Die Arbeiten an der Keramikserie «BUNSU» liefen auf Hochtouren als wir Erika Fankhauser Schürch an einem sonnigen Morgen Anfangs Februar 2020 in ihrem Atelier in Wynigen besucht haben. In den Räumlichkeiten einer ehemaligen Käserei fertigt die Bernerin ihre Keramikobjekte nicht nur an, sie nutzt das Lokal auch als eine Art Showroom, in dem Kundinnen und Kunden ihre Kreationen kaufen können. Zu sehen sind hier neuere Projekte wie etwa zarte Windlichter oder schmale Vasen, aber auch ältere Arbeiten. So beispielsweise Schüsseln aus der Kollektion «Lino» – eine Serie, welche die Berner Design Stiftung 2008 für ihre Sammlung angekauft hat.

Bei unserem Besuch galt Erika Fankhauser Schürchs ganze Aufmerksamkeit ihrem von der Berner Design Stiftung geförderten Projekt «BUNSU». Geplant war, die Gefässe im Rahmen der BESTFORM 2020 der Öffentlichkeit zu präsentieren. Wegen der Corona-Pandemie konnte die Ausstellung jedoch nicht stattfinden.

2019 hat Erika Fankhauser Schürch ihr Gesuch um einen Förderbeitrag an den Herstellungsprozess von «BUNSU» bei der Berner Design Stiftung eingereicht, doch die Idee dazu hatte die Keramikdesignerin damals schon länger. Ein Jahr zuvor war sie an ein Keramikfestival in Icheon (Südkorea) eingeladen, wo sie das lokale Handwerk inspiriert hat: «Die grossen Vorratstöpfe, Onggi genannt, aber auch die Patchwork-Technik («Bojagi»), welche die Nähte sichtbar macht, haben mich fasziniert», erzählt Erika Fankhauser Schürch. Ihren ursprünglichen Plan, grosse Gefässe zu schaffen, die ebensolche Nähte an der Oberfläche aufweisen, hat sie während der Arbeit kurzerhand geändert. «Während der Entwicklungsphase habe ich gemerkt, dass sich durch die Erzeugung dieser Nähte im Innern der Gefässe eine interessantere Struktur ergibt», sagt Erika Fankhauser Schürch. Um diese an der Aussenseite zu erschaffen, arbeitete die Keramikerin mit Bruchstücken (auf Koreanisch «BUNSU») aus Porzellan, welche sie dann mit Schlicker zu einer Platte goss, die sie anschliessend in Form brachte. Die Bruchstücke verleihen den in ihrer Form schlicht gehaltenen Objekten eine lebendige Oberfläche. Doch diese Technik stellte die Designerin vor einige Herausforderungen: «Das Schwierige war, das Porzellan in den diversen Konsistenzen zusammen zu verarbeiten.» Auch an der Glasur der Objekte tüftelte Erika Fankhauser Schürch lange. Ein wichtiges Detail, denn je nach Glanz der Oberfläche wirkten die Bruchstücke ganz anders.

Gespannt auf das Resultat von Erika Fankhauser Schürchs Arbeit? Wir freuen uns, dass wir die Objekte der «BUNSU»-Serie in der diesjährigen BESTFORM präsentieren dürfen. Die Ausstellung findet vom 21. Mai bis 4. Juli im Kornhausforum statt. «Das ist das Schöne an der Förderung durch die Stiftung: Nebst der Anerkennung, die man für seine Arbeit erhält, hat man die Möglichkeit, diese einem breiten Publikum zu präsentieren – auch wenn es etwas später ist als geplant», sagt Erika Fankhauser Schürch.

«Art and its wardrobe» heisst deine Kollektion, die du an der kommenden Mode-Suisse-Ausgabe zeigst. Inspiration waren Künstler*innen und ihre Arbeitskleidung. Wie kam es zu dieser Idee und was zeichnet diese Kollektion aus?

Die Idee kam mir während des ersten Lockdowns, als die Menschen Zeit hatte, ihren Hobbies nachzugehen und selber kreativ zu werden. Bereits während meines Studiums bin ich folgender Frage nachgegangen: Wie bringt man den Endverbraucher dazu, dass er selber kreativ tätig wird? Das Ziel dieser Kollektion war es, eine Workwear-Kollektion zu präsentieren, welche die Menschen dazu bringt, sich einer Leinwand oder einem künstlerischen Projekt zu widmen. Wichtig war aber zugleich, dass diese Kleidung auch im Alltag und auf der Strasse getragen werden kann.

Du entwirfst sowohl für Männer als auch Frauen. Was unterscheidet die Arbeit an Frauenmode von jener an Männermode?

Bei der Materialität und bei den Farben gibt es bereits einen grossen Unterschied. Zudem werden gewisse Kleidungsstücke durch die Gesellschaft einem Geschlecht zugeschrieben. Ich finde es sehr spannend, mit dem gleichen Kleidungsstück an zwei verschiedenen Körpern zu arbeiten und zu sehen, ob es richtig fällt oder passt.

2020 hast du dein Label gegründet. Die meisten Kleidungsstücke deiner Kollektionen produzierst du in der Schweiz, die Strickstücke entstehen in den Niederlanden und deine Lederwaren lässt du in Ungarn produzieren. Welche Schritte des Designprozesses finden in deinem Atelier in Biel statt?

Die Recherche, Konzeptentwicklung, das Entwerfen sowie die technischen Zeichnungen und das Schnittzeichnen finden in meinem Atelier in Biel statt – da probiere ich viel aus. Sobald die Prototypen entwickelt werden sollen, setze ich mich mit den Produktionsstätten in Verbindung. Danach folgen die Anproben und Änderungen. In dieser Zeit mache ich mir auch Gedanken zum Fotoshooting. Weitere Stoffrecherchen, das Bestimmen von Details wie Knöpfe oder Prints, die ich auch noch in die Kollektion integrieren möchte, sind dann auch noch möglich. Die komplizierteren Stücke, die eher für die Modenschauen oder für das Fotoshooting gedacht sind, mache ich in meinem Atelier selbst.

Arbeitest du schon an deiner nächsten Kollektion?

Noch nicht ganz. Ich habe mir schon ein paar Gedanken gemacht und ich weiss, dass sie kleiner ausfallen wird als die jetzige Kollektion. Der Fokus wird vor allem auf einer Handtasche liegen, die man in verschiedenen Varianten tragen kann.

Lust, die ganze Kollektion von Luca Xavier Tanner zu sehen? An der Mode Suisse zeigt der Bieler die Kollektion. Die Präsentation findet dieses Jahr digital statt.

> Mehr Infos www.modesuisse.com

ƒ Vom 21. Mai bis am 4. Juli präsentiert die Berner Design Stiftung Luca Xavier Tanners Arbeit auch in der BESTFORM.

Wirft man einen Blick in die umfangreiche Plakatsammlung der Berner Design Stiftung, die über 7’000 Werke umfasst, so findet man gleich mehrere Plakate, die für das Frauenstimmrecht warben. Und dies zu einer Zeit, in der dieses Recht noch lange nicht Realität war.

Dora Hauth-Trachsel, 1920: Mit dem Schriftzug «Zum Schutz der Jugend und der Schwachen. Frauenwahlrecht Ja» und der Darstellung suggeriert dieses Plakat, dass Frauen durchaus in der Lage sind, sich um ihre Kinder zu sorgen und gleichzeitig politisch aktiv zu sein.

Margrit Gams, 1920: Mann und Frau tragen auf dem Plakat von Margrit Gams wortwörtlich die Verantwortung gemeinsam.

Dora Hauth-Trachsel, 1920: Die Frau auf diesem Plakat von Dora Haut-Trachsel gleicht ikonografisch einer Amazone, doch in der Hand hält sie wie Justitia, die Göttin der Gerechtigkeit, eine Waagschale. Die weibliche und männliche Figur in den Waagschalen stehen sich im Gleichgewicht gegenüber und scheinen sich die Hände reichen zu wollen, sie sind gleichberechtigt.

Möchten Sie mehr Objekte aus der Sammlung entdecken?

Hier geht es zu einer Auswahl

> www.bernerdesignstiftung.ch/sammlung/

Sandra, du bist Modedesignerin während du Jörg, Grafikdesigner bist. Wie ist die gemeinsame Idee zu «A Post-Globalized Style Book, Vol.1» entstanden?

Wir kennen uns schon seit langem und als wir 2017 die Idee hatten, ein Konzept für ein gemeinsames Projekt zu entwickeln, hat sich beim Gespräch gezeigt, dass wir eine subjektive Beobachtung in Bezug auf Erscheinungsbilder teilen: Seit etwa 25 Jahren lassen sich Fotografien aufgrund der abgelichteten Artefakte – Kleider, Autos, Architektur, Möbel – zeitlich nicht mehr eindeutig einer Stilperiode zuordnen. Wir hatten den Eindruck, dass in der breiten Öffentlichkeit sichtbare, modische Paradigmenwechsel, wie sie beispielsweise in den 20er- bis Mitte 90er-Jahren stattgefunden haben, nicht mehr in diesem Ausmass beobachtet werden konnten. Ein Zusammenhang dieses Phänomens mit der durch Internet und Social Media erzeugten, globalen Gleichzeitigkeit lässt vermuten, dass Instagram & Co. nicht unbedingt zu mehr stilistischer Vielfalt, sondern zu einem weltumspannend immer schneller rezyklierten Einheitsbrei führen.

Vor diesem Hintergrund entwickelten wir das Konzept zu «A Post-Globalized Style Book». Mit einem spielerischen Gedankenexperiment wollen wir die Allgegenwart der Hyperglobalisierung austricksen, dabei Kleidung und vestimentäre Ausdrucksformen noch einmal «neu» erfinden um Bekleidung als Teil der Konstruktion und Übersetzung von «Persönlichkeit» zu sehen.

Sandra: Ich habe Modedesign studiert, weil mich die Arbeit mit und Ausdrucksmöglichkeit durch Textilien als zweite Haut am Körper interessiert und nicht, weil mich das Modebusiness und die x-fache Vorausproduktion des gleichen Entwurfs fasziniert. Ich wollte mir die Unbeschwertheit erlauben, dem lustvollen und künstlerischen Prozess in der Gestaltung eines Kleidungsstückes wieder mehr Beachtung zu schenken, so wie ich es während des Studiums immer getan hatte. Meine Positionen im Gedankenaustausch waren ausserdem Fragen, die sich mir als Designerin schon länger stellen: Welche Bedeutung hat meine Arbeit mit Textilien in der jetzigen Zeit des Überflusses und Overkill? Wäre es möglich, nur ein paar Outfits zu besitzen, welche als eine Art individuelle, metaphorische Uniform funktionieren? Wie kann ich das Konzept des künstlerischen Designprozesses umdenken und Kleider nur noch «made on demand» anbieten? Wie können wir uns ein Kleidungsstück als Ausdrucksmittel, als Zweite Haut aneignen und zurückerobern?

Jörg: Ich bin persönlich kein ausgesprochener Mode-Enthusiast, meine Einstellung zu Kleidern eher utilitaristisch. Als ich vor ein paar Jahren wieder einmal vergeblich weit geschnittene Hosen suchte und feststellen musste, dass das real existierende «Modediktat» für Männer auch in dieser Saison ausschliesslich enge Wadenkneiffer-Hosen vorgesehen hatte (diese dafür unter tausend verschiedenen «Labels», wir sind ja schliesslich nicht in der DDR), begann ich mich dafür zu interessieren, wie Modetrends überhaupt entstehen: Durch welche soziologischen, technologischen und ökonomischen Faktoren werden solche Paradigmenwechsel – wie oben erwähnt und soweit wir sie im Teleskopeffekt des Rückspiegels überhaupt klar identifizieren können – entscheidend beeinflusst? Was kennzeichnet die Phasen der Konsolidierung und Stagnation dazwischen? Warum wirkt ausgerechnet im Zeitalter des total vernetzten Hyperindividualismus das internationale Strassenbild so monoton?

