux créatrices utilisent pour cela divers moyens techniques. D’un côté, les motifs sont déformés à l’aide d’un scanner, tandis que de l’autre, l’impression laser céramique permet de réaliser à partir de ces grilles une sorte de papier peint qui est découpé, réassemblé, puis appliqué sur la pièce. Au four, la surface et l’objet ne font plus qu’un. Il en résulte des « hasards planifiés » qui donnent naissance à des pièces céramiques autonomes.
Alberta vit dans une petite ville au bord de la mer où elle tient une très belle brocante. Bien qu’on puisse y trouver absolument tout, les visiteurs s’y font rares. Jusqu’au jour où le bruit court qu’Alberta trouve pour un homme stressé l’objet parfait qui lui donne plus de temps. A partir de ce moment sa boutique prospère. Tous veulent savoir si Alberta possède dans sa brocante l’objet adapté à chacun de leurs souhaits.
Les dessins détaillés invitent à la découverte et transportent les lectrices et lecteurs, grands et petits, dans le monde d’Alberta qui exauce les vœux. Ce livre d’images sortira au printemps 2023 dans la maison d’édition Kunstanstifter Verlag. C’est le troisième livre pour enfants de l’illustratrice et le premier avec des textes de sa plume.
Les livres de Martina Walther déjà disponibles en magasin sont « Luna, eine Nacht im Museum » (2019, Chasa Editura Rumantscha) et « Löwe aus Stein » (2021, Edition Cucuc).
Um Ihr stetig wachsendes Interesse an Design und Bekleidung vertiefen zu können, entscheidet sich Lea Walti nach der Lehre zur Damenschneiderin für ein Mode-Design Studium an der Hochschule für Gestaltung und Kunst in Basel. Nach erfolgreichem Abschluss und diversen Praktika in New York und Zürich, kommt das Angebot im Designteam des international bekannten Designers Alexander Wang ein Praktikum zu absolvieren. Nach 5 Monaten Einblick in die internationale Modeszene wird schliesslich an eigenen Kollektionen gearbeitet.
Nach der Fachklasse für Grafik gibt Judith Zaugg mit der Comicgruppe Gangloff vier Sammelbände heraus und arbeitet dann immer öfter auch als Illustratorin. Seit ihrem Stipendiumaufenthalt auf Schloss Solitude in Stuttgart entstehen ihre Illustrationen am Computer. Sie spielt gerne mit Farben und Formen. Neben den Auftragsarbeiten macht sie immer wieder freie Projekte: Kinderbücher, Kunstgeschichtecomics, Leuchtkästen und Bilder, welche sie an Ausstellungen zeigt.
Othmar Zschaler gilt als Pionier der modernen Schmuckgestaltung. Sein Verdienst ist es, in den 1960er Jahren mit der Schmucktradition gebrochen zu haben, in dem er die Grenzen zwischen Handwerk und freier Kunst sprengte. Er löste sich zusehends von technischen Formen und festen Kompositionsregeln und stellte abstrakte Kompositionen als Schmuckunikate her. Zschaler arbeitet hauptsächlich mit Gold, gelegentlich kombiniert mit anderen Materialien. Seine «Skulpturen im Kleinformat» basieren zum grossen Teil auf freien Federzeichnungen, die an sich eigenständige Werke darstellen. 1997 gab Othmar Zschaler sein Atelier und den Laden an der Kramgasse an einen Nachfolger weiter. Seine Werke sind in verschiedenen in- und ausländischen Sammlungen vertreten.