Eurem Buch liegt ein Gedankenexperiment zu Grunde: Ihr habt 12 Proband*innen gebeten, sich in ihre Kindheit zurückzuversetzen und zu erläutern, wie sie sich damals das Erscheinungsbild ihres Erwachsenen-Ichs vorgestellt haben. Was habt ihr selbst für Erinnerungen diesbezüglich?

Sandra: Ich hatte sicher Ideen davon wie ich mich in Zukunft darstellen möchte oder eben auch nicht – nur waren die feinen Erinnerungen an die Kindheit etwas verschwommen. Mit der Kopf-Zeitreise auf die man sich beim Ausfüllen des Fragebogens begibt konnte ich aber Einiges formulieren. Beispielsweise, dass ich ab etwa 10 Jahren Britin sein wollte und mich von allem was von dort kam oder was ich in meiner Fantasie dem «britischen Stil» zuordnen konnte, sehr angezogen fühlte. Die Mutter einer Schulfreundin war Britin, hatte einen rechtsgesteuerten Mini und strich uns zum Zvieri Marmite-Brote. Eine ältere Freundin besass einen Ping-Pong-Schläger auf den sie mit Filzstift «Sex Pistols» geschrieben hatte. Ich hörte damals zwar vor allem «Bay City Rollers» und noch nicht Punkmusik, aber ich war beeindruckt. Ich zählte überall laut one, two, three, four, five… vor mich hin und als ich mit 16 Jahren das erste Mal aus London zurückkam weinte ich nonstop. Durch diese — mir nicht ganz erklärliche — Anziehungskraft hatte sich wohl schon ein Wunscherscheinungsbild geformt.

Jörg: Ich wollte immer Mr. Spock (aus Star Trek) sein: Eine Mischung aus Wissenschaftler und Raumschiffheld. Eine archetypische Figur, die keine Furcht kannte und wegen ihrer emotionslosen Rationalität und trotz ihrer «Andersartigkeit» stets als souverän galt. Ein naheliegendes Vorbild für einen ängstlichen, eher schwächlichen Jungen. Was sich daraus im Zusammenhang mit den anderen Facetten unseres Fragebogens ergeben hätte, kann ich nicht sagen, wir haben früh entschieden, nicht für uns selber zu entwerfen.

Ein Fragenkatalog von 70 Fragen bildete die Basis des Experiments. Was geschah danach mit den Ergebnissen?

Auf der Grundlage der Antworten fand ein Gespräch mit den Proband*innen statt. Es war nicht so, dass wir den Fragebogen systematisch nach wissenschaftlichen und psychologischen Kriterien hätten auswerten können. Unser Ansatz war künstlerisch, d.h. nach dem Gespräch musste bei uns ein Bild entstanden sein, eine Vorstellung der Person in «ihren» Kleidern. Die Informationen aus Fragebogen und Gesprächen dienten – unter Bezugnahme auf Zitate, Archetypen, kulturelle Hintergründe etc. – als Grundlage für das Zusammenstellen von Moodboards und das Skizzieren der Outfits. Im fertigen Buchprototypen finden sich begleitend zu den Portraits zwar noch einige Zitate aus den Fragebogen, aber im Grunde wollten wir die Bilder für sich selber sprechen lassen.

Volume 1 ist fertigt. Wie geht es nun weiter?

Ganz unmittelbar suchen wir zunächst finanzielle und verlegerische Unterstützung für eine möglichst breite Publikation von «A Post-Globalized Style Book». Der Titelzusatz «Vol.1» soll indes nicht suggerieren, dass wir schon bald das «Vol.2» realisieren. Er ist vielmehr unser Eingeständnis, dass wir mitnichten ein abschliessendes Buch zu so einem uferlosen Thema geliefert haben. Dasselbe Buch könnte aus ganz anderen konzeptionellen Blickwinkeln (z.B. mit einem textil-technologischen anstatt künstlerischen Ansatz) realisiert werden. Konkret haben wir das Experiment bereits für die Lehre adaptiert. In einem Seminar zum Thema «Zweite Haut» haben Studierende der Hochschule der Künste Bern HKB und der Universität der Künste Berlin den Fragebogen ausgefüllt und im Rahmen einer Toolbox des Y Institutes der HKB haben sich BA-Studierende aus verschiedenen Studienbereichen der Frage nach der Bekleidung der Zukunft gestellt und die Ideen in Bild und Text formuliert. Daraus ist ein «Post-Globalized Style Booklet» entstanden.

Die Bilder und Kleider des von der Berner Design Stiftung geförderten Projekts sind zurzeit und bis am 28. Januar im Affspace in Bern zu sehen.

ƒ Der Affspace bleibt vom 22. Dezember 2020 bis zum 22. Januar 2021 geschlossen.
Die Öffnungszeiten für die letzte Ausstellungswoche und Informationen zur geplanten Finissage am 28. Januar 2021 werden zum entsprechenden Zeitpunkt kommuniziert. Auf Wunsch biete der Affspace private Führungen für max. 5 Personen durch die Ausstellung an.

Kontakt:

Sandra Lemp studio@sandralemp.ch

Jörg Kühni info@truc.ch

Affspace info@affspace.ch

¤ Münstergasse 4, Bern

> Sandra Lemp

> Jörg Kühni 

Während der Fahrt ist das System der Cargobeiz kompakt zusammenklappbar und lässt sich leicht von Ort zu Ort transportieren. Am Ziel angekommen verwandelt sich das modulare Fahrrad mit wenigen Handgriffen zu einem multifunktionalen Gastro-Erlebnis. Je nach Bedürfnis der Kund*innen ermöglicht das flexible und innovative Design der Cargobeiz individuelle und auf die Situation angepasste Nutzungen. Dieses Projekt ermöglicht platzsparende und umweltverträgliche Mobilität für Gastronomie.

2018 erhielt das Projekt Cargobeiz einen Förderbeitrag der Berner Design Stiftung. Zwei Jahre später durften wir die Initianten Basile Bucher, Michael Storck und Tobias Uhlmann und ihr Projekt in der Werkstatt in Biel/Bienne besuchen. Obwohl wir Pandemie-bedingt nur einen kleinen Anlass ermöglichen konnten, gewährte uns das Team einen spannenden Einblick in den derzeitigen Stand der Dinge sowie die Zukunft des Projektes.

Was ist die Cargobeiz für euch und wofür steht dieses Projekt?

Cargobeiz ist eine Marke, die mobile gastronomische Werkzeuge entwickelt und Lösungen anbietet, die an die aktuellen Herausforderungen städtischer Räume angepasst sind.

Wir sind überzeugt, dass das Fahrrad eine ökonomische und ökologische leistungsstarke Alternative zum Auto bietet. Wir bieten durchdachte, qualitativ hochwertige und lokal produzierte Produkte an, die den Bedürfnissen und Anforderungen von Fachleuten entsprechen.

Wie und wann ist die Idee für die Cargobeiz entstanden?

Die Idee für das mobile Gastronomiemodul entstand aus einem persönlichen Bedürfnis zweier der Gründer, die 2016 einen kleinen Gastronomiebetrieb aufbauen wollten. Das Projekt und der Geschäftsplan nahmen dann ihre heutige Form an.

Was versteht ihr unter «Design» und wie ist dieses Verständnis in das Projekt eingeflossen? Respektive, wellen Stellenwert hat Design für euch in diesem Projekt?

Der vom Fahrzeug abhängige Gewichtszwang begleitet jede Überlegung und zwingt uns, nur das Wesentliche zu behalten. Auch die Kombination der Funktionen sowie der Benutzerfreundlichkeit haben das Produkt weitgehend beeinflusst. Es ist faszinierend festzustellen, dass die Einhaltung der vorgenannten Regeln einen solchen Einfluss auf die Form hat, respektive ihr Aussehen fast schon definiert.

Wie gestaltete sich der Designprozess und was waren die grössten Herausforderungen?

Wir mussten uns an die Geometrie des Fahrrads anpassen, das wir gekauft haben. Vor allem Lösungen finden, die es uns ermöglichen Komponenten umzuwandeln, denn die Bedingungen des Transports unterscheiden sich stark von denen des Einsatzes vor Ort. Da es sich um sehr spezifische Probleme mit einer großen Anzahl beweglicher Teile handelte, ging der Entwurfsprozess weit über den gesamten Aspekt hinaus und erstreckte sich auf alle Komponenten.

Was hat euch der Förderbeitrag durch die Berner Design Stiftung ermöglicht?

Mit Hilfe des von der Berner Design Stiftung bewilligten Betrags sind wir von der Idee-Prototyp zum Produkt gekommen und konnten die Qualität der Materialien, der Oberflächen und des Materials deutlich steigern. Diese finanzielle Unterstützung ermöglichte es uns, unser Unternehmen ein Jahr lang zu führen.

Wohin hat sich die Cargobeiz weiterentwickelt und wo soll es mit dem Projekt noch hingehen?

Zwei voll funktionsfähige Module stehen zur Miete zur Verfügung. Auf diese Weise können wir Erfahrungen sammeln, Feedback von unseren Kunden erhalten und sicherstellen, dass die Qualität des Produkts konstant bleibt und sich weiter entwickelt.

Um den Komfort bei der Nutzung des Moduls zu erhöhen und unser Produkt an einen grösseren Kundenkreis zu verkaufen, wird das Modul bald auf einem Fahrradanhänger erhältlich sein. Die Weiterentwicklung dieses neuen Trägers ist der wesentliche Entwicklungsschritt, zusätzlich zu den jüngsten Optimierungen am Modul.

‡www.cargobeiz.ch

Adrian Reber gehört zu den wenigen Männermodedesignern der Schweiz. Seit der Neulancierung seines gleichnamigen Labels 2014 steht er mit seinen Linien «Adrian Reber» und «Adrian Reber Limited» sowohl für hochwertige Basics (Strick, Hemden, Hosen, Jacken) als auch einzigartige Kleidungsstücke, die allesamt in der Schweiz hergestellt werden. Dabei setzt der Ostermundiger bei seinen limitierten, handgefertigten Unikaten seit Anbeginn auf Upcycling: Ein Tischtuch wird zur Hose, ein Duvet zum wärmenden Wintermantel. Alte Stoffe, teils aus Familienbesitz, werden in Bänder gerissen, zusammengenäht und zu einem Pullover verstrickt.

Die Berner Design Stiftung hat 2019 zehn Outfits aus den Kollektionen «Adrian Reber Limited» von 2014 bis 2019 angekauft, welche sein Schaffen seit dem Wiedereinstieg als selbständiges Modelabel in idealer Weise repräsentieren. Im Juli wurden die Outfits im Sammlungsdepot eingelagert. Fünf Outfits werden nächsten März in der Ausstellung Bestform im Kornhausforum gezeigt.

‡www.adrianreber.com

Credits Model-Fotos: Simon Wyss

Varia Instruments ist eine Manufaktur in Bern, welche sich der Entwicklung und Produktion von professionellem Audioequipment verschrieben hat. Die zwei Techniker und Musikliebhaber Marcel Schneider und Simon Schär setzen auf Handarbeit, um höchsten Qualitätsansprüchen gerecht werden zu können. In ihrer Werkstatt entwickelten sie etwa das analoge DJ-Mischpult «RDM20». 2018 erhielten sie einen Förderbeitrag der Berner Design Stiftung. Dieser ermöglichte ihnen einen Aufenthalt in New York, der Geburtsstätte der Disco-Kultur. Das Duo traf auf viele spannende Persönlichkeiten von DJ’s und Radio Hosts über Veranstalter*innen bis hin zu Club Besitzer*innen. Schnell wurde klar, dass die Faszination für die Produkte von Varia Instruments gross ist und mehrmals wurde der Wunsch nach einem grossen Bruder des «RDM20» geäussert. Aus diesen Gesprächen wurde die Idee geboren, sich auf eine neue Mission zu begeben. So entstand zwei Jahre später mit «RDM40» ein erweitertes Design des analogen Mischpultes. Zu Beginn wurde der Funktionsumfang des neuen Gerätes definiert. In der Entwicklungsphase begannen sie mit Papiermodellen und Holzprototypen das Design zu gestalten. Schließlich wurde ein erster funktionstüchtiger Prototyp gebaut, wobei die mechanischen Teile und die elektronische Schaltung von Grund auf neu entwickelt wurden. Varia Instruments glaubt an die Zusammenarbeit mit lokalen Lieferanten und überprüft und testet jedes einzelne Gerät bevor es die Werkstatt verlässt.

Am 31. Juli 2020 war es endlich soweit. Mit einer Fotoserie enthüllten sie das Geheimnis ihrer Mission «RDM40». Mitte August wird der offizielle Verkaufspreis bekannt gegeben und der RDM40 kann daraufhin in dezent schwarzer Ausführung vorbestellt werden. Varia Instruments wurde gefördert von Pro Helvetia und der Berner Design Stiftung.

Die visionäre Keramikerin wurde als Margrit Daepp in Oppligen geboren und heiratete nach ihrer Ausbildung den Bildhauer Walter Linck. Das Paar lebte in München, Berlin und Paris. Zurück in Bern eröffnete Margrit Link in den 1930er Jahren als erste Frau in der Schweiz ein eigenes Töpferatelier. Margrit Link entwickelte eine zeitlose Formsprache. Die Ob­jekte ver­kör­pern Ruhe, len­ken die Au­gen im Raum auf sich und ent­fal­ten in ih­rer Um­ge­bung eine sicht­bare Re­so­nanz. Die unverkennbaren Formen von Margrit Lincks Gebrauchskeramik werden noch heute im Betrieb Linck Keramik in traditioneller Handarbeit auf der Drehscheibe hergestellt.

Nebst den allgemein be­kann­ten weis­sen Ge­fässen mit ih­ren kla­ren, geo­me­tri­schen For­men beschäftigte sich Mar­grit Linck auch mit fi­gür­li­chen und abstrakten Ob­jek­ten und formte Krüge und Va­sen in phan­ta­sie­volle Frauen- und Tier­ge­stal­ten um. Während die Gebrauchskeramik lange Zeit das Einkommen der Familie sicherte, entstanden parallel surreale und metamorphe Arbeiten.Verschiedenartige Einflüsse prägten ihren Stil: einerseits die Heimberger Keramik, andererseits die zeitgenössischen Kunstströmungen der 30er Jahre, aber auch besonders die Plastik Afrikas und der Südsee. Ab 1942 entstanden eigentliche keramische Skulpturen. Eines dieser Werke ist die Vase „En souvenir de Christian“, die sie ihrem 1974 verstorbenen Sohn Christian widmete.

Margrit Linck starb am 2. Dezember 1983 in Bern. Der Nachlass des Künstlerpaares Margrit und Walter Linck wurde von ihrer Schwiegertochter Regula Linck 1983 übernommen und bis 2019 betreut. Danach ging eine Überführung der beiden künstlerischen Werke vom ehemaligen Wohnhaus in Reichenbach bei Bern in ein Schaulager einher. Für die beiden eigenständigen künstlerischen Werke wurden 2020 zwei separate Websites erstellt, um die Werke der beiden Künstler in Erinnerung zu rufen und sie einem breiten Publikum zu erschliessen. Auch in der Sammlung der Berner Design Stiftung be­fin­den sich 34 Werke von Mar­grit Linck aus ver­schie­de­nen Schaf­fens­pe­ri­oden.

‡https://margritlinck.ch/

‡siehe auch www.walterlinck.ch

Die beiden Industriedesigner Felix Spuhler und Jérôme Rütsche entwickelten die Service-Kollektion «Tabletop Bistrobar» für das Restaurant Casino in Bern. Das 13-teilige Keramik-Geschirr ist in zwei Sets für Mittag- und Abendessen unterteilt und geht mit seiner Formsprache auf die verschiedenen Bedürfnisse ein. So ist die Mittagskollektion geometrisch und schlicht gehalten und macht dieses Service zwanglos und zugänglich. Denn für den schnellen Businesslunch sind auch die Gerichte des Casinos Bern einfacher ausgerichtet, das Küchenteam ist kleiner und die Abläufe hektischer als am Abend. Diesen Umständen trägt auch die Gestaltung des Sets Rechnung.

Sanfte Wellenstrukturen sind hingegen der Abendkollektion vorbehalten. Entsprechend dem gehobeneren Niveau der Abendkarte und der enspannteren Atmosphäre, ist auch das Service komplexer und anspruchsvoller. Trotz der begrenzten Stückzahl bietet die Abendkollektion vielfältige Präsentationsmöglichkeiten. Denn jedes einzelne Stück ist raffiniert designt und kann beidseitig eingesetzt werden, wie z.B. der Teller, der umgedreht auch als Vorspeisenteller verwendet werden kann.

Diese durchdachte Vielseitigkeit und das elegante ziegelrote Design widerspiegeln sowohl die Philosophie der Nachhaltigkeit und Sorgfalt des Restaurants als auch des Designduos wieder. Die Frage nach der Herkunft und den Produktionsbedingungen der Lebensmittel gehört in der Gastronomie inzwischen zum guten Ton. Doch bei der Wahl des Geschirrs endet dieses Bestreben meist. Statt für ein Geschirr-Service in Billiglohnländer auszuweichen, begegnet das Designkonzept von crisp-id dem Anliegen der lokalen und fairen Produktion bereits im Kern. Eigens für «Tabletop Bistrobar» entwickelten sie gemeinsam mit Fachleuten aus einer Manufaktur im deutschen Westerwald eine Keramikmasse, welche dem hierzulande vorkommenden roten Ton zu einer aussergewöhnlichen Qualität verhilft. So finden sich Sorgfalt und Nachhaltigkeit nicht nur auf, sondern auch im Teller der Casino Bistrobar wieder.

Crisp-id wurde 2017 mit einem Förderbeitrag der Berner Design Stiftung für eine nachhaltige Geschirrserie für die Eisblume Worb unterstützt (Esiblume-Projekt). Über dieses Projekt kam auch der Kontakt zum Casino und dem Küchenchef David Wälti zustande.

‡ www.crisp-id.ch

Seit der Gründung ihrer Labels 2015 haben die Bernerin Anaïs Marti und der Basler Ugo Pecoraio ihre Kollektionen stets kulinarischen Themen gewidmet. Passend dazu die Namen ihrer Unisex-Kollektionen: Auf «Restaurant zum Schwälbli» und «Metzgete» folgte Anfang Jahr «Brot Pain Pane Paun». Es ist bereits die zweite Kollektion, welche von der Berner Design Stiftung unterstützt wurde. «Brot ist in unseren Augen mehr als ‚nur’ ein traditionsreiches Gebäck, für ein gutes Brot braucht es Handwerkskunst, hochwertige Zutaten und viel, viel Zeit. So auch für gute Mode und Kleidungsstücke und darin sehen wir die Verbindung der zwei Künste», sagt das Duo zu dieser Inspiration. Die Anspielung an die Bäckerskunst ist in der Kollektion mal klar erkennbar, mal ganz subtil. So erinnern gewisse Muster unweigerlich an die Arbeitskleidung eines Bäckers/einer Bäckerin, das Pailletten-Kleid hingegen lässt individuelle Interpretationen zu. Die einen erkennen darin die knusprige Kruste eines Brotes, andere die glitzernde Verbindung von Hefe und Flüssigkeit. «Wie in all unseren Arbeiten, lassen wir uns von unserer Neugierde leiten. Die Materialien, die uns reizen und anziehen, finden den Weg in die Kollektion. Unser Zugang zu Mode ist sehr konzeptuell und trotzdem intuitiv», so die Designer.  

Die Arbeit als junges Modelabel ist mit vielen Herausforderungen verbunden – diese sind in Zeiten der Coronakrise umso grösser. «Durch die Pandemie sind auch unsere Verkäufe und Verkaufskanäle betroffen. Wir wissen nicht, wo die Kollektion im August erhältlich sein wird.» Einzelne Teile sind bereits im Online-Shop von Collective Swallow erhältlich. Je nach Nachfrage stellen die Designer die Stücke in ihrem Atelier her. Dort kreieren sie derzeit übrigens auch Masken aus Baumwolle und Seide – Materialien, die sie im Atelier vorrätig haben. «Da die medizinischen Masken zurzeit ja kaum erhältlich sind, haben wir uns dazu entschlossen, selber Masken herzustellen. Sie sind wahrscheinlich weniger effektiv gegen das Virus – aber dennoch besser als nichts», so Anaïs Marti. Auch die Arbeit an der nächsten Kollektion läuft bereits. Dafür geht Collective Swallow einen Schritt weiter: Personalisierte Mode, die auf dem Lieblingsessen der Träger*innen basiert, steht dabei im Vordergrund.  

Willst du noch mehr über die Arbeit von Collective Swallow erfahren? Dann sieh dir den Clip unseres Atelierbesuches an.  

Mit dem zweiten Band von «The Fall» erscheinen nun bereits die Kapitel 4, 5 und 6 der Comicserie. Wie ist die Idee dazu eigentlich entstanden? 

Seit geraumer Zeit beschäftige ich mich mit der Gesellschaft, in der wir leben und frage mich, was hinter dieser Fassade steckt. Ein postapokalyptisches Szenario bietet eine optimale Basis für meine Auseinandersetzung mit der Materie. 

In Zeiten des Coronavirus scheint «The Fall» aktueller denn je. Hat sich deine Arbeit am Comic angesichts der aktuellen Lage verändert? 

Zurzeit bin ich an den Vorbereitungen für den dritten Band der Serie und zu diesem Zeitpunkt in der Geschichte ist die Pandemie längst vorüber. Allerdings fließen ständig Szenen und Situationen aus dem Alltag in meine Geschichten ein, da wird mich bestimmt auch das eine oder andere von diesem Ereignis beeinflussen – das geschieht meist unbewusst.  

Was sind die Herausforderungen an der Arbeit an «The Fall»? 

Da gibt es mehrere Elemente, die ins Gewicht fallen. Wir sprechen hier von einer mehrbändigen Serie. Ich kann nicht einfach einen Band zeichnen und dann ist alles fertig. Die Geschichte wird sich mindestens über 5-6 Bände erstrecken mit jeweils ca. 80 Seiten, vielleicht sogar mehr. Wenn man bedenkt, dass ich an einer einzigen Seite gut eine Woche arbeite, bereitet mir das schon manchmal etwas Kopfzerbrechen. Meine Arbeitstage sind daher auch sehr strukturiert. Während ich arbeite ist es, als säße ich in einem Intercity-Zug, der mit vollem Tempo auf die Zielgerade zuhält und nicht anhalten kann. So geschieht es immer wieder, dass ich E-Mails entweder gar nicht beantworte oder immer viel zu spät. Vor kurzem ist mir aufgefallen, dass mir sogar die Zeit fehlt, gewisse Dinge aufzuschieben, dabei kommen mir da die besten Ideen. Es ist höchste Zeit, etwas an meiner Langzeitplanung zu ändern, auch wenn das heißt, dass meine Bücher in etwas größeren Abständen erscheinen. 

In den Sozialen Medien gibst du immer wieder Einblick in deine Tätigkeit. Wie wichtig ist Social Media für deine Arbeit? 

Social Media ist sicher ein wichtiger Bestandteil für meine Werbung im Ausland. Es ist, oder besser war, für mich eine Art Blog. Leider demontiert Facebook seine Plattformen zusehends, indem ihre Algorithmen stetig gewinnorientierter agieren und die Nutzung keinen Spaß mehr macht. Glücklicherweise werden meine Bücher nun auch in Frankreich und den USA publiziert, damit löst sich meine Abhängigkeit von Facebook und Instagram etwas.  

«The Fall» bekommt derzeit auch international Aufmerksamkeit. Hier eine Auswahl der Berichterstattung:

• “10 vor 10”, SRF
• Watson.ch
• Le Figaro

Es ist ein Thema über das sich wohl nur Katzenhalter*innen Gedanken machen. Und doch sind Katzenleitern auch für Menschen, die keinen Stubentiger haben, omnipräsent. Zumindest in Bern: Dies zeigt das Buch “Architektur für die Katz – Schweizer Katzenleitern” von Brigitte Schuster, welches eben erst publiziert und 2017 von der Berner Design Stiftung mit einem Förderbeitrag unterstützt wurde. Als Brigitte Schuster nach Bern gezogen ist, sind der Grafikdesignerin als erstes die unzähligen Katzenleitern aufgefallen und so ist die Idee zum Buchprojekt entstanden. Zwischen 2016 und 2019 hat sie die unterschiedlichsten Katzenleitern-Typen in Bern fotografiert. Aus über 200 Bildern hat Brigitte Schuster für das Buch schliesslich mehr als hundert ausgewählt. Die Fotografien zeigen, wie einfallsreich und beeindruckend viele Katzenleitern gestaltet sind. Ergänzt werden die Bilder mit Texten (D/E) rund um die Thematik. So wird beispielsweise der kulturelle Stellenwert der Katze erörtert. Interessant ist auch wie Brigitte Schuster ihre Erlebnisse und Begegnungen, die sie beim Fotografieren gemacht hat, schildert. Für Katzenhalter*innen dürfte die detaillierte Beschreibung der verschiedenen Katzenleitern zudem eine nützliche Inspirationsquelle sein.

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Diverse Medien haben über das Buchprojekt von Brigitte Schuster berichtet, hier eine kleine Auswahl:

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¹Der Bund: “Für aufstiegswillige Vierbeiner” (kostenpflichtig)

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¹NZZ: “Auf dem Catwalk: Die Schweiz ist ein Land von Katzenleitern”

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¹The Guardian: “Cat ladders: a creative solution for felines in flats – in pictures”

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‡Reguläre Edition: Christoph Merian Verlag, CHF 44.00 / EUR 39.00.

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‡Sonderedition: Über das Online-Formular oder per Email bestellbar. Diese Edition von 400 Stück enthält ein bedrucktes und signiertes Einlageblatt am Anfang des Buches: CHF 44.00 / EUR 39.00 (zuzüglich Versandkosten).

Starke Farben, überraschende Materialien und fantasievolle Kombinationen: Die Werke der Bernerin Verena Welten als Kleider oder einfache Textilobjekte zu bezeichnen, wäre zu banal. Vielmehr handelt es sich bei den Kreationen aus Stoff, welche die Textildesignerin vor allem in den 1980er und 90er-Jahren in Bern hergestellt hat, um regelrechte Kunstwerke. Immer wieder hat sie dabei auf selbsterfundene Techniken zurückgegriffen und unterschiedlichste Materialresten aus beispielsweise Tüll, Seide oder Jute zu einem ganzen Outfit verarbeitet. Dieses Jahr hat die heute 70-jährige Künstlerin der Berner Design Stiftung einige ihrer «Objektkleider» sowie einen Wandbehang geschenkt. Im Depot des Archäologischen Dienstes des Kantons Bern, wo die kantonale Sammlung angewandte Kunst grösstenteils gelagert ist, werden die Objekte von unserer Restauratorin Kathrin Hofmann begutachtet und für die Aufbewahrung vorbereitet. Während die Werke auf kleinere Schäden wie etwa Verfärbungen im Stoff untersucht und anschliessend fotografiert werden, wird schnell deutlich, wie wandelbar einzelne Stücke sind, welche Verena Welten kreiert hat. So kann der Jupe «Feuer und Flamme/Glut» beispielsweise zu einem Gurt umfunktioniert werden. Immer wieder hat sich Verena Welten in ihren textilen Kreationen damit auseinandergesetzt, wie der Mensch seine Umwelt wahrnimmt und reflektiert. Das Werk «Eihaut», welches Teil der Serie «Kleider zu Seelenzuständen» ist und aus einem gelben Body und einem semitransparenten Überkleid besteht, soll beispielsweise aufzeigen, dass man sich in gewissen Situationen verletzlich fühlt wie ein rohes Ei. Regelmässig hat Verena Welten ihre Textilwerke auch an internationalen Ausstellungen präsentiert. Damit diese wertvollen Stoffkreationen für die Zukunft erhalten bleiben, werden sie von unserer Restauratorin sorgfältig eingepackt. Jedes Stück wird im Depot in einer grossen Kartonschachtel verwahrt und mit einer Nummer versehen, welche in der Datenbank hinterlegt ist. Damit sich bei den Kleidern keine Falten abzeichnen, werden sie an den Innennähten mit Seidenpapier ausgekleidet. Zusammen mit den über 2000 Stücken, die ebenfalls als Teil der kantonalen Sammlung angewandte Kunst im Depot des Archäologischen Dienstes sind, warten sie nun darauf, in einer künftigen Ausstellung der Öffentlichkeit präsentiert zu werden.

Du kreierst seit über 20 Jahren Konzertplakate. Wie bist du dazu gekommen?

Ich fand das Gespann von Bild und Schrift schon immer faszinierend. Erstmals kam ich damit in Berührung als ich die Plattencovers der Sammlung meiner Eltern angeschaut habe. Entgegen dem Ratschlag meiner Lehrer habe ich schon während den Ausbildungsjahren damit begonnen, Konzertplakate zu gestalten und sie abends in einem Siebdruckkurs zu vervielfältigen. Da ich selbst in Bands spiele und in der Musikszene aktiv war und immer noch bin, komme ich dadurch immer wieder zu Aufträgen.

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Was reizt dich an der Gestaltung eines Konzertposters?

Es ist eine Gelegenheit, die drei Dinge zu verbinden, die mich umtreiben und inspirieren: Illustration, Typografie und Musik. Der Versuch, ein Bild für das Unsichtbare zu finden, reizt mich. Das Konzertplakat ist in meinen Augen ein Spitzenreiter dieser Disziplin. Weil ein Konzertplakat kurzlebiger als etwa ein Plattencover ist, verspüre ich beim Gestalten weniger Druck. Dies ermöglicht einen unbeschwerteren Umgang mit dem Medium.

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Wie ist die Idee zu «Eyescream» entstanden?

Viele Leute wissen gar nicht, was ich in meinem Berufsalltag so treibe und was ich bisher alles gestaltet habe. Darum ist «Eyescream» auch ein Vehikel, um meine künstlerische Identität sichtbar zu machen.

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Was ist es für ein Gefühl, wenn man sein bisheriges Schaffen als Buch in den Händen hält?

Es sind gemischte Gefühle. Auf der einen Seite Genugtuung, wenn aber diese dann mal «überwunden» ist, kommt – so hoffe ich – eine gesunde Zäsur und eine Klarheit, was als nächstes zu tun ist.

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Konzertplakate waren vor allem zwischen 1980 und 2010 beliebt. Was für Projekten widmest du dich heute?

Ich gestalte nach wie vor vereinzelt Konzertplakate, jedoch vermehrt Plattencovers oder Logos. Zudem mache ich auch simplere Grafik- und Layoutarbeiten, aber auch aufwändigere Illustrationen. Und im Moment habe ich das Linolschneiden und -drucken wieder für mich entdeckt.

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þDie Publikation «Eyescream» ist im Onlineshop von Blackyard erhältlich.

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ƒDie Buchvernissage ist öffentlich und findet am 31. Oktober, um 17 Uhr im Atelier von Blackyard, wo Philipp Thöni Mitinhaber ist, statt (Nydeggstalden 1a).

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ƒAm Donnerstag, 7. November, findet zudem im Stauffacher Bern eine Signierstunde statt (19 bis 20 Uhr).

2014 haben die beiden Grafikdesignerinnen Sabine Affolter und Katja Rüfenacht von der Berner Design Stiftung einen Förderbeitrag für die Vermarktung ihres Projekts “Dolografie” erhalten. Dabei handelt es sich um ein visuelles Kommunikationsinstrument zur Beschreibung von Schmerz, das in der Medizin Gebrauch findet. In der Sendung «nano» auf 3Sat wurde kürzlich über das Projekt, welches heute von Sabine Affolter weitergeführt wird, berichtet.

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Hier geht es zum Beitrag (ab Minute 22:30).

Flucht, Ankunft und Selbstbestimmung sind Themen, die nicht nur Erwachsene beschäftigen. Mit ihrem von der Berner Design Stiftung geförderten Projekt «Grau blau miau» zeigt die Berner Illustratorin Alice Kolb, wie diese Themen Kinder und Jugendlichen vermittelt werden können. 2017 war das Booklet um die Geschichte des Jungen Milo, der sich in einer neuen Lebenssituation zurechtfinden muss und dabei Unterstützung von einem Kater erhält, bereits in der Bestform im Kornhausforum zu sehen. Jetzt ist «Grau blau miau» auch als interaktive App für das iPad erhältlich. Die Idee dazu kam Alice Kolb als sie für das Fumetto Comicfestival einen digitalen Ausstellungsrundgang konzipiert hat. Bei ihren Recherchen dazu hat sie sich mit Themen und Fragestellungen auseinandergesetzt, welche sie teils in ihrem Kinderbuch- und App-Projekt «Grau blau miau» vertieft hat. «Die App und das Heft können unabhängig voneinander genutzt werden. Die zwei Formate bedienen unterschiedliche Interessen», sagt Alice Kolb. So gibt die App Kindern beispielsweise die Möglichkeit, ihre eigenen Ideen in die Geschichte einfliessen zu lassen: Mithilfe eines Bau-Spiels können sie aus Elementen der Geschichte ihre eigene Welt kreieren. Dabei kann man selbst Bilder gestalten und als digitale Postkarte versenden oder auf der Website www.graublaumiau.ch hochladen. Zudem bieten der Sound und die Animationen einen anderen Zugang zur Geschichte. Diese neuartige Form des Kinderbuches befindet sich an der Schnittstelle zwischen Gestaltung und Programmierung, was auch mit grossen Herausforderungen verbunden ist. So geht die App-Programmierung beispielsweise mit einem grossen finanziellen Aufwand einher. Dies dürfte mitunter der Grund dafür sein, dass das Angebot an solchen Apps bisher überschaubar ist. «Es gibt wenige gut durchdachte und schön gestaltete Apps. Deshalb ist für Illustrator*innen und Designer*innen ein grosses Potenzial vorhanden, im digitalen Bereich zu arbeiten», so Alice Kolb.

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Die App «Grau blau miau» kann kostenlos heruntergeladen werden, das gleichnamige Booklet ist im «erlesen» im Progr erhältlich oder kann direkt über Alice Kolb bezogen werden.

Zuallererst einmal: Was bedeutet NCCFN?

Am wichtigsten ist, dass der Name nicht gleich als «Modelabel» auffällt. Sondern genauso gut ein französisches Zugunternehmen sein könnte. Und umso weniger der Name über uns verrät, umso mehr Gehalt hat unsere Arbeit. Die Buchstaben können frei interpretiert werden und für unterschiedliches stehen, so wandelbar wie wir als NCCFN sind: zum Beispiel «Nothing Can Come From Nothing» (ex nihilo nihil fit).

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Ihr seid ein Designkollektiv, das immer wieder aus neuen Mitgliedern besteht. Wie findet ihr jeweils zusammen?

Ja, wir sind ein Kollektiv. Im engeren Sinne natürlich auch ein Designkollektiv, aber eben nicht nur. Wir sehen NCCFN mehr als ein Netzwerk, welches wandelbar ist, welches mit verschiedenen Disziplinen durch die Mode kommuniziert. Das Kollektiv besteht neben Mode- und Grafikdesignern ebenso aus Artisans (Handwerker) wie z.B. Schneiderinnen, Siebdruckern sowie Protagonisten, Performern und Models. Weiter sind da auch noch Musikproduzenten und natürlich Video-Creators und Webdesigner. Und doch ist jedes Mitglied dabei Mitgestalter eines Ganzen und somit auch am Designprozess beteiligt.

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Wir finden uns Projekt und Themenspezifisch. Oft hat es einen sehr intuitiven und natürlichen Ursprung, da wir einander eben ständig mit anderen vernetzen und ein Gespür dafür besitzen, welche Personen (Designer, Künstler) in diesem Moment fördernd für andere Mitglieder sein könnten.

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NCCFN ist ein relativ junges Label. Mit was für Herausforderungen habt ihr zu kämpfen?

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Mit unserer «kontroversen» Position, haben wir uns die Herausforderung wortwörtlich gesucht – und sie auch gefunden. Da wir keine Probleme damit haben, mit den Problemen des globalen Mode-Business umzugehen, schaffen wir uns ganz bewusst und gerne KritikerInnen. Dadurch einen Diskurs entstehen zu lassen, ist uns wichtig.

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Wenn es um unsere «politische» Haltung geht und um unsere Freiheit an sich, sind wir mit unserer Positionierung konfrontiert. Wir müssen beispielsweise entscheiden, ob gewisse Projekte oder Zusammenarbeiten uns entsprechend repräsentieren. Somit sind wir der Kategorisierung von uns selbst gezwungenermassen ausgesetzt. Diese Kategorisierung durchbrechen wir wiederum mit unserem Schaffen. Das heißt, wir sprechen über marktstrategische Positionierung. Diese Positionierung entsteht bei uns nicht durch berechnetes Marketing, sondern durch echte Zusammenarbeit, die für die Betrachter auch nicht so einfach einzuordnen ist. Dies wiederum fordert den «heutigen Kunden».

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Die Konsumenten/Kunden herauszufordern, ist unsere eigentliche Marktstrategie: Dem «heutigen Kunden» eine Selbstbestimmung zu ermöglichen – in seiner Betrachtungsweise, bezüglich unserer Produkte, bezüglich uns als Produzenten – ist für uns relevant.

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Und unsere Freiheit zu bewahren: Nicht nur mit spezifisch repräsentativen Personen eines Trends, eines Genres oder Stils zusammen zu arbeiten oder nur in spezifischen Märkten repräsentiert oder verkauft zu werden.

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Ihr kreiert Mode aus den Restposten von Kleiderbrands. Was ist jeweils der Ausgangspunkt: Das verfügbare Material oder die Designidee?

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Wir arbeiten mit dem Bestehenden: Die Designidee entsteht durch das Material, dass wir erhalten und durch die Personen, welche die Kreationen tragen und repräsentieren.

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Globale Überproduktionen sind referenzlos in ihrer Herkunft und Herstellung, jedoch geladen mit Resonanz, welche wir wiederum in einen neuen Kontext werfen und somit ästhetisch und inhaltlich aneignen. Dadurch entsteht eine neue Wertbeziehung.

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Es ist eine Limitierung des Designprozesses. Diese Umkehrung der Designmethodik ist in einer Umgebung des Überflusses – vom Material bis hin zum Überfluss von Möglichkeiten – notwendig und einfach Sinn gebend.

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Was wurde euch durch die Unterstützung der Berner Design Stiftung ermöglicht?

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Die Kollektion «19.90 is still not 20.-» umzusetzen. Und Mitgliedern/Mitschaffenden, einen Pauschalbetrag zahlen zu können. Zudem konnten wir unser Arbeiten in der Theorie weiterentwickeln und einen «Konzeptualisierungsprozess» durchlaufen, wie wir weiterhin beständig bleiben und uns als Netzwerk entwickeln können. Diese lokale Form der Unterstützung hat einen sehr nachhaltigen Gehalt für junge Kulturschaffende wie wir es sind. Denn nicht nur die finanzielle Zusprache motiviert, weiter zu gehen und sich zu professionalisieren. Die Ausstellung BESTFORM ermöglicht es zudem, diese Anerkennung zu teilen, und unsere Arbeit einem Publikum zu kommunizieren. Diese Transparenz macht die Unterstützung der Berner Design Stiftung besonders.

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Welche Projekte stehen demnächst an?

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Die Kollektion «19.90 is still not 20.-» wird weiterentwickelt, d.h verschiedene Mitglieder unseres Netzwerkes entwickeln Looks, Stücke und Accessoires weiter. Diese Stücke sind, «solange der Vorrat» reicht, bei uns temporär erhältlich.

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Auch im Ausland werden wir einige Projekte haben. Darauf freuen wir uns sehr. Ganz im Sinne von “We local – We global”, um Globalität positiv nutzen zu können. Eines der wichtigsten Anliegen ist, dass wir als Gruppe und Produzenten unterschiedlichste «Gesellschaftsklassen» repräsentieren. Diese Diversität wird bei unseren «Konsumenten» beibehalten. Wir werden dieses Jahr mit Stores und Brands zusammenarbeiten. Konkret heisst das, dass die Überproduktionen oder Restposten eines Stores nachdem Designprozess für den Verkauf wieder in genau diese Läden kommen.

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Damit machen wir einen weiteren wichtigen Schritt und zeigen auf, dass unsere Methodik rationalisierbar ist. Wie z.B. in einem Sortierwerk in Indien: Effektiv werden dort Looks aus Restposten direkt vor Ort produziert. Wir interessieren uns auch für den dokumentarischen Aspekt: Mit dem uns vertrauten Medium Film werden wir unsere Sicht auf die dortige Umgebung auf einer künstlerischen und politischen Ebene kommunizieren.

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Wir sind zudem zu unterschiedlichen Diskussionen geladen. Einen Diskurs über unsere Schaffensweise und Zusammensetzung in dieser Branche führen zu können, ist uns extrem wichtig. Diese Auseinandersetzung nun auch international führen zu können – etwa am Austrian Center for Fashion Research – ist überaus wertvoll und erfreulich.

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Die Modedesignerin Nina Jaun von NCCFN wird auch an der Podiumsdiskussion der Berner Design Stiftung zum Thema «Designkollektive im digitalen Zeitalter» teilnehmen.

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ƒDer kostenlose Anlass findet am 25. April, um 19 Uhr, im Stadtsaal des Kornhausforum statt.

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Mit dabei sind auch der Illustrator Jared Muralt, die Produktdesignerin Lisa Ochsenbein sowie die Textildesignerin Mirjam Huwiler. Moderiert wird der Anlass von Lela Scherrer, Fashion und Concept Designer.

Die kantonale Sammlung angewandte Kunst umfasst viele Objekte wie beispielsweise Plakate, Holzschnitzereien, Keramik oder Schmuck. Seit wann gibt es diese Sammlung?

Die Sammlungstätigkeit begann 1869 mit dem Aufbau einer Muster- und Modellsammlung, welche man im Kornhaus in Bern zeigte. Später wurde sie Gewerbemuseum Bern genannt. Seit 150 Jahren wird die Sammlung jährlich erweitert, seit 2007 durch die Berner Design Stiftung im Auftrag des Kantons.

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Was sind die Kriterien, die ein Designobjekt erfüllen muss, um Teil dieser Sammlung zu werden?

Das Ziel des Sammelns ist die Dokumentation der Berner Designszene. Die Objekte verfügen über eine Vermittlungsqualität: Sie zeigen exemplarisch eine besondere Funktion, eine ästhetische Haltung oder eine technische Neuerung auf. Sie markieren oft auch einen wichtigen Entwicklungsschritt innerhalb einer Designerlaufbahn.

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Die drei 2018 angekauften Teppiche von Salomé Bäumlin dokumentieren beispielsweise die Auseinandersetzung dieser innovativen Textildesignerin in unserer digitalen Welt mit dem traditionellen Handwerk der Weberinnen in Südmarokko. Dies zeigt sich in den Motiven, der Technik und dem Material. Die 2017 erworbenen Porzellanobjekte von Laurin Schaub reizen die Grenzen der Funktionalität und der technischen Umsetzung durch ihre riesigen Dimensionen aus. Die Broschen von Marion Geissbühler, welche wir 2015 angekaufte haben, schuf sie aus alten Trachtenschmuck neu und verband so traditionelles Silberfiligranhandwerk mit moderner Schmuckgestaltung.

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Wer entscheidet, welche Objekte angekauft werden?

Der Fachausschuss der Stiftung, bestehend aus Experten verschiedener Designbereiche, entscheidet aufgrund meiner Vorschläge. Ich beobachte laufend das Schaffen der Berner Designer*innen. Manchmal werden auch Werke angekauft, welche die Stiftung Jahre zuvor als Projekt gefördert hat und nun zur Reife gelangt sind.

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Die Sammlung ist nicht öffentlich zugänglich. Wo können Interessierte diese Objekte dennoch sehen?

Die Sammlung befindet sich im Depot des Archäologischen Dienstes des Kantons Bern. Von einigen Objekten sind Fotografien auf unserer Website zu sehen. Anlässlich der Bestform zeigen wir jeweils Objekte aus verschiedenen Zeiten und Bereichen. 2019, zum 150. Geburtstag des Gewerbemuseums, sind historische Werke aus den Anfängen zu sehen, die einst ebenfalls im Stadtsaal des Kornhausforums ausgestellt waren.

Die Berner Design Stiftung vergab den Berner Design Preis dieses Jahr bereits zum achten Mal. 2019 ging die Auszeichnung an den Berner Uli Huber. Wie kein anderer hat er als Chefarchitekt das Bild der SBB und somit auch jenes der Schweiz mit Engagement, Gestaltungswillen und einer Vision geprägt. «Die Berner Design Stiftung ehrt den Architekten und Designer Uli Huber für seine Pionierarbeit im Bereich der institutionellen Architektur. Sein Gestaltungswille manifestiert sich in einem Gesamtkunstwerk, das alle Disziplinen miteinbezieht. Er hat eine breite Öffentlichkeit darauf aufmerksam gemacht, dass die Identität einer Institution sowohl in der Architektur, dem Produktdesign als auch in der Grafik zum Ausdruck kommt», sagt Anna Niederhäuser, Präsidentin des Fachausschusses der Berner Design Stiftung.

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Die Preissumme beträgt 15’000 Franken. Nach dem Prinzip der Patenschaft gibt der Preisträger 5’000 Franken davon an eine förderungswürdige Gestalter*in weiter. Die Stiftung verfolgt damit gleichzeitig ihr Ziel der Nachwuchsförderung. Uli Huber hat als «Newcomerin» die 34-jährige Produktdesignerin Lisa Ochsenbein gewählt. Die heute in Zürich ansässige Bernerin hat diverse Projekte wie etwa das Taschenlabel «Nasire» initiiert und leitet die Tandemprojekte des «Design und Technology Lab» der Eidgenössischen Technischen Hochschule Zürich und der Zürcher Hochschule der Künste.

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Mit zahlreichen Gästen wurde am 28. März die Bestform 2019 eröffnet und der Berner Design Preis verliehen. Köbi Gantenbein, Chefredaktor des Hochparterre, hielt für Uli Huber eine musikalische Laudation. Hier ist seine Lobeshymne nachzulesen.

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Bis am 24. März ist deine Installation «Modularity Is Interaction» in der Ausstellung «Home Futures» im Design Museum London zu sehen. Die Schau geht der Frage nach, ob wir heute tatsächlich so wohnen, wie das Architekten und Designer zu Beginn des 20. Jahrhunderts vorausgesagt haben. Wie denkst du darüber?

Die weltweite Bevölkerung wächst und lässt sich vermehrt in den Städten nieder. Einen direkten Kontakt zur Natur haben wir heute kaum mehr. Hatten einst viele Menschen den Traum von Einfamilienhaus nach amerikanischem Vorbild, so beginnt die Menschheit heute endlich, auf die ökologischen Probleme zu reagieren. Die Räume wie auch die Ressourcen schwinden. Die Klimaveränderung wird die Wohnräume und somit auch die Architektur verändern, so etwa, wenn alle auf ihren Dächern Solarpanels installieren. Was ist ästhetischer Hinsicht nicht gerade schön wäre… Da sind längerfristige Lösungen gefragt. Und es stellt sich natürlich auch die Frage, wie man mit all den geschützten Bauten umgeht, um diese ökologischer zu machen. Wie würde Paris da aussehen? Auch die Technologie verändert viel, alles wird optimiert und wird werden zu effizienten Produzenten. Wir betrachten Maschinen als die Perfektion, die es zu imitieren gilt. Ich glaube, dass es nicht lange so weitergehen kann. Die steigende Bevölkerung und deren Verarmung ? in der Schweiz wie auch anderswo ? wird die Leute dazu bringen, über gemeinschaftliches Wohnen nachzudenken. Dies könnte insbesondere in Bezug auf ältere Menschen, die oft allein sind, eine Chance sein. Vielleicht ist es auch denkbar, dass die Menschen ihre Häuser in eine Art offene Struktur à la Airbnb verwandeln. Ich glaube, dass das künftige Wohnen ein Gleichgewicht zwischen der Technologie (Schnelligkeit) und der menschlichen Erfahrung (Musse) ist.

Die Installation «Modularity Is Interaction” hast du erstmals 2015 für die Ausstellung «Rethink The Modular» von USM realisiert. Was ist die Idee dahinter?

Es geht darum eine Verbindung zwischen dem Mensch und der Maschine darzustellen. Für die Installation habe ich mit verschiedenen Designer*innen zusammengearbeitet. Linn Kandel und Sylvain Aebischer haben an einem Mobile gearbeitet. Yann Matyhs und Manuel Amaral Netto haben ein Kissen, das in gewisser Weise «atmet» entworfen. Marie Douel und Christophe Guberan haben zwei Kreise, die sich vertikal auf einem Netz von Draht bewegen, kreiert. Valentine Dubois und Sarha Duquesne haben Pendel entwickelt. Mathieu Rivier, Pauline Saglio und Joëlle Aeschlimann haben die Mechanik der Installation erarbeitet. Gemeinsam liessen wir uns von der Rube-Goldberg-Maschinen, den Heath-Robinson-Apparaten, den Maschinen von Tinguely oder der Solar-Do-Nothing-Machine von Charles und Ray Eames inspirieren. Auch das Triadische Ballett von Oskar Schlemmer diente uns als Inspirationsquelle. Also alles Referenzen, bei denen die Technologie bzw. die Maschine präsent ist, aber eine surrealistische Note erhält.

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Relativ schnell haben wir an einer Art Kettenreaktion gearbeitet, die verschiedene Bewegungen auslöst ? natürliche, aber auch künstliche. Wie die zuvor genannten Maschinen, die uns inspiriert haben, dient die Installation eigentlich keinem bestimmten Zweck. Sie spielt darauf an, dass der Mensch heute mehr und mehr einer Maschine ähneln will.

Das Design Museum London ist auf dich zugekommen, um die Installation in die Schau «Home Futures» zu integrieren. Was wurde dir durch die Unterstützung der Berner Design Stiftung ermöglicht?

Es ist schwer vorstellbar, dass so ein Projekt enorm viel Zeit, Energie und Mittel erfordert. Immer wenn ich ein Projekt in Angriff nehme ? auch wenn die erste Idee vielleicht nicht rational ist ? möchte ich es auch realisieren. 2015 habe ich das Projekt mit einem minimalen Budget für Material und Transport initiiert. Die Anfrage des Design Museum London ist für mich eine Anerkennung für all das, was ich in das Projekt investiert habe. Ich bin sehr stolz, dass das Projekt jetzt neben einem Bild von Goldberg und vielen weiteren Werken, die die Geschichte des Designs und der Architektur geprägt haben, gezeigt wird.

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Das gezeigt Projekt ist eine Weiterentwicklung der ersten Idee. Ich habe dafür mit Mathieu Rivier, der sich auch bei der ersten Version um die elektromechanischen Aspekte gekümmert hat, gearbeitet. Diese mussten, wie auch die ästhetischen Aspekte, nachbearbeitet werden. Die Unterstützung der Berner Design Stiftung hat mir erlaubt, zusammen mit dem begrenzten Budget des Design Museum London, das Projekt zu überarbeiten.

Wie geht es mit dem Projekt «Modularity Is Interaction» weiter nach der Ausstellung in London?

Da die Ausstellung «Home Futures» eine Zusammenarbeit des Design Museum London und dem Ikea Museum ist, wird die Installation auch im Ikea-Museum in Älmhult gezeigt werden.

Kürzlich hast du für die britische Firma Established & Sons die Leuchte «Light Light» entworfen. Du hast auch schon mit Hay und Moustache zusammengearbeitet, bist also international tätig. Wieso bist du mit deinem Studio dennoch in Biel ansässig?

Es war nicht unbedingt eine bewusste Entscheidung, mein Atelier in Biel zu haben. Mir war es wichtig, an einem praktischen Ort zu arbeiten. Ich komme aus Malleray, das liegt im französischsprachigen Berner Jura. Das Gymnasium habe ich in Biel absolviert, der « Grossstadt » der Region. Nach einem Aufenthalt in Lausanne, hatte ich 2013 die Gelegenheit, in ein wunderschönes Atelier eines Freundes im Zentrum von Biel zu ziehen. Damals habe ich ein Projekt rund um Leuchten mit dem Architekturbüro KWSA aus meinem Dorf begonnen. Ich bin auch aus privaten Gründen in der Region geblieben. 2017 habe in Biel ein neues, grösseres Studio mit zwei Freunden bezogen.

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Ich liebe Biel. Durch ihre Zweisprachigkeit ist die Stadt eine Art Fusion der Schweiz. Das gibt einem das Gefühl, in einer grossen Stadt zu leben, die nicht so stolz ist, wie andere Schweizer Städte. Zudem ist die Stadt geographisch sehr praktisch gelegen und die Arbeitsflächen und Wohnungen sind bezahlbar. Was nach Biel kommt, wird sich zeigen.

Was begeistert dich immer wieder an deinem Beruf als Modedesigner?

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Das Neue. Jede Saison wiederholen sich zwar die Arbeitsabläufe, aber alles andere ist immer neu: neue Modelle, neue Stoffe, neue Herausforderungen und neue Probleme, die es zu lösen gilt.

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Was sind die Hürden für ein Männermodelabel?

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Der “heutige” Mann ist zwar schon sehr viel offener als vor 10 Jahren, aber meistens kauft er nur neue Kleider, wenn er etwas braucht, das heisst, wenn sein Lieblingsteil kaputt ist. Ihm etwas Neues verkaufen zu können, das er zudem noch gar nicht kennt, ist sehr schwierig. Wenn ich ihn aber überzeugen kann, habe ich meistens einen neuen, treuen Kunden gewonnen.

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Inwiefern haben dir Fördergelder, wie jene der Berner Design Stiftung, weitergeholfen?

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Die Fördergelder und Beiträge haben mir geholfen, Produktionen zu finanzieren, die ich sonst allein nicht hätte realisieren können. In der Mode muss alles vorfinanziert werden – beispielsweise die Stoffe und die Produktion – und das Geld kommt erst ein Jahr später wieder rein, wenn die Kleidungsstücke auf dem Markt erhältlich sind. Sehr geholfen hat mir auch das Auslandstipendium der Berner Design Stiftung, ohne welches ich das Universum von Adrian Reber in Paris nie hätte festigen und präsentieren können.

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Was für Projekte stehen demnächst an?

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Die neue Kollektion fertigstellen und präsentieren. Zudem plane ich, in Pop-Up-Läden präsent zu sein, um die Kollektionen zu vertreiben. Das Highlight des Jahres wird eine Ausstellung sein, die gegen Ende Jahr in Bern zu sehen sein wird. Dafür habe ich ein seit langem geplantes Kunstprojekt mit einem befreundeten Künstler realisiert.

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Kommende Woche übernimmt Adrian Reber unseren Instagram-Account. Der Berner, der mehrmals von der Berner Design Stiftung gefördert wurde, gibt uns einen Einblick in seine Tätigkeit als Modedesigner. Bist du auch den Förderangeboten der Berner Design Stiftung interessiert? Dann registrier dich bis am 5. Februar für die Förderangebote > www.bernerdesignstiftung.ch

Als Inspiration für die Inszenierung am Designers’ Saturday diente der neue Webauftritt der Berner Design Stiftung, der durch starke Farben und spielerische Elemente gekennzeichnet ist. Bei der Szenografie spielte das Klangerlebnis eine zentrale Rolle: Der Leitidee «Dreiklang» folgend, schaffte ein Klangvorhang Resonanz für Berner Design. In drei diversen Nischen wurden die Tätigkeiten födern, vermitteln und sammeln präsentiert. Projekte von geförderten Designern, Impressionen der Bestform und der neuen Website sowie Objekte aus der Sammlung verdeutlichten, dass die Berner Design Stiftung mit ihrer Vielfalt an Tätigkeiten und Angeboten im Designbereich eine in der Schweiz einmalige Institution ist.

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Im Atelier an der Bornstedter Strasse haben wir unser temporäres Büro eingerichtet. Ein Ortswechsel hat – schon nur durch die geänderte Architektur und die Beschränkung in den Arbeitsmaterialien – grossen Einfluss auf die eigene Arbeit.

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Der Ausflug zum Bauhaus nach Dessau war für uns extrem inspirierend. Auf der Aufnahme sieht man uns vor der «Trinkhalle» von Mies van der Rohe aus dem Jahr 1932 (Rekonstruktion 2010).

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Das in Berlin ansässige Deutsche Institut für Normung ist für uns ein wichtiger Ort zur Recherche. In unserer Arbeit befassen wir uns oft mit Normierungen und Standards und uns interessiert deren Bedeutung für die tägliche Projektarbeit.

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Wir schauen uns viel Architektur an und besuchen zahlreiche zeitgenössische Ausstellungen. Das kulturelle Angebot in Berlin ist riesig.

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Nicht zuletzt geniessen wir natürlich auch die vielen Restaurants und Bars in Berlin und treffen uns mit Leuten, tauschen uns aus und knüpfen Kontakte.

Für Daniela Huber ist eigentlich fast das ganze Jahr Winter – zumindest was ihre Arbeit als Modedesignerin angeht. Wie der Name ihres Labels Sloww schon verrät, hat sich die gebürtige Österreicherin, die seit vielen Jahren in Bern lebt und arbeitet, bewusst für einen anderen Kollektionsrhythmus entschieden, als er in der Modebranche üblich ist. Weil der bedachte Umgang mit Ressourcen für die Designerin sehr wichtig ist, entwirft sie Kollektionen, die fast das ganze Jahr getragen werden können: Jacken, Hoodies und Capes aus Naturmaterialien wie Merinowolle, Alpaka oder Cargora (erste zertifizierte Angora-Faser) sind kennzeichnend für Sloww.

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Mit ihren zeitlosen Kleidungsstücken, die aus italienischen Stoffen bestehen und in einer familiengeführten Manufaktur in Bayern hergestellt werden, hat Daniela Huber auch den Fachausschuss der Berner Design Stiftung überzeugt und so einen Förderbeitrag für die Herstellung ihrer Herbst-/Winterkollektion 18/19 erhalten. «Dies ist eine wertvolle Unterstützung, um nicht nur Prototypen sondern auch serienreife Verkaufsmuster herstellen zu können», sagt Daniela Huber. Ende letzten Jahres wurde die 12-teilige Kollektion, bei der vor allem Stein- und Taupetöne vorherrschen, entwickelt. Kommende Woche übernimmt die Designerin den Instagram-Account der Berner Design Stiftung und gewährt uns einen ersten Blick auf ihre neue Kollektion, deren Vermarktung schon in vollem Gange ist.

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Bereits zum sechsten Mal findet am 26. Mai die Modenschau Loufmeter in der Berner Altstadt statt. Erstmals mit dabei ist dieses Jahr auch die Modedesignerin Tabitha Wermuth, die von der Berner Design Stiftung mit einem Startbeitrag unterstützt wird.

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Minimalistisch, tragbar und vegan: Mit ihren Kreationen, die sie unter dem gleichnamigen Label entwirft, trifft Modedesignerin Tabitha Wermuth genau den Zeitgeist. Dass sich die Bernerin Nachhaltigkeit auf die Fahne geschrieben hat, zeigt auch ihr Werdegang: Nach einer Ausbildung als Bekleidungsgestalterin an der BFF in Bern hat sie anderthalb Jahre für das Berliner Label Format gearbeitet, welches ebenfalls für fair produzierte Mode steht. 2016 hat Tabitha Wermuth schliesslich ihr eigenes Label gegründet. Vom Entwurf bis hin zum fertigen Kleidungsstück stellt die Designer alles selber in ihrem Atelier in Wabern her. Sie arbeitet ausschliesslich mit GOTS (Global Organic Textile Standard) zertifizierten Naturmaterialien. Gerade wenn es um die hochwertigen Stoffe geht, kann eine Unterstützung wie jene der Berner Design Stiftung, den Unterschied machen. «Durch den Startbeitrag konnte ich mehr Stoff kaufen, um für den Loufmeter und den Verkauf im Kornhausforum auch mehr Stücke herzustellen», sagt Tabitha Wermuth.

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Nebst den Kreationen aus der aktuellen Frühling-/Sommerkollektion wird Tabitha Wermuth am Loufmeter auch schon erste Teile aus der Herbst-/Winterkollektion zeigen. «Ich bin gespannt auf diese neue Erfahrung. Es ist das erste Mal, dass ich meine Arbeit in einer Modenschau präsentieren darf», so die Designerin.

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Die Berner Design Stiftung unterstützt den Modeevent Loufmeter seit der ersten Ausgabe 2013 mit je CHF 500 pro Label aus dem Kanton Bern. Tabitha Wermuth erhält als Newcomerin einen zusätzlichen Startbeitrag.

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ƒ Samstag, 26. Mai, 14 Uhr

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¤ Modeverkauf/Showroom: 11 bis 20 Uhr, Kornhausforum

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> www.loufmeter.ch

Von Anna Hallers frühem Schaffen in Biel ist neben Schülerarbeiten wenig namentlich gesichert. Obwohl sie als Gestalterin hervorragende Lederarbeiten und Gebrauchsgrafik hinterliess, ging sie vor allem als «Blumenmalerin» in die Geschichte ein. Der Blumenmalerei widmete sie sich nach einem Studium in München um 1905 bis zu ihrem Lebensende, finanzierte damit ihren Lebensunterhalt und konnte sogar ihre Familie damit unterstützen. Aus gesundheitlichen Gründen zog sie zu ihrer Halbschwester und Künstlerin Mili Weber nach St. Moritz (Mili Weber Haus, Museum und Stiftung).

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Berufsbegleitend zur Lehre in einem Atelier für Uhrenschalendekoration in Biel besuchte Anna Haller ebendort das Technikum und schloss 1898 als erste Frau mit einem Diplom ab. Im selben Jahr weilte sie für ein mehrmonatiges Praktikum bei Georg Hulbe in Hamburg. Er war der bekannteste Lederkunsthandwerker seiner Zeit mit einer florierenden Werkstatt mit rund 200 Mitarbeitern. Von ihm zeigen wir eine 1897 entstandene Bürstentasche in Lederschnitttechnik mit Weidenkätzchen dekoriert. 1899 erhielt Anna Haller als erste Frau einen Lehrauftrag am Technikum und unterrichtete samstags Lektionen in Ledertechnik. Engagiert wurde sie von ihrem Lehrer Ferdinand Huttenlocher. Der ursprünglich aus Deutschland stammende Bildhauer war zuerst Fachlehrer an der Schule für Holzbildhauerei in Brienz, wechselte dann ans Technikum Biel und später an die Kunstgewerbeschule Bern.

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Nebenbei arbeitete Haller bei Albert Renggli in dessen Atelier in Biel. Renggli, ausgebildeter Kaufmann ohne kunsthandwerkliche Ausbildung, übernahm 1895 alleine ein bestehendes Geschäft. Er spezialisierte sich als «Dekorateur» auf Uhrenschalendekoration, liess ein spezielles Verfahren patentieren und hinterlegte Muster beim Eidgenössischen Institut für Geistiges Eigentum. Wohl dank der Mitarbeit von Anna Haller wurden ab 1899 Lederarbeiten für Möbel zu einem weiteren Markenzeichen seines Ateliers. Vom Atelier Renggli besitzen wir eine mit Narzissen verzierte Schreibmappe in geprägter Ledertechnik. Unten links findet sich der Blindstempel ALBERT RENGGLI/ BIEL. Das Werk dürfte von Anna Haller selber stammen.

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Welch hervorragende Gestalterin in Lederschnitttechnik Anna Haller war, beweisen die 44 Ständeratssitze im Nationalratsaal, die sie zwischen 1899 bis 1901 fertigte. Sämtliche Sitze sind mit ALBERT RENGGLI/ BIEL signiert. Dass die Lederarbeiten von Anna Haller ausgeführt wurden, ist inzwischen gesichert. Der Gesamtentwurf für das Ensemble wird Ferdinand Huttenlocher zugeschrieben.

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Aus der Zeit der Lehrtätigkeit Anna Hallers am Technikum Biel (1899 bis 1907) präsentieren wir ein paar Schülerarbeiten der Fachklasse für Graveure und Ziseleure am Technikum Biel. Zwei Blumenstudien stammen vom Wintersemester 1902/03, das eine mit Akeleiblättern siginiert von A.G., das andere mit Stiefmütterchen signiert mit Al. Graber. Das Ornamentblech mit Schriftübungen, signiert mit A.GRUPP Dez. 1903, vermittelt ein unmittelbares Bild aus dem täglichen Unterricht. Signiert von E. Grin zeigen wir zwei Ornamentbleche, eines mit einem Asternstrauss (1900-1915), das andere mit einer Lilienranke, datiert 1907.

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Eine Prägestanze mit dazugehörendem Reliefdruck, inventarisiert mit der Datierung 1900-1910, trägt die Bezeichnung «TECHNISCHE GRAVIRANSTALT BIEL». Sie ist verziert mit Pflanzenranken und Beeren (Zaunrübe?) und trägt die Signatur A. HALLER. Stammt sie etwa von Anna Haller, die selber zwischen 1895-1898 die Fachklasse für Graveure und Ziseleure am Technikum Biel besucht hatte? Dafür spräche die Tatsache, dass Anna Haller in dieser Zeit immer mit Grossbuchstaben und ohne Vornamen signiert hat und zudem auf Datierungen verzichtete. Eine eindeutige Zuordnung lässt sich leider zurzeit nicht machen. Im Schülerrodel des Technikums von 1905-1932 wird noch ein Albert Haller erwähnt, von dem wir aber sonst nichts kennen.

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Von dieser aussergewöhnlichen Frau gibt es aus der Frühzeit wohl noch Einiges zu erforschen. Haller stellte beispielsweise in ihrer Ateliergemeinschaft mit Selma Rohn in Biel (1902-1908) weitere kunsthandwerkliche Gebrauchsgegenstände her und unterrichtete wohl auch privat.

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Die Metallsammlung insgesamt widerspiegelt eindrücklich die Geschichte der Förderung des Gewerbes und Kunstgewerbes im Kanton Bern. Anders als bei anderen Bereichen wurden glücklicherweise kaum Objekte veräussert. Nachdem gegen Ende des 19. Jahrhunderts Vertreter des Kantons Bern, der Lehrwerkstätte und der Gewerbeverbände noch in Europa herumreisten und Objekte ankauften, ging die aktive Sammlungstätigkeit für das Gewerbemuseum danach zurück. Dafür wurde sie in bescheidenerem Rahmen vermehrt auf Werke aus dem Kanton Bern gerichtet.

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In den 1930-er Jahren wurde im Bereich Metall kaum mehr regelmässig angekauft. Ergänzt wurde der Bestand aber mit zwei grossen Werkgruppen: der Sammlung Welti (1936) und der Sammlung von Karl Moser (1937/38). Es ist nicht näher bekannt, wie die Sammlung Welti ins Gewerbemuseum kam. Die Objekte sind leider nur grob datiert und auch geografisch kaum zugeordnet. Sie ergänzten aber sinnvoll die bestehende Sammlung durch Zeugnisse der Metallverarbeitung aus ganz Europa zurück bis ins 15. Jahrhundert. Der folgende Aspekt stand damals im Vordergrund: Die «Technologische Sammlung» sollte Schülern und Lehrlingen als Vorbild des Kunstschmiedehandwerks dienen. Ganz im Geist der 1930-er Jahre sollten die jungen Handwerker anhand der «Schönheit materialgerechter Gestaltung» althergebrachter Formen an die Tradition anknüpfen können. Aus der umfangreichen Sammlung zeigen wir sechs unterschiedliche Türschlösser.

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Denkt ihr beim Entwerfen einer Kollektion jeweils daran, wie ein Kleidungsstück auf dem Foto wirkt?

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Nein, der Entwurf eines Kleidungsstücks entsteht zu einem viel früheren Zeitpunkt. In der Entwicklungsphase stehen die Schlüsselteile der Kollektion, die dann auch auf den Bildern zu sehen sind, noch nicht fest. Die Inszenierung des Fotos ergibt sich erst durch die komplette Kollektion.

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Was ist die Herausforderung bei einem Mode-Fotoshooting?

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Mit den vorhandenen Ressourcen das bestmögliche Ergebnis zu erreichen. Mit jedem weiteren Shooting steht man vor neuen Herausforderungen. Das vorhandene Budget ist wichtig. Und man muss die perfekte Location und das richtige Model finden. Danach müssen die besten Looks zusammengestellt werden. Natürlich sollte auch das Wetter mitspielen.

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Was gilt es bei einem Lookbook zu beachten?

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Wichtig ist, sich auf die relevanten Bilder zu beschränken. Folgende Fragen überlegen wir uns im Vorfeld: Was möchten wir mit den Bildern aussagen? Wen möchten wir ansprechen? Was möchten wir mit den Bildern erreichen?

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Die Berner Design Stiftung hat euch mit einem Förderbeitrag für Vermarktung unterstützt. Was wurde euch dadurch konkret ermöglicht?

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Durch diese Unterstützung konnten wir ein weiteres Mal ein professionelles Fotoshooting umzusetzen, ohne dabei in finanzielle Engpässe zu geraten.

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Was hat dich am meisten beeindruckt, als du für deine Recherchen durch das urbane Paris gestreift bist?

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Während meinen Stadtwanderungen habe ich mit meiner Kamera viele Seiten der Grossstadt Paris kennengelernt. Oft bin ich morgens mit der Metro an eine Endstation gefahren und habe mich danach ins Zentrum zurücktreiben lassen. So entdeckte ich unterschiedlichste Quartiere: Ich war sehr überrascht, wie stark sich diese voneinander unterscheiden. Zum Beispiel befand ich mich im Norden plötzlich in einer quasi arabischen Subgesellschaft. Im Süden wiederum stiess ich auf Strassen voller Architektur aus der frühen Moderne.

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Auch die cité internationale des arts mit ihren 300 Ateliers mit KünstlerInnen und Gestaltenden aus aller Welt ist stark multikulturell geprägt. Dieses internationale Umfeld und der Austausch untereinander ist ein besonders fruchtbarer Nährboden, um tolle Ideen zu entwickeln und den Blick auf seine eigene Tätigkeit zu reflektieren. Die Möglichkeit, sich für sechs Monate aus dem alltäglichen Arbeitsumfeld zu lösen und sich auf eine neue Situation einzulassen, war eine aussergewöhnliche Erfahrung.

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Was war deine Motivation, dich für das Auslandstipendium der Berner Design Stiftung zu bewerben?

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Ohne das Atelierstipendium wäre es für mich nicht möglich gewesen, ein halbes Jahr in einer Grossstadt wie Paris zu arbeiten.

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Inwiefern hat dich das Auslandstipendium beruflich weitergebracht?

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Nach langjähriger Berufserfahrung und meinem eigenen Büro war es für mich eine sehr wertvolle und inspirierende Auszeit – das Auslandstipendium bot mir die Begegnung mit dem Fremden, Möglichkeiten, bekannte Wege zu verlassen und mich Neuem zuzuwenden. Ich schätzte den Freiraum, mich über das Medium Fotografie während einem halben Jahr dem Raum und dessen Wirkung anzunähern. In Zukunft möchte ich vermehrt versuchen, die gewonnenen Sichtweisen in meine Arbeit einfliessen zu lassen.

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An welchem Projekt arbeitest du derzeit?

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Im September wird im Museum Burghalde in Lenzburg eine neue Dauerausstellung zum Thema Stadtgeschichte eröffnet. Ein tolles Projekt, welches unser Büro seit längerem beschäftigt.

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Schon ein kurzer Blick hinter die Fenster der Räumlichkeiten am Randweg 11 in der Lorraine, verrät, dass sich hier das Atelier von Laurin Schaub befindet. Die kleinen Alltagsgegenstände wie etwa die Kaffeetassen mit der für Schaub typischen Marmorierung erkennt man von weitem. Der Keramikdesigner, der ursprünglich aus Luzern stammt und seit dem Besuch der Keramikfachklasse 2006 bis 2008 in Bern lebt, ist mittlerweile weit über die Kantonsgrenze hinaus für seine Werke bekannt. Wie Marmor sind auch Stein und Asphalt Oberflächen, mit denen sich der Designer immer wieder beschäftigt.

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Neben den Objekten, die durch klare Formen gekennzeichnet sind, fertigt der 34-Jährige aber auch abstraktere Gegenstände. So etwa die Vasen «Bushes & Trees», die an Hecken und Bäume in Parkanlagen erinnern sollen. Diese Linie ist auch in den beeindruckenden Objekten «Landscapes as Vessels», die Schaub während seinem Nachdiplomstudium an der HEAD in Genf 2015 hergestellt hat, auf eine subtile Art wiederzuerkennen. Für die skulpturalen Gefässe liess sich der Keramikdesigner von der Tafelkultur des Rokoko inspirieren (siehe Bild oben). Die ornamentale Formsprache der Porzellanobjekte kann derzeit in der Bestform im Kornhausforum Bern bestaunt werden. 2017 wurde «Landscapes as Vessels» von der Berner Design Stiftung angekauft. «Es freut mich, dass die Objekte durch den Ankauf der Berner Design Stiftung nach wie vor ein Gesamtwerk sind. Und es ist mir eine Ehre, dass meine Arbeit nun Teil der kantonalen Sammlung angewandte Kunst ist, die so viele spannende Designstücke umfasst», sagt der Designer.

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Laurin Schaub wird übrigens am 25. April beim Podiumsgespräch zum Thema

«Vom Entwerfen und Verwerten von Designentwürfen»

dabei sein. Weitere Teilnehmer sind:

• Florian Hauswirth Industrial Craft, Produktdesigner
• crisp id, Produktdesign-Kollektiv
• Jürg Scheidegger, Blugo GmbH, Agentur für Design, Marketing, Vertrieb
• Stefan Gelzer, Keramikdesigner und Direktor der Schule für Gestaltung Bern und Biel

moderiert wird der Anlass von Robert Lzicar, Head of MA Design, Hochschule der Künste in Bern

ƒ Mittwoch, 25. April 2017
¢ 19:00 Uhr
¤ Kornhausforum Bern,
º Stadtsaal, 1. Stock

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Ausstellung

ƒ 23. März – 29. April 2018
¤ Kornhausforum Bern,
º 1. Stock

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¢ Montag / Ostermontag geschlossen
º Dienstag, Mittwoch, Freitag:
º > 12.00 – 17.00
º Donnerstag:
º > 12.00 – 20.00
º Samstag, Sonntag, Karfreitag:
º > 11.00 – 17.00

Bei der Bestform sind jeweils ganz unterschiedliche Projekte zu sehen. Wie seid ihr vorgegangen, um diese in der Ausstellung in einen Einklang zu bringen?

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Die Vielfalt der ausgestellten Projekte ist eine grosse Qualität der Bestform und zeigt, wie breit sich die Stiftung engagiert. Wir versuchen die Ausstellungen so zu gestalten, dass es schlichte Elemente gibt, welche die Werke innerhalb der Schau miteinander verbinden. Materialien und Farben wählen wir zurückhaltend, die ausgestellten Werke sollen im Vordergrund stehen. Unsere Szenografie weist dem Besucher den Weg durch die Ausstellung und versucht, die Objekte ins Zentrum zu rücken.

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Die Designer haben sich lange mit ihren Werken auseinandergesetzt. Wie muss man sich die Arbeit mit ihnen vorstellen, wenn es darum geht, die Szenografie zu entwickeln?

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Die Zusammenarbeit mit den Designern ist immer sehr unterschiedlich. Einige überlassen uns ihre Projekte, andere sind aktiv bei der Gestaltung ihrer jeweiligen Ausstellungsflächen dabei. Oft kommt es auf die gezeigte Arbeit an, einige Objekte sprechen für sich und sind demnach auch einfach auszustellen. Andere brauchen eine Umgebung, welche das Projekt inhaltlich oder formal unterstützt. Für das Schaffen dieser Umgebung ist die Zusammenarbeit mit den jeweiligen Machern wichtig, weil sie ihre Werke am besten kennen.

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Was ist euer persönliches Highlight der diesjährigen Bestform?

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Das Re-Design des Festbank-Klassikers: Party Garnitur von Lucas Uhlmann.

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Habt ihr selber ein neues Projekt, an dem ihr zurzeit arbeitet?

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Mit unserem FEINFRACHT® Store haben wir uns ein Projekt erschaffen, an welchem wir täglich arbeiten. Aus vielen kleinen Projekten ergibt sich letztendlich unser Laden an der Kramgasse

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Die Verantwortlichen des Gewerbemuseums in Bern hatten ein gutes Gespür für Trends, als sie um 1900 vierzehn Objekte des Jugendstils erwarben. Gekauft wurde beim Kunsthändler Siegfried (eigentlich Samuel) Bing in seinem Geschäft «L’Art Nouveau» an der Rue de Provence 22 in Paris, das sogar namengebend für diese Kunstrichtung wurde.º

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Bing war ein geschickter Kunsthändler, der Werke der neuen Stilrichtung auch in Übersee verkaufte. Internationalen Ruhm erwarb er sich mit seinem Pavillon an der Pariser Weltausstellung 1900. Bing war vor allem aber auch ein leidenschaftlicher Förderer von Künstlern und Kunsthandwerkern, der es zudem verstand, asiatische und westliche Kunst zusammenzuführen. Er engagierte Kunstschaffende von Nah und Fern und liess so seine 1895 eröffnete Galerie in Paris zu einer Ausstellung für künstlerische Wohneinrichtungen werden. Für die Ausstattung dreier solcher Stilzimmer beauftragte er den belgischen Designer und Architekten Henry van de Velde. Der noch junge, innovative Künstler schuf dafür die Inneneinrichtung inklusive Mobiliar und Wanddekoration und erwarb sich bald den Ruf eines Erneuerers der angewandten Kunst dieser Zeit.º

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Unsere drei Kacheln mit den fliessenden, ornamentalen Linien werden im Katalog der grossen Wanderausstellung «L’Art Nouveau: La Maison Bing» in Amsterdam, München, Barcelona und Paris (2004-2006) ebenfalls Henry Van de Velde zugeschrieben. Die Schöpfer der beiden anderen Wandplättchen aus weissem Opalinglas mit eingebrannten Sonnenblumen und Margeriten sind hingegen nicht bekannt.º

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Der Erwerb der Jugendstil-Kacheln und deren Präsentation im Gewerbemuseum Bern ermöglichte es den hiesigen Designern, qualitativ hochstehendes Anschauungsmaterial der neuen Kunstrichtung zu haben auch ohne nach Paris reisen zu müssen.

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Spannende Geschichten zu weiteren Objekten aus der kantonalen Sammlung angewandte Kunst, gibt es derzeit in der Bestform 2018 im Kornhausforum Bern zu lesen. So zeigt die Berner Design Stiftung beispielsweise das vielfältige Schaffen von Anna Haller und ein Spätwerk von Margrit Linck-Daepp.

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Ausstellung

ƒ 23. März – 29. April 2018
¤ Kornhausforum Bern,
º 1. Stock

¢ Montag / Ostermontag geschlossen
º Dienstag, Mittwoch, Freitag:
º > 12.00 – 17.00
º Donnerstag:
º > 12.00 – 20.00
º Samstag, Sonntag, Karfreitag:
º > 11.00 – 17.00

Pünktlich zum Verkaufsstart einer neuen Kollektion lädt das Designerduo Nicole Verbeek und Evelyne Pfeffer jeweils in sein Ladenlokal an der Monbijoustrasse 99. Dort, wo die eleganten Kreationen des Labels PAMB entstehen, können sich die Kundinnen und Kunden bei einem Glas Prosecco und leckeren Häppchen die Neuheiten anschauen und die Kleidungsstücke auch gleich anprobieren. Am Samstag, 10. März, findet von 14 bis 18 Uhr das nächste Apéro statt – im Mittelpunkt steht dabei die Frühling-/Sommerkollektion «MEMFIDO NR° 2».

Bilder der neuen Kollektion werden übrigens auch in der diesjährigen Bestform zu sehen sein, die vom 23. März bis am 29. April im Kornhausforum zu sehen ist. Denn die Berner Design Stiftung hat das Berner Label 2017 mit einem Förderbeitrag für die Vermarktung ihrer neusten Kreationen unterstützt.

Ihr habt die neue Website der Berner Design Stiftung gestaltet. Was waren die Herausforderungen?

Zu Beginn war es eine Challenge, eine gute Struktur für die bestehenden Inhalte zu finden und die neuen Gefässe und deren Inhalte zu definieren. Auf der gestalterischen Ebene war es zudem eine spezielle Aufgabe, Designer als Zielpublikum zu haben, denn dies ist meist eine kritische und anspruchsvolle Zielgruppe. Dadurch wurde es zur Herausforderung, eine gute Balance zu finden zwischen spannendem, überraschendem Design sowie Übersichtlichkeit und Benutzerfreundlichkeit.

Wie ist die Idee zum jetzigen Webauftritt entstanden?

Es war für uns klar, dass die Website auf der visuellen Ebene «Design» kommunizieren muss, denn dies ist ja der Kern der Stiftung. Das heisst, dass ein Gestaltungswille spürbar sein muss. Zudem war sicherlich auch der Anspruch da, eine zeitgenössische Website zu kreieren, die sich von den bekannten Formen abhebt.

Ihr wurdet bereits selber zweimal von der Berner Design Stiftung gefördert. Was wurde euch dadurch ermöglicht?

Eine Förderung, wie diejenige der Berner Design Stiftung, bietet einem die Möglichkeit, sich für eine gewisse Zeit dem finanziellen Druck von Aufträgen zu entziehen und einem eigenen Projekt nachzugehen. Wir konnten uns intensiv mit neuen Technologien auseinandersetzen, die in unserem Arbeitsgebiet seit ein paar Jahren wichtiger sind. Zeit zu haben, sich einen eigenen, experimentelleren Zugang zu neuen Feldern zu erschliessen, ist sehr wichtig, um diesen später im Alltag einsetzen zu können.

Ein Projekt, das ihr unbedingt noch realisieren möchtet?

Wir arbeiten zurzeit an einem grösseren selbstinitiierten Web-Projekt, das wir gerne vorwärtstreiben möchten. Leider können wir noch nicht viel darüber sagen, da wir den Ideen nun erst mal Taten folgen lassen wollen.

Ansonsten gibt es als GestalterIn noch viel zu tun. Die Steuererklärung hätte auf der visuellen Ebene beispielsweise noch viel Potential. So wären die Leute vielleicht auch motivierter, sich damit auseinanderzusetzen. Aber das überlassen wir dann doch lieber anderen.

Die nächsten paar Monate werdet ihr in Belgrad verbringen. Was für Erwartungen habt ihr an diese neue Erfahrung?

Eine neue Stadt bedeutet immer neue Menschen und neue Ideen. Das kann nur guttun!

Ivan Weiss und Michael Kryenbühl arbeiten als freischaffende Gestalter unter dem Namen Johnson / Kingston in Luzern und Bern. In Auftragsarbeiten, freien Projekten und in ihrer Lehrtätigkeit setzen sie sich mit experimentellen Formen der Gestaltung auseinander. Neben Projekten im Bereich Visuelle Identität, Plakat- oder Buchgestaltung realisieren sie immer wieder Projekte an der Schnittstelle zwischen Gestaltung und Technologie.

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